Bit of Everything

Eu tentei... Mas o Bit fica por aqui!

2009-03-30T20:23:00.004-03:00

Amigos e amigas,

É com tristeza que venho dizer que o meu amado blog vai ficar alguns anos fora do ar. Pelo menos até eu me formar - lá em 2011. Não tenho tempo de atualizá-lo devido à faculdade e estágios e realmente não posso deixar o estudo de lado para mater o blog como gostaria. Agradeço a todos os que leram e comentaram os meus textos e já digo que, se Deus quiser, daqui uns anos eu voltarei à todo vapor com o Bit!

"Qualquer dia, amigo, eu volto a te encontrar..."

Espero conseguir mater contato com os blogueiros que estão na minha lista do MSN e saber notícias sobre tudo o que rola por aí.

GRANDE abraço a todos vocês!!

Juno

2009-03-25T10:03:00.002-03:00

O que decididamente mais me irrita em filmes que abordam uma temática adolescente são os roteiros sempre clichês, bobinhos e idênticos. Chegou, então, uma ex-striper de nome Diablo Cody e escreveu o roteiro ousado sobre a garota Juno e entregou as mãos de Jason Reitman para que este o dirigisse. O que acontece eh que muitas pessoas acharam a idéia central deste filme horrenda, uma vez que poderia ser tratada de forma fria demais. Mas Reitman, apesar de, pra mim, a fita ser extremamente direta, lança mão de uma sensibilidade aparente ao conduzir o roteiro. Juno conquistou muitos críticos e cinéfilos e foi tido como a comedia dramática do ano, sendo, assim, indicado a 4 Oscar – vencendo o de Roteiro Original.

Juno (Ellen Page) é uma adolescente como outra qualquer, que não tem o intuito de se comprometer com nada que seja parte do viés da responsabilidade. Na verdade, ela é totalmente desleixada e vive fazendo piadas, mas deixo claro que estas sempre são bastante inteligentes. Ela mora com seu pai (J.K. Simmons ) e sua madrasta (Allison Janney), alem de ter um melhor amigo, Paulie (Michael Cera) com o qual resolve brincar de gente grande e acaba sofrendo as consequências desta brincadeira. A garota, sendo mais claro, fica grávida do melhor amigo, que também é um adolescente que só pensa em treinar cooper e comer pastilhas “Tic Tac”. De pronto, Juno pensa em apelar para algo extremo, o aborto. Mas logo ela desiste da idéia, conta para seus pais e, com a ajuda de sua amiga resolve procurar pais perfeitos para adoção pelo jornal. É assim que encontra Mark (Jason Bateman) e Vanessa (Jennifer Garner): um casal bonito, legal e que sonham em ter um filho. Desta forma, Juno “fecha contrato” com o casal e passa a conviver com eles por conta da gravidez, uma vez que Vanessa queria acompanhá-la de perto. A partir daí, o filme toma dimensões mais adultas, pois alguns fatos começam a acontecer, os quais prejudicarão a harmonia do casal.

Diablo Cody foi elogiadíssima por seu argumento bastante atual. E confesso que a primeira vista também o achei incrível. Mas depois de mais duas revisões, acabei percebendo que o roteiro, apesar de original, bate de frente com alguns valores que sigo. O desfecho da fita é extremamente fiel a todo o restante, mas mesmo assim percebemos que o sentimento de Juno para com a criança era muito maior do que ela achava. Vamos ao que me deixa inquieto acerca do texto: tudo gira em torno da irresponsabilidade de Juno e Paulie. Ela encontra o casal perfeito para adotar a “coisa” (Juno se refere assim ao próprio filho), PARA QUE ESTA TENHA UMA EDUCACAO CORRETA E SEJA CRIADA POR ADULTOS RESPONSÁVEIS. O que segue tem SPOILER. Percebam, pois, que Mark e Vanessa se separam antes mesmo do nascimento da criança e, deste modo, a pobre “coisa” terá uma educação tão prejudicada quanto se tivesse ficado com a adolescente irresponsável. Fim de SPOILER. Aqui, então, cai por terra a possível lição de moral sobre responsabilidade que deveria estar contida no filme.

A direção de Reitman é apenas correta no que tange a condução do argumento. Mas se formos analisar o seu trabalho de apoio ao elenco, temos algo bastante interessante. Imaginando ser decapitado agora pelos senhores, digo que não vejo nada demais na atuação de Ellen Page. Ela interpreta a si mesma e não se aprofunda na situação, a meu ver (diferentemente do que faz Mickey Rourke em O Lutador: é ele mesmo, mas com uma entrega impressionante). Tem lá seus momentos que me fizeram rir, mas tudo por culpa de boas tiradas inseridas por Cody (Page faz muito mais em Os Fragmentos de Tracey onde, inclusive, nos apresenta a melhor atuação de sua carreira). J.K. Simmons, Allison Janney, Michael Cera e Jennifer Garner, no entanto, estão brilhantes. Jennifer entrou fácil entre as melhores coadjuvantes daquele ano na minha lista. Em termos técnicos, Juno não tem nada desenvolvido ate por que não precisava. O que vale destacar é a trilha sonora, que é linda de morrer! Pensei horas sobre que nota final atribuir a esta fita. Resolvi classificar a direção de Reitman e a atuação de Page como, de fato, apenas corretos e, desta forma, não tiro nota por culpa deles. Saibam que meu grande problema é como já expus aqui, o roteiro da estreante Diablo Cody.

Nota: 7,0

Juno; EUA, 2007; DRAMA/ROMANCE/COMÉDIA; de Jason Reitman; Com: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, J.K Simmons, Allison Janney, Olivia Thirlby.

COMUNICADO: Como os caros leitores e leitoras do Bit of Everything puderam perceber, o editor que vos fala está ausente em termos de postagem e comentários nos blogs parceiros. O pior é que por um tempo indeterminado eu continuarei postando mais ou menos a cada dois dias (as postagens eram diárias) e minha relação com os parceiros não será mais tão constante. Claro que continuarei arrumando um tempinho para comentar neles, mas peço um pouco de paciência. Obrigado pela compreensão!

Top 5 e Selos

2009-03-22T13:56:00.007-03:00

Há uns dias, o Otavio (Hollywoodiano) postou o seu top 5 Clint Eastwood. Então, também fiquei com vontade de montar um top, mas decidi escolher filmes do amado (nem tanto por mim) Martin Scorsese. Então, vamos lá:

5. Cassino (1995)

4. A Época da Inocência (1993)

3. Os Bons Companheiros (1990)

2. Taxi Driver (1976)

1. Touro Indomável (1980)

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Também aproveito para apresentar 4 selos com os quais Thiago (Cine e Séries) nos presenteou! Mais uma vez, obrigado. Optei por indicar um blog por selo, ok?!

* 100% Intradutível

Indicado: Alex (Cine Resenhas)

* Esse Blog é Quente

Indicado: Sérgio (Blog dos Cinéfilos)

* Esse Blog Entrete a Gente!

Indicada: Kamila (Cinéfila por Natureza)

* Esse Blog é Demais

Indicada: Mayara (Apaixonada por Cinema)

Especial PTA: Embriagado de Amor

2009-03-20T21:12:00.004-03:00

Por diversas vezes fomos “agraciados” com açucaradas histórias de amor no Cinema. Não é de se estranhar que praticamente toda semana temos uma estréia de algum filme deste gênero, já que eles sempre arrecadam muito dinheiro. Mas convenhamos que em 99% dos casos a história é absolutamente a mesma e enfoca somente o romance, a paixão. Isto é, deixa a vida particular e interior dos envolvidos em segundo plano ou, pior, nem a colocam em evidência. Agora, alguns generosos cineastas já mostraram que pode haver originalidade no romance, filmando, por exemplo, o interessante Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças, o caramelizado (mas muito bonito) P.S. Eu Te Amo, o direto e espetacular As Pontes de Madison. Lógico que o centro deste nosso Especial não poderia deixar por menos e também deu um jeito de inovar e acabou lançando Embriagado de Amor, um romance que transcende uma simples história de amor e, por esse motivo, torna-se complexo e cheio de simbolismos.

Barry Egan (Adam Sandler) é um sujeito estranho que cresceu aturando sete irmãs mais velhas e, por isso, tem uma espécie de trauma – infância difícil, cheia de abusos por parte das sete. Ele tem um pequeno negócio, mas este aparentemente vai ido de mal a pior. Nos primeiros minutos de filme, o diretor e roteirista Paul Thomas Anderson, lança na tela uma colisão entre dois carros, o que promove o abandono de um piano às portas do escritório de Barry. Este não hesita e leva o instrumento para dentro da fábrica e, minutos depois, conhece Lena (Emily Watson): uma mulher bastante misteriosa que, por ironia do destino, é amiga de uma das irmãs de Barry. Entretanto, ele ainda não sabe quem é e nem sabe como interagir com pessoas. Tentando fugir de tudo, numa noite, ele liga para o disk-sexo e fala com uma das moças a qual, de maneira muito cruel, começa a chantagear o rapaz, a ponto de colocar uma gangue atrás dele. Pronto! A vida de Barry que já era complicada vira de cabeça para baixo e começa a ser uma mistura de sentimentos. O roteiro é inteligentíssimo, uma vez que vai a fundo à vida do personagem de Sandler e exterioriza toda a complexidade acerca dele. Como tanto o piano, Lena e a gangue são “coisas” novas na sua vida, ele chega a ficar perto de afundar na sua própria existência; mas com a ajuda da personagem de Watson, ele se auto-descobrirá e viverá como jamais viveu.

Paul mostra mais um artifício de filmagem que, até então, não tinha utilizado. Percebam, por exemplo, quando Barry está sentado à mesa e, movimentando a câmera horizontalmente para o lado, vemos o resto do jantar do rapaz, denotando a sua completa solidão. É uma maneira de revelar algo sobre o personagem sem utilizar pessoas; somente móveis e objetos. O texto também é muito interessante e é cheio de metáforas e simbolismos. Confesso que não gostei muito da inserção do piano na trama. Achei um tanto quanto forçado, já que pode ser interpretado como a vinda da música para a vida do sujeito, ou seja, a alegria de viver (Pablo Villaça disse isso em seu texto, mas mesmo assim acho bastante estranho). Na resenha sobre Boogie Nights reclamei do trabalho de Paul e Robert Elswit no que diz respeito à fotografia. Bom, neste Embriagado de Amor, os dois fazem algo extraordinário neste quesito. A composição quase caótica de cores – que comumente se misturam com os mosaicos coloridos que denotam o interior bagunçado de Barry – e os ângulos utilizados são no mínimo brilhantes. Talvez o maior motivo que levou os cinéfilos a não gostarem do filme foi sua trilha sonora. Jon Brion visivelmente compõe uma trilha que ninguém imaginava para este tipo de filme. É um extremamente bem bolada e já se mostra uma maneira de denotar a personalidade do protagonista por meio de acordes (o que deu muito certo no último filme de Paul, Sangue Negro).

Alguns dos amigos devem saber que quando eu escuto o nome Adam Sandler, saio correndo (e se possível num carro turbo pra fugir rápido). Nem é birra, só o acho um ator extremamente fraco que não se dá bem nem em comédias. Mas também não sou hipócrita: seu Barry Egan é muito bem construído e depois que terminei de ver o filme fiquei parado pensando “esse é mesmo o sofrível Sandler?”. Philip Seymour Hoffman também dá o ar da sua graça e, em duas ou três cenas, é espetacular, assim como Mary Lynn Rajskub que é genial como a irmã de Barry. Uma pena eu ter achado, entretanto, a personagem de Emily Watson mal desenvolvida. Isso acabou atrapalhando a própria atriz que está um pouco apagada; e vale lembrar que acho Watson uma atriz notável: sua atuação em Ondas do Destino, pra mim, está entre as melhores da história. Na verdade, este mau desenvolvimento pode estar associado ao alto grau de complexidade despejado no filme. Paul já mostrou que sabe trabalhar com isto em todas as suas fitas e mesmo este Punch-Drunk Love contendo sacadas extraordinárias no roteiro, peca somente no volume de alguns itens confusos.

Nota: 8,0

Punch-Drunk Love; EUA, 2002; DRAMA/ROMANCE/COMÉDIA; de Paul Thomas Anderson; Com: Adam Sandler, Emily Watson, Philip Seymour Hoffman, Luis Guzmán, Mary Lynn Rajskub, Lisa Spector.

2h37

2009-03-19T14:47:00.003-03:00

Na capa deste 2h37 podemos observar a seguinte frase: “O melhor filme que aborda a vida de adolescentes. Chocante!”. Bom, para meio entendedor, meia palavra basta. Quem lê esta frase fica se corroendo de vontade de assistir ao filme por achar que vai encontrar algo diferente. Em 2003, Gus Van Sant trouxe a tona a sua obra-prima, Elefante, que recriava a tragédia da Columbine High School – o fatídico dia onde diversos alunos foram assassinados por próprios colegas nos EUA – e mostrava, entrelinhas, o subconsciente dos protagonistas de tal atentado. Gus esmiúça a vida dos dois garotos sem o intuito de tentar arrumar uma desculpa, ou seja, sem a pretensão de responder “por que eles fizeram aquilo?”. Além disso, ele acompanha todo o dia em que se deu o incidente e aproveita para apresentar vários adolescentes com suas angústias e medos. Este sim é o melhor filme que retrata esta fase da vida. 2h37?! Não passa de uma cópia de Elefante com um ou dois pontos do roteiro que diferem da fita de 2003.

O filme, escrito e dirigido por Murali K. Thalluri, começa e termina no mesmo dia. Mostra diversos personagens adolescentes que têm alguns problemas de ordem emocional e, para fazer isso, Murali optou por montar depoimentos dos próprios personagens que são passados ao longo da reprodução (tentou dar um ar documental como há no filme de Gus). Tudo parece girar em torno de Melody (Teresa Palmer) e seu irmão Marcus (Frank Sweet): aparentemente estão meio brigados e o motivo da briga vai ser explicitado no fim do filme e chega a ser chocante de tão forçado. Também temos um jovem que não assume quem realmente é, uma menina que sofre de distúrbios alimentares, um garoto que é o tempo todo reprovado pelos pais e outro que sofre de problemas fisiológicos e, por isso, é motivo de piada. Temos, no entanto, uma sétima pessoa, Kelly, que será o ponto crucial do desfecho. Pelo o que se pode perceber, Murali dedicou o filme a esta sua amiga, Kelly, e desta forma esperamos que o filme mostrasse tudo sobre a garota. Não sei como, ela é a personagem que menos aparece e, no entanto, é por sua culpa que o filme tem esse nome e foi por sua causa que fiquei em choque com o final da fita.

O que não é cópia de Elefante?! Os depoimentos dos jovens e o desfecho. Na realidade, ainda não digeri direito o porquê que ele ocorreu, nem tampouco o porquê de inserir algo tão brutal acerca de Melody e Marcus. A direção, apesar de ser muito competente no que tange o elenco, copia sem dó o que Van Sant fez em seu filme. Por exemplo: por meio de travellings mostra a ação de algum personagem; minutos depois, mostra a mesma cena, mas do ponto de vista de outra pessoa. Os bruscos cortes de planos também são parecidíssimos com os que vimos em Elefante. O que salva este 2h37 – e me perdoe quem gostou do filme, mas está bem claro que não foi o meu caso – é o elenco. A atuação de Teresa Palmer é magnífica, principalmente nos momentos finais. Frank Sweet, Joel Mackenzie (o menino que é reprovado pelos pais) e Charles Baird (o garoto com problemas fisiológicos) também não estão menos que brilhantes. Uma pena ver um elenco tão inspirado num filme tão sem personalidade que tenta inserir artifícios textuais para amenizar a falta de atitude.

Nota: 4,5

2h37; AUSTRÁLIA, 2006; DRAMA; de Murali K. Thalluri; Com: Teresa Palmer, Frank Sweet, Joel Mackenzie, Charles Baird, Sam Harris, Marni Spillane, Clementine Mellor, Sarah Hudson, Gary Sweet, Amy Schapel.

Um piloto impressionante!

2009-03-18T15:58:00.004-03:00

Ontem foi ao ar, na Warner, o piloto da série Fringe. Depois de ouvir inúmeros elogios me arrisquei, mesmo que com um pé atrás. O que aconteceu é que o episódio é extraordinário. A temática é muito atual e mostra a linha tênue que separa a ficção científica da realidade. Fala de ciência, ética, moral e até de amor. Em suma, a série é isto: "Quando um acidente aéreo ocorre em Boston, matando todos os passageiros e a tripulação de forma chocante, a agente especial do FBI Olivia Dunham (a novata Anna Torv) é chamada para investigar. Depois que seu parceiro, o agente especial John Scott (Mark Valley, de Boston Legal), quase morre durante a investigação, Olivia procura desesperadamente por ajuda e acaba conhecendo o Dr. Walter Bishop (John Noble, o Denethor de O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei), considerado o Einstein da nossa geração. Só há um problema: Walter esteve internado em uma clínica psiquiátrica pelos últimos 17 anos e a única forma de questioná-lo é pedindo ajuda a Peter Bishop (Joshua Jackson, o Pacey de Dawson's Creek), o estranho filho de Walter que possui um QI de 190. Quando a investigação de Olivia a leva à manipuladora executiva Nina Sharp, esse trio improvável, ao lado dos agentes do FBI, Philip Broyles (Abaddon, de Lost) e Astrid Farnsworth, vai descobrir que o que aconteceu com o vôo 627 é apenas um pedaço de uma verdade maior e mais chocante.". Não é de arrepiar?! E se eu contar que tudo isso é abordado apenas no piloto?! É frenético, alucinante e no mínimo tende ao genial. Anna Torv já é uma revelação e John Noble é incrível como médico meio maluco.

Bom, fica aí a dica. É provável que tenha reprise do primeiro episódio no domingo. A série vai ao ar todas as terças-feiras às 22hrs na Warner Channel. Vale a pena!

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E por falar em séries, andei passando o olho na Central de Notícias (aqui do lado direito do blog) e me deparei com a notícia de que David Chase, autor de The Sopranos, volta à HBO para produzir uma nova série (A Ribbon of Dreams) sobre a história de Hollywood; contará a evolução da indústria cinematográfica nos EUA, desde o cinema mudo até ao modelo atual. Não é um excelente projeto? Para ler mais sobre ele, clique aqui.

Especial PTA: Boogie Nights - Prazer Sem Limites

2009-03-17T15:32:00.002-03:00

No telefilme Gia – Fama e Destruição nos é exposto o auge e a decadência da carreira da primeira grande top model mundial, Gia Carangi. Em Johnny e June somos apresentados também ao auge e declínio de alguém, neste caso do cantor Johnny Cash. O que os dois personagens principais dos filmes citados têm em comum?! Ambos chegaram ao fundo do poço não só por ações mundanas, mas sim por problemas sérios com drogas. Pode-se dizer que o mesmo será observado em Boogie Nights – Prazer Sem Limites, mas o tema vai muito mais além, pois enfoca o que cada pessoa faz para alcançar a fama, e o fundo do poço parece ser inerente à vida dos personagens. Então, como esta fita de Paul Thomas Anderson coloca a fama e suas conseqüências em evidencia, conseguimos enxergar, mais uma vez, semelhanças com as outras duas películas citadas.

O roteiro de Boogie Nights, escrito pelo próprio PTA, trás a tona, mais uma vez, uma história multinuclear, ou seja, com vários personagens se entrelaçando o tempo todo. Apesar de ser menos complexo que Magnólia, o filme tem um grau de dificuldade em sua exposição, uma vez que nos apresenta o interessante mundo acerca da indústria pornô cinematográfica. Na verdade, Paul opta por ambientar o filme no fim dos anos 70 e começo dos 80, onde os “filmes para adultos” tiveram uma ascensão incrível tanto em termos de qualidade, quanto em termos de público alvo. Mark Wahlberg interpreta Eddie, um garoto que sabe que tem um dom, mas não consegue encontrar seu lugar ao sol, ate que é descoberto pelo cineasta Jack Horner (Burt Reynolds), o qual é conhecidíssimo no ramo pornográfico. Não demora muito e Eddie já está muito a vontade neste ambiente diferente do convencional e nele conhece pessoas muito interessantes como Amber (Julianne Moore), que é atriz pornô mas tem um segredo difícil em seu coração; Brandy também é atriz, mas sofre discriminações na escola por isso; Antony (John C. Reilly), é ator profissional no ramo e Buck (Don Cheadle) que, aparentemente, segue a mesma carreira mas tem sonhos mais abrangentes; Scotty (Philip Seymour Hoffman) que trabalha na parte da produção e se vê apaixonado pelo mais novo astro da companhia, Dirk Diggler (o nome artístico escolhido por Eddie).

O texto divaga por esse mundo peculiar e, por oras, freak e vai mostrando a ascensão de Dirk até chegar ao seu grande auge. Mas como é comum que aconteça – e particularmente não sei dizer o porquê – tudo que sobe um dia deve cair. Dirk vira um viciado em cocaína e vê seu dom cair por terra e, com isso, acaba brigando com Jack e deixando a produtora. O fundo do poço estava preparado para ele, mas um desfecho um tanto quanto paradoxal esta reservado para todos. O mais interessante na direção de Anderson é que, mesmo com o tema, ele não deixa que seu filme tome um caminho pervertido e nem vulgar. É uma direção muito cautelos e esta é uma característica indelével na carreira deste diretor. Ele insere artifícios de câmera que, mesmo vistos novamente em Magnólia, continuam funcionando muito bem. O melhor deles, sem dúvidas, são os longos e maravilhosos travellings, ou seja, tomadas nas quais Paul segue um dado personagem com a câmera, sem cortes, até onde ele for e, por algumas vezes, chega a “trocar” de alvo, recomeçando o ciclo. No mais, mostra mais uma vez a impressionante capacidade de conduzir um elenco como mostrou em todos os filmes, até agora. Mark é ótimo no papel de ator pornô, assim como John C. Reilly. Philip, como sempre, está brilhante e o mesmo posso dizer da genial composição de Julianne Moore. A técnica é muito boa, mas confesso que esperava muito mais de Robert Elswit e sua fotografia. Os figurinos, entretanto, são um charme e mereciam ser levados mais em consideração (Mark Bridges, subestimado figurinista de todos os filmes de PTA).

Mesmo tangendo a esfera do cinema pornográfico, a fita não fica só por aí. Apesar de apresentar alguns conflitos recorrentes na vida de alguns personagens – os quais vão “além ofício” – acredito que o filme é longo demais para o que propõe. Como eu comentei, o desfecho é paradoxal e não vejo outro adjetivo para ele. Ao mesmo tempo em que gostei bastante do final de alguns personagens, fiquei insatisfeito com os de outros, por serem decorrentes de situações um pouco absurdas (o caso de Buck) ou ainda clichês (como o final do próprio Dirk). A partir do desfecho nós podemos concluir que para se encaixar na vida, precisamos passar dos limites e passar por maus bocados; só assim aprenderemos. Muitas vezes podemos tirar proveito da desgraça dos outros e mesmo isso sendo muito imoral, acaba sendo pautado na película. Assim como os demais filmes de Paul Thomas Anderson, este “Prazer Sem Limites” tem complexidades incrustadas em seu cerne, mesmo que não muito difíceis. Mais um ótimo filme de um extraordinário diretor. Aguardem a próxima resenha do especial: falarei sobre o diferente Embriagado de Amor.

Nota: 8,5

Boogie Nights; EUA, 1997; DRAMA; de Paul Thomas Anderson; Com: Mark Wahlberg, Burt Reynolds, Luis Guzmán, Julianne Moore, Don Cheadle, Philip Seymour Hoffman, Heather Graham, Thomas Jane, William H. Macy, John C. Reilly.

30 Dias de Noite

2009-03-15T13:18:00.003-03:00

O clima dark, remoto e gelado do Alaska ajudou a montar este filme que, por muitos, foi considerado um dos melhores terrores da atualidade. O que acontece é que, desde os primeiros minutos de 30 Dias de Noite, o diretor David Slade faz questão de tentar explicar o porquê de aquelas pessoas viverem de forma tão isolada e esta explicação tenta ser embasada com algumas metáforas infundadas. Durante trinta dias de inverno, a cidade ficará na completa escuridão – o que, de fato, acontece por lá – e durante estes “dias de noite” um grupo de coisas atacará a população local. Refiro-me às “coisas” por que simplesmente não sabemos o que eles são. As sinopses que encontramos nos dizem que é um grupo de vampiros, mas o roteiro não deixa claro se realmente são e, inclusive, de onde vieram.

Eben (Josh Hartnett) é o xerife local e está aparentemente perdido por ter terminado seu relacionamento com Stella (Melissa George), mas a vida dos personagens não vem ao caso. Quando um estranho (Ben Foster como sempre excelente) chega à cidade, fatos estranhos começam a acontecer e tudo indica que ele sabe o que está por vir. Surge então, do nada, um grupo de seres que se alimentam de sangue (ou carne?) humano e obviamente vão dizimar parcialmente o local. Não sabem, porém, qual a relação entre o estranho e o grupo sanguinário. Assim, por trinta intermináveis dias escuros, os sobreviventes terão que se virar para não caírem nas garras dos seres. O desenvolvimento da fita não tem nenhum diferencial: é igualzinho aos demais filmes do gênero que estamos cansados de ver. Não posso negar que algumas sequências são tensas e tomei um ou dois sustos. Porém, tudo desemboca num final que beira o ridículo.

A técnica da película é bem interessante. Jo Willems é certeiro na escolha de ângulos que favoreçam o clima sombrio do filme e faz com que a fotografia seja bastante correta. Não sei bem se aquele vilarejo já existia; se é tudo fruto de um desenho de produção, a direção de arte é sensacional. A maquiagem é competente e os efeitos visuais também. O elenco tenta e se esforça, mas o roteiro (de Steve Niles, Stuart Beattie e Brian Nelson, baseado em quadrinhos de Steve Niles e Ben Templesmith) é confuso e não desenvolve os personagens. Óbvio que sou obrigado a citar, em especial, o subestimado Ben Foster que, pra mim, sempre está maravilhoso no cinema (e não fez por menos na obra-prima televisiva Six Feet Under). Por ser baseado em quadrinhos, o texto deveria ser bem mais claro e coerente, o que está longe de ser. Mesmo sendo tecnicamente bem legal, 30 Dias de Noite torna-se uma tentativa errônea de transpor um material que deve ser muito bom. É só mais um filme com muito sangue e pessoas sendo comidas por seres vindos do nada...

Nota: 5,0

30 Days of Night; NOVA ZELÂNDIA/EUA, 2007; TERROR/SUSPENSE; de David Slade; Com: Josh Harnett, Melissa George, Danny Huston, Ben Foster, Mark Boone Jr., Mark Rendall, Manu Bennett, Amber Sainsbury.

Lil, Alexis, Megan, Adam e Adele

2009-03-13T19:53:00.006-03:00

Bom, fiz isso bem de última hora. Estou um tantinho cansado, pois hoje já comecei no estágio - para o qual eu tive que fazer aquela prova que me deixou fora do ar por umas semanas, lembram?! - e não estou inspirado o suficiente para escrever a segunda parte do Especial PTA (clique aqui para ver a primeira parte) e tampouco para divagar sobre a pequena obra-prima que vi ontem, O Piano. Então, vou postar cinco vídeos: os quatro primeiros se referem aos meus quatro preferidos da oitava temporada do American Idol (Lil, Alexis, Adam e Megan, respectivamente) e peço que mesmo os que não acompanham o programa, deem uma olhadela neles. Lil tem um vocal absurdo, Alexis seduziria até o Papa, Adam fez algo impressionante com "Satisfaction" dos Rolling Stones e Megan é simplesmente uma das mais interessantes e diferentes cantoras a passar pelo programa. Por fim, resolvi colocar o clipe da canção "Chasing Pavements" da minha mais nova paixão, Adele. A música é maravilhosa e este vídeo lindo de morrer (além de super original). É isso, meus caros amigos e amigas! Tenham todos um excelente fim de semana!

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Onde os Fracos Não Têm Vez

2009-03-12T14:20:00.002-03:00

A violência. O caos instalado numa terra sem leis. Um caçador encontra uma valise cheia de dinheiro. Um sádico assassino a solta. E um xerife buscando trazer a utópica paz ao local. Estamos no Texas, década de 80, local onde se desenrola o filme dos irmãos Joel e Ethan Coen o qual foi adaptado da obra-prima de Cormac McCarthy (Onde os Velhos Não Têm Vez) e venceu quatro Oscar, incluindo Melhor Filme. O que mais impressiona na obra literária é a densidade da história e a quantidade de metáforas acerca delas e, por isso, o trabalho dos Coen não foi fácil. Eles deixam o conhecido humor negro que sempre utilizam em seus filmes, e abrem as portas para um roteiro frio, pesado e que, a meu ver, acompanha perfeitamente o livro e se faz, assim como ele, pessimista.

Llewelyn Moss (Josh Brolin), é um caçador que, por força do destino, encontra uma mala minada de dinheiro e, não muito longe dali, um massacre no meio do deserto. O caçador, nesta altura, tinha duas certezas: a primeira é que pegaria o dinheiro e a segunda é que, sem a menor dúvida, alguém, mais cedo ou mais tarde, estaria atrás dele para recuperar a quantia. Não pestaneja e leva a valise para seu trailer, mas o tempo todo ele sabe que aquilo não acabaria bem. Começa, então, a ser perseguido por traficantes mexicanos – uma vez que fica claro que a chacina foi decorrente de uma transação que não deu certo – e, como se não bastasse, um matador absurdamente cruel, Anton Chigurh (Javier Bardem), também começa a caçar Llewelyn. No mesmo local o xerife Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones) tenta encontrar Llewelyn antes que Anton o faça, mas logo percebe que, de fato, será um fardo pesado demais uma vez que o matador é astuto e não poupa nenhuma vida. A cada pista seguida, Ed encontra um ou mais corpos que foram brutalmente exterminados, à queima roupa, por Chigurh. Basicamente, a trama do filme é esta. Joel e Ethan, de forma muito respeitosa, transpõem o livro para o cinema de forma exemplar. Os diálogos existentes na obra de Cormac são, em sua maioria, impactantes e os cineastas não pouparam esforços para captá-los e inseri-los na fita ao pé da letra.

Além de um belo roteiro, Onde os Fracos Não Têm Vez conta com uma direção interessante dos irmãos. O primeiro contato que temos com o massacre inicial é impressionante, pois tudo é muito real e isto e afirmado pela total falta de trilha sonora. Além disso, Joel e Ethan preferem por derramar na película algumas metáforas interessantes, as quais sempre são remetidas à nossa sociedade. Como é normal, os Coen desenvolvem seu elenco de maneira singular: Tommy Lee Jones é o xerife cansado, mas é a personificação de esperança – mesmo esta sendo totalmente negada na cena final; Josh Brolin e Kelly Macdonald (que interpreta a namorada de Llewelyn) representam a sociedade “indefesa” que tenta não cair nas garras da personificação da maldade salpicada com violência, Javier Bardem. A montagem segue o ritmo do filme o tempo todo e é bastante correta, assim como a parte sonora. Roger Deakins aproveita a região desértica do Texas e apresenta uma direção de fotografia absurda que, pra mim, quase chega à perfeição. Em suma, tudo gira em torno de algum trâmite que não deu certo e, por essa razão, desencadeará um jogo de vida ou morte, onde sair ferido é o mínimo que pode acontecer.

Gostaria de deixar um parágrafo para o desfecho do filme. Tive a oportunidade de ler a obra, mas fiz isto após ver à fita. Quando fechei o livro, fiquei em estado de choque, pois os diretores sugaram a essência de uma última página pessimista e a despejaram dentro do desfecho do filme o que, a meu ver, é uma sacada genial. Romantizar algo que é impossível de acontecer – no caso, ter um final feliz - é jogada para diretores fracos e bobinhos o que prova, definitivamente, que os Coen são geniais. Tommy Lee Jones faz um discurso no qual descreve uma sociedade pacífica, digna e menos brutal. Queremos apenas não ter nossas vidas decididas por um jogo de cara-ou-coroa, ou ainda não precisamos morrer num simples atravessar de rua. Sonhar com tudo isso não é proibido, o problema é quando acordamos e percebemos que era, de fato, somente um sonho. Assim termina a fábula do terror e da violência extraída com precisão de uma obra literária pelos grandes Joel e Ethan.

Nota: 9,0

No Country For Old Men; EUA, 2007; DRAMA; de Joel e Ethan Coen; Com: Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Kelly Macdonald, Woody Harrelson.

O Estado Visceral

2009-03-10T15:17:00.004-03:00

Muito se fala quando algum artista desempenha um trabalho que excede o limite do ótimo. E a maioria das pessoas acaba adjetivando tal desempenho como sendo visceral ou, em outro idioma, tour de force. O verdadeiro significado destes adjetivos vai muito além de apenas ultrapassar o ótimo numa atuação. O visceral não dá as caras somente no Cinema: pode ser visto também em palcos teatrais – e, na verdade, é muito mais complicado compor um tour de force on stage – ou ainda durante uma apresentação musical (claro que quando a canção propõe algo no estilo). Mas então, já que visceral não é apenas sinônimo de boa interpretação, o que leva uma pessoa a este estado?

Sendo bem pragmático, visceral é aquilo que transcende a vida particular do artista. Ou seja, quem quiser atuar sob um tour de force, deve se jogar de cabeça na vida de seu personagem e, de fato, assumir a vida que está descrita no papel. Mesmo que nem sempre seja algo palpável – uma vez que o personagem pode sair de um livro ou de um texto original e, desta forma o artista não tem uma base real de quem deve interpretar; quem se submete ao visceral deve criar uma atmosfera única e exclusiva do seu personagem e, quando estiver em frente às câmeras (ou no palco), deixar de lado sua existência e exteriorizar apenas a personalidade de quem deve interpretar. Ser visceral é ter o dom, mesmo que momentâneo, de conseguir sentir o que seu papel sente; é colocar-se na pele dele e deixar de viver sua vida particular naquele espaço de tempo singular. Na verdade, esta questão de ser momentâneo é bastante relativa, pois conheço pessoas que se submeteram a uma atuação muito forte e tiveram problemas, depois da temporada em que a peça ficou em cartaz, de se libertarem dos personagens. Aqui entra o psicológico da pessoa e sua força mental: saber discernir a sua realidade da realidade que está retratada no roteiro.

Passei por uma experiência há uns anos atrás em que optei por entrar num tour de force, quando eu fazia parte de uma companhia teatral. A peça chamava “Entre Uma e Outra, Carolina” e era extremamente complicada: eu interpretei Pedro, o qual decide, no dia do seu velório, se desculpar com todas as mulheres as quais magoou profundamente. Eram cenas muito difíceis que envolviam sedução, ódio, amor, paixão e, principalmente, drama. A minha dedicação foi tanta que em alguns ensaios eu tive que parar e me restabelecer da cena (em duas delas, principalmente: quando ele se desculpa com sua mãe e quando a Morte vem lhe buscar). Até essa oportunidade não sabia ao certo a sensação de interpretar de forma visceral e hoje sei bem que, ao passo que é muito dolorido, nos trás uma felicidade imensa, pois nos provamos. No Cinema temos vários exemplos de atuações neste estilo e vou citar algumas: Glória Swanson (Crepúsculo dos Deuses), Marlon Brando (O Poderoso Chefão Parte I), Vivien Leigh (Uma Rua Chamada Pecado), Bruno Ganz (A Queda! – As Últimas Horas de Hitler), Meryl Streep (A Esolha de Sofia), Daniel Day-Lewis (Sangue Negro). Mas atuar com força total não nos remete apenas a atuações grandiosas e “exageradas”. Peguemos dois exemplos recentes: Paul Giamatti (Sideways – Entre Umas e Outras) e Julianne Moore (Longe do Paraíso). Ambos são viscerais, mas de forma contida, pois seus personagens eram contidos. Esta forma do “ser visceral” é ainda mais complicada, uma vez que o personagem sofre internamente e o artista deve deixar isso bem claro. A retórica (no que tange a “oratória visual e gestual") é de extrema importância aqui, já que se necessita de olhares e gestos que falem por palavras. Particularmente admiro muito um ator ou atriz que consiga se dar bem quando decide estar sob este estado. Por experiência própria – e isso não tem nada a ver com me gabar por isso – digo que é muito complicado e assustadoramente complexo.

Herói

2009-03-09T14:35:00.003-03:00

Se pararmos para pensar, o cinema asiático tem o costume de ser, em sua grande maioria, espetacular visualmente. E não importa o gênero, já que os filmes que se encaixam neste grupo vão desde os mais dramáticos (como Casa Vazia), passando pelo terror (O Hospedeiro) e desembocando em violência pura e aplicada (como na Trilogia da Vingança). Mas é inegável que as fitas que mais nos proporcionam cenas visualmente deslumbrantes são as que colocam as artes marciais em evidência. São vários os materiais que seguem esta pauta, mas três em especial merecem destaque: O Tigre e o Dragão, O Clã das Adagas Voadoras e Herói. Todos são incríveis, entretanto este último, na minha concepção, é um dos grandes filmes desta década; algo que não chegou à perfeição por muito pouco.

Herói nos remete à China ancestral, ainda dividida nos Sete Reinados. O soberano de uma das províncias (vivido por Daoming Chen), se vê constantemente ameaçado uma vez que suas idéias são muito ambiciosas e seu desejo era conquistar toda a China. Três assassinos em especial despertavam mais pavor no soberano – os quais eram contratados por seus adversários políticos: Espada Quebrada (Tony Leung), Neve Que Voa (Maggie Cheung) e Lua (Ziyi Zhang). Um dia, porém, chega à presença do soberano um homem (Jet Li) afirmando ter matado os três assassinos de elite e, como prova, portava as suas armas. Para tanto, ele explicou que só conseguiu tal proeza por ficar uma década estudando a técnica da espada. A revelação foi bombástica e as armas não bastaram para convencer o “rei”; logo, o homem sem nome começa a contar como as mortes se sucederam e a história começa a se desenrolar.

O mais interessante acerca do roteiro de Herói (escrito por Li Feng, Zhang Yimou e Wang Bin), é que o desespero do soberano não é a pauta principal. Temos muita traição, sedução, amor, ódio e crença dentro do texto. Os roteiristas fazem questão de dar importância à vida dos três assassinos e escrachar suas divergências com os reinados e com eles próprios. Acontece que, depois de expor como aniquilou os temidos vilões, o homem sem nome será vítima da segunda revelação bombástica do filme, a qual será dada pelo próprio “rei”. Faz com que o final seja um pouco confuso, mas ainda assim ótimo. O elenco é muito bom e o destaque vai para Jet Li que está bastante inspirado. Agora, o trunfo supremo desta fita é, sem dúvidas, a estarrecedora direção de Zhang Yimou. Todos os seus filmes – além do espetáculo nas últimas Olimpíadas – são poesias em forma de imagens. Utilizando muitas cores e ângulos que até Deus duvida, ele faz com que Herói seja uma obra-prima visual (fez o mesmo com O Clã das Adagas Voadoras, A Maldição da Flor Dourada e O Caminho Para Casa). A fotografia é algo brilhante e não tenho mais palavras para resumir o trabalho de Christopher Doyle neste aspecto (só sei que é uma das coisas mais lindas que vi na minha vida). Direção de arte e figurino também são notáveis e o som, em sua totalidade, é outro quesito inexplicável. É o típico caso de uma película que atende aos prazeres dos olhos, ouvidos e mente. Mesmo o desfecho sendo um pouco estrambólico, este exemplar chinês é fábula de amor, honra e dever e nos faz pensar no que consiste, de fato, ser um herói.

Nota: 9,5

Ying Xiong; CHINA, 2002; DRAMA/AVENTURA; de Zhang Yimou; Com: Jet Li, Tony Leung, Daoming Chen, Maggie Cheung, Ziyi Zhang.

Jogo do Olhar {2}

2009-03-08T21:45:00.011-03:00

Como o primeiro, logo abaixo, foi mamão com açúcar...

Holly Hunter (Cleber)

Dakota Fanning (Marcel)

Joan Allen (Déborah)

Angela Basset (Déborah)

Alice Braga (Déborah)

Jogo do Olhar (me empolguei, agora!)

2009-03-08T21:15:00.011-03:00

Adorei brincar com esses joguinhos! Resolvi criar um de última hora e fazer um teste aqui. Postarei 5 olhares de cinco atrizes (Cinema e TV) e, óbvio, vocês devem descobrir quem são elas (não vou numerar as imagens, mas mentalmente é de 1 a 5 de cima para baixo). Quem gostar e quiser fazer o mesmo, fique à vontade. Se der certo, faço de atores em breve. Esse tá MUITO fácil, é só um teste mesmo!

Chandra Wilson (Marcel)

Ellen Page (Matheus)

Natalie Portman (Vinícius)

Glenn Close (Matheus)

Penelope Cruz (Matheus)

MEME Musical!

2009-03-08T17:14:00.015-03:00

Só pra não deixar passar em branco. Vamos às regrinhas:

• Colocar o music player no shuffle;
• Postar a primeira linha das primeiras 25 músicas;
• Riscar (no caso, colocarei em vermelho) a música da lista quando alguém acertar o artista e a faixa;
• Para quem for tentar adivinhar, procurar as letras não vale;
• Quem gostou, fique à vontade para postar também.

1. “In the middle of the Summer” (Matheus)
2. “És um senhor tão bonito” (Weiner)
3. “Say it's true, there's nothing like me and you” (Kamila)
4. “Porque no supiste entender a mi corazón” (Vinícius)
5. “To bear the weight and push into the sky” (Matheus)
6. “Lay down, your sweet and weary head” (Kaio)
7. “Tenho andado distraído, impaciente e indeciso” (Breno)
8. “Come on baby, come on girl” (Matheus)
9. “This Romeo is bleeding” (Breno)
10. “You say it's all in my head” (Vinícius)
11. “Come up to meet you, tell you I'm sorry” (Matheus)
12. “This was never the way I planned” (Marcel)
13. “It's not that unusual, when everything is beautiful” (Vinícius)
14. “Vem pra misturar juizo e carnaval” (Kamila)
15. “Vem pra minha ala que hoje a nossa escola vai desfilar” (Kamila)
16. “I was bruised and battered, I couldn't tell what I felt” (Luciano)
17. “Do I have to change my name?” (Kamila)
18. “It's been a long and winding journey” (Kamila)
19. “She's got her halo and wings” (Luciano)
20. “After all the weekend, in a supposed calm Sunday afternoon” (Kamila)
21. “Closed off from love I didn't need the pain” (Vinícius)
22. “O homem que diz dou, não dá” (Kamila's Father)
23. “The Atlantic was born today and I'll tell you how” (Matheus)
24. “Imagine me and you, I do” (Matheus)
25. “I walked across an empty land” (Matheus)

DICAS:

3. É de uma banda irlandesa constituída em sua maioria por meninas. OK
6. Venceu um Oscar recentemente. OK
13. Da mesma intérprete de uma canção do filme Valente. OK
20. Ficou famosa num comercial por esses meses. OK
22. Parceria entre Vinícius de Moraes e Baden Powell. OK

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13. É da Sarah McLachlan, feita para um filme de 2006. OK

A Realidade Fantástica

2009-03-07T13:30:00.002-03:00

Esta semana tive que rever um filme que acho bem qualquer coisa: Demolidor – O Homem Sem Medo. Tudo por que minha mãe adora o filme (ok, ela é fã da Jennifer Garner e ama a canção 'My Immortal', do Evanescence) e ela é quem estava com o controle da TV. Bom, o que acontece é que isso deu início a uma discussão interessante entre nós, sobre filmes de super-heróis. Bom, eu tenho uma opinião meio chata sobre o assunto, acompanhem: se um filme tem um apelo fantástico, deve ser totalmente “utópico”. Ou seja, se estamos diante de um material sobre super-heróis, deve ser ilusório, fantasioso, algo além da vida real. Por exemplo, apesar de gostar muito do argumento político acerca de The Dark Knight, me irrito um pouco com o Homem-Morcego em si. Simplesmente por que ele é um homem, certo? Não é um mutante nem nada disso, mas no entanto faz estripulias como o Homem-Aranha que tem todo um viés mutante, fantástico. Com o Aranha, tudo certo: pode pular a vontade, voar e fazer qualquer tipo de coisa que um super-herói faz, pois não é um ser humano normal. Já o Morcego não tem “esse direito” (agora vão me matar), já que não tem poderes, uma vez que é um humano como nós, mas com desejo de vingança e sede de justiça. 300 é outro exemplo bastante conveniente. Apesar de ser inspirado em HQ tem como história base um acontecimento real, a Batalha das Termópilas. Percebam que, mesmo com uma estilização visual impressionante e um jogo de imagens (para aproximar a Batalha, real, do HQ), os trezentos de Esparta não fazem nada que um humano não possa fazer. Claro que são treinadíssimos, mas são como eu e você. Assim, é aceitável que o filme proceda mesmo com o tamanho exagero estilístico.

Não gosto de aproximar o real do fantástico. Se for pra ser real, que o seja e vice-versa. Peguemos o Ben Affleck, quer dizer o Demolidor de volta. Só por que ele entrou em contato com um produto tóxico virou uma “super-pessoa”?! Calma lá. Produtos tóxicos (o nome já diz) acarretam danos e não aguçam os sentidos. Aqui, tentaram transpassar o real e tornar algo de verdade em algo fantástico, o que não é válido. O mesmo não ocorre com O Senhor dos Anéis, por exemplo. A trilogia, de Peter Jackson, coloca seres humanos na trama mas pende total e absolutamente para o irreal. O personagem de Viggo Mortensen é um homem, mas não banca o Homem-Aranha. Claro que têm filmes que usam e abusam do tom fantástico, mas com uma diferença: esse viés aparece na imaginação dos personagens. Isso é comum em Finding Neverland, The Wizard of Oz, Bridge to Terabithia e torna-se muito válido neste tipo de película, uma vez que tudo pode acontecer na nossa imaginação. E agora fica claro o porquê sempre escrachei meu desgosto por filmes de super-heróis. Separar a realidade da fantasia por uma linha tênue demais é algo impensável, pra mim. Acredito que deva existir um abismo entre esses dois “mundos”. Nos exemplos que dei acima (fantasia dentro da imaginação), este abismo é a nossa própria existência, ou seja, sabemos que somos reais e que é somente nossa imaginação que está funcionando. Quer fazer um “super-herói de verdade”? Pode fazer! Mas exteriorize nele poderes palpáveis que não vão além do que ele possa fazer e o coloque numa atmosfera irreal. Mas, se quiser produzir um herói que voa, solta teia pelo pulso ou ainda fica verde quando nervoso, induza-o a uma modificação genética ou ache uma aranha bem estranha para picá-lo. Talvez assim este faça muitas estripulias e seja, de fato, parte do mundo fantástico.

Desafio e Trailer Impressionante

2009-03-05T14:31:00.004-03:00

O meu friendo Serginho (Blog dos Cinéfilos) me intimou a postar os dez filmes que mais espero desta temporada que vem por aí. Como estou com esta quinta-feira meio corrida e a sexta será ainda pior, vou mostrar esta listinha logo abaixo, mas permitam-me não comentar sobre os que a compõe (falta de tempo mesmo).

10. Green Zone, de Paul Greengrass
9. Whatever Works, de Woody Allen
8. Inglorious Bastards, de Quentin Tarantino
7. Tetro, de Francis Ford Coppola
6. A Serious Man, de Joel e Ethan Coen
5. Chéri, de Stephen Frears
4. The Tree of Life, de Terrence Malick
3. The Lovely Bones, de Peter Jackson

2. Los Abrazos Rotos, de Pedro Almodóvar

1. Nine, de Rob Marshall

Desafio:
Ciça, Cenas de Cinema
Thiago, Cine & Séries
Anita, Cine Pink
Gustavo, Cinefilando
Louis, Louis in Real Life

Também aproveito a aportunidade para divulger o primeiro trailer “completo” do filme que ocupa a segunda posição da minha lista, Los Abrazos Rotos. O vídeo me deixou chocado; é maravilhoso!!

Há Tanto Tempo Que Te Amo

2009-03-04T14:37:00.001-03:00

O mistério acerca de Há Tanto Tempo Que Te Amo será exposto logo nos seus primeiros minutos, quando Juliette (Kristin Scott Thomas) sai da prisão depois de quinze anos presa em regime totalmente fechado. Sua irmã, Léa (Elsa Zylberstein), oferece sua casa para que Juliette possa recomeçar a sua vida, mas o convívio com o cunhado, Luc (Serge Hazanavicius), vai ser complicado no começo justamente por causa do segredo entre as duas irmãs – sobre o qual Luc tem conhecimento. Numa parceria entre França e Alemanha, I’ve Loved You So Long torna-se absurdamente interessante por mostrar os efeitos que o ato de Juliette (o qual a levou à prisão) teve e tem sobre Léa. Desta forma, a fita enquadra em seu centro a relação de duas irmãs – e em dado momento com a mãe – e funciona como um acerto de contas entre elas, mas este no sentido de recomeçar o que há tempos não existia.

No começo, utilizei a palavra mistério e fiz isso pelo seguinte fato: para ficar presa por quinze anos, Juliette cometeu um crime que jamais irá esquecer, mas só saberemos do que se trata quase no fim do filme. A hora em que ocorre a revelação de tal segredo, eu realmente não sabia se chorava ou se ficava paralisado e quieto. É algo dolorido e muito triste que coloca amor e ética em discussão, por isso não comento mais nada sobre o ápice da película. Tudo gira em torno da nova vida a que a personagem de Kristin está submetida e o tempo todo percebemos sua irmã alavancar este recomeço. Com o passar dos dias, Juliette vê na sobrinha - a qual foi adotada e a resposta para esta decisão de Luc e Léa será dada no mesmo instante da revelação de Juliette – uma maneira de ver a vida por outro lado e, relembrando os bons tempos de criança, minimizar a dor que sente e, desta forma, voltar a viver. O diretor e roteirista Philippe Claudel é simplesmente incrível na condução do texto e do elenco. Se o texto fosse exposto de forma crua e direta, a fita seria angustiante, mas Claudel esbanja sensibilidade e, principalmente, cautela.

A técnica é interessante e alguns dizem que existem algumas metáforas acerca da fotografia: céu escuro, casa escura... Tudo denotando uma certa atmosfera nebulosa. Jean-Louis Aubert compõe a trilha que não me agradou muito. Apesar de seguir o tom melancólico e, ao mesmo tempo, sensível da película, escapa pelas mãos do compositor que exagera em alguns dos movimentos. O elenco é maravilhoso, mas não tem como deixar de destacar Kristin Scott Thomas: é um absurdo não vê-la entre as cinco indicadas ao Oscar! Sua Juliette é contida e vemos que ela tomou a personagem para si e viveu tudo aquilo. Sofre o tempo todo com as decisões que Juliette toma e se emociona como se os conselhos de Léa viesses de sua própria irmã, na vida real. Maravilha, espetacular! O elenco de suporte, isto é, coadjuvante, também não faz feio. Elsa Zylberstein foi elogiadíssima pela crítica, mas confesso que sua força só será mostrada lá depois da metade do filme; mas quando vem, é de tirar o chapéu. Tentei entender, durante o filme, o porquê de ter sido tão ignorado nesta temporada. Pra mim, foi a grande surpresa. Um filme forte, mas ao mesmo tempo belíssimo.

Nota: 9,0

Il y a Longtemps Que Je T'aime; FRANÇA/ALEMANHA, 2008; DRAMA; de Philippe Claudel; Com: Kristin Scott Thomas, Elsa Zylberstein, Serge Hazanavicius, Laurent Grévill, Frédéric Pierrot, Claire Johnston, Olivier Cruveiller.

Especial PTA: Magnólia

2009-03-03T13:03:00.005-03:00

Não sabia como começar este texto, pois não me sinto muito digno de falar de um filme como Magnólia. Foi o meu primeiro contato com o cinema de Paul Thomas Anderson e minha primeira experiência com um tipo de cinema que considero bastante artístico e complexo. Geralmente nós dizemos que determinada direção é espetacular, ou que o roteiro é o trunfo, ou ainda que o artista principal está incrível. O caso desta fita vai muito além: a meu ver, Magnólia é, em sua totalidade, um tour de force. Apesar de apresentar aquelas velhas intersecções de pessoas, Anderson escapa de todo e qualquer clichê possível e lança um roteiro que tange várias questões, mas todas sempre terminam no mesmo ponto: a esperança. Logo, ao contrário do que muitos pensam, este filme não apresenta uma visão negativa sobre a vida, muito pelo contrário. É uma ode aos que estão literalmente quebrados, porém terão uma chance de recomeçar.

Algumas pessoas que residem na mesma região da Califórnia terão suas vidas interligadas a todo instante. Paul opta por nos apresentar, de maneira sistemática e coerente, aos personagens para que possamos entender melhor a dura vida de cada um. O programa de televisão “O Que as Crianças Sabem” - onde um grupo de três crianças desafia três adultos - será um aliado forte na busca pela intersecção de alguns dos characters. É por meio dele, que conheceremos Jimmy (Philip Baker Hall), o apresentador do programa que acaba por descobrir que tem câncer; Stanley (Jeremy Blackman), um menino gênio que é a estrela de tal material televisivo; Rick (Michael Bowen), o pai de Stanley, que praticamente usa o filho no intuito de ganhar dinheiro com a inteligência do garoto; Donnie (William H. Macy) o qual foi um dos primeiros recordistas em “O Que as Crianças Sabem” e hoje leva a vida de maneira confusa; e Earl (Jason Robards), o senil produtor do programa que se vê corroído também pelo câncer, mas este em fase terminal. O filho de Earl, Frank (Tom Cruise), é um instrutor para solteiros e cresceu separado do pai por simplesmente odiá-lo. Entretanto, o moribundo pede que seu enfermeiro, Phil (Philip Seymour Hoffman), entre em contato com Frank para reaver a relação paterno-filial, mesmo sendo tarde. Linda (Julianne Moore) é a esposa de Earl que está desesperada com a atual situação do marido, uma vez que se casou com ele por puro interesse financeiro e hoje se vê dominada pelo remorso. Coincidentemente, o apresentador do programa tem uma filha, Claudia (Melora Walters) que também não fala com ele por admitir que o pai abusou sexualmente dela. Claudia é viciada em crack e não demora muito para o policial Jim (John C. Reilly) bater à sua porta após uma queixa de um vizinho. Ele apaixona-se por ela e aqui começará uma certa busca pelo recomeço da moça. Esta é a teia quase que filosófica que torna-se a atmosfera de Magnólia. Algo que transcende a vida, a meu ver.

O filme fala, em suma, da condição humana: as convergências e divergências da vida. A partir de um roteiro muito bem escrito que, aparentemente seria muito complexo e confuso, PTA fez um trabalho magistral. Personagens que muito se assemelham conosco, os espectadores, trabalham de forma visceral mostrando como a vida pode ser ruim ou boa dependendo de simples gestos ou palavras. Magnólia nos mostra que tudo, simplesmente, acontece; não há formas de fugir, mudar ou comprar o inevitável. Pode-se, sim, ignorar a realidade, mas as consequências são ruins. Os personagens são assim. Vivem fugindo de alguma coisa que os persegue até que, num momento de sublime percepção descobrem: estão fugindo de si mesmos. Eles se esbarram, se relacionam, se misturam, se amam e se odeiam, mas são incapazes de apagar seus erros, e o passado. Cada um tem sua história que, claro, não são lá muito alegres. Todos eles, assim como nós, erram. E todos eles sofrem, menos pelos erros, mas sim pela falta do dom de perdoar. Pronto, eis a questão: perdoar e ter esperança para encontrar o alívio. Magnólia não é um filme sobre pecados, como muitos tacharam. É, ao contrário, um filme sobre perdão, mas o perdão demora a vir. Percebam que não chove à toa. Aliás, chove o tempo todo no filme! A chuva vem para lavar a alma dos frágeis personagens, mas a grande chuva (a metafórica) só vai ocorrer quando o ápice de melancolia de todos os personagens se encontrar, coincidentemente, na mesma rua: Rua Magnólia. Esta é, originalmente, uma flor que simboliza a esperança em algumas culturas. Assim, como um desabafo coletivo, como um sorriso, um abraço e um grito parado no ar, o inacreditável acontece: SPOILER sapos caem do céu. E não adianta ficar parado pensando. Estão caindo, e pronto! E por mais estranha que seja a chuva, acontece. Estes anfibiozinhos são paradoxais: ao mesmo tempo em que são asquerosos, são verdes (cor da esperança). FIM DE SPOILER. Então, por mais complicado e desagradável que seja perdoar, o ato é o único que os levará às suas redenções. E óbvio que outra explicação para este fatídico e surreal momento, vem incrustada em passagens bíblicas que são expostas durante o filme. Mas acho mais coerente deixar interpretações que se agarrem na fé por conta de cada um, de forma individual.

Pra deixar tudo ainda mais impressionante, temos as composições de Aimee Mann para esta obra-prima. Três, em especial, são absurdamente pertinentes: “One” (“...Um é o número mais solitário, que você irá encontrar; dois pode ser pior que um; é o mais solitário número, depois do número um...”), “Save Me” (“...Como Peter Pan, ou como o Superman você aparece... para me salvar...”) e “Wise Up” (“...Você está certo de que existe uma cura e que você finalmente a encontrou...”). E quem jamais vai esquecer o momento em que esta última é tocada? É impossível! O bruto elenco, cada qual entoando a parte que lhe cabe da música. Mas as frases mais aguniantes são ditas por Stanley, uma frágil criança, e por isso acho tão forte: “...Então, simplesmente desista!”. Este elenco vem para deixar a fita ainda mais fenomenal. Todos são personagens importantíssimos, mas é claro que um ou outro merece maior destaque. Julianne Moore, William H. Macy e Melora Walters compõem personagens de maneira irretocável e, pra mim, são os destaques. Mas é claro que, com o comando de Paul Thomas, o elenco é ótimo. E vemos, claramente neste filme, que ele é um fiel seguidor do gênio Robert Altman: sempre jogando com intersecção de pessoas e inserindo complexidade e sensibilidade na trama (vide a masterpiece de Altman, Short Cuts – Cenas da Vida). Ou seja, guiado pela luz de um gênio, Paul Thomas Anderson, com este Magnólia, apresenta ao público seu primeiro trabalho impecável (outro veio, oito anos depois). Esta película desafia a condição humana e escracha indagações que, se respondidas, mostrarão o verdadeiro caminho do autoconhecimento e, principalmente, a estrada para alcançar, regidos pela esperança, a felicidade.

Nota: 10,0

Magnolia; EUA, 1999; DRAMA; de Paul Thomas Anderson; Com: Philip Baker Hall, Jeremy Blackman, Michael Bowen, William H. Macy, Jason Robards, Tom Cruise, Philip Seymour Hoffman, Julianne Moore, Melora Walters, John C. Reilly.

Especial Paul Thomas Anderson

2009-03-02T19:40:00.004-03:00

O dia foi cansativo hoje, então só passo pra comunicar que durante todo o mês de Março, à pedido da maioria que votou na enquete, o Bit of Everything fará uma homenagem a este espetacular diretor. Serão, com certeza, quatro textos publicados dos seguintes filmes (nesta ordem): Magnólia, Boogie Nights - Prazer Sem Limites, Embriagado de Amor e Sangue Negro. Como faz muito tempo que assisti a Jogada de Risco - seu primeiro longa - não prometo que faça uma resenha; mas se conseguir revê-lo o farei com prazer. Aproveitem a estada durante este mês que, pra mim, será ótimo!

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Me desculpem pelo transtorno! Por motivo de organização, o Resumo da Semana se transformou em Resumo do Mês. A começar pelo fim deste, ok?!

Dear Virtual Friends...

2009-03-01T12:35:00.003-03:00

Minha vida social sempre foi muito legal, mas sem exageros. Conheci pessoas que ficaram guardadas na memória e que, de fato, são minhas amigas. Até porque quando se entra na faculdade parece que a o caminho para encontrar novos amigos é muito mais tranquilo. Mas abro este post por um motivo diferente: quero falar sobre amizades virtuais. Algumas pessoas podem até discordar, afirmando que na internet tudo e todos podem ser uma farsa, mas não tem como não sentirmos quando alguém que se aproxima da gente, na rede, não é “real”. Minha teia de amigos virtuais começou por necessidade mesmo, uma vez que não tenho companheiros que gostem de Cinema por aqui. Tudo teve início nas boas e velhas comunidades de Cinema do Orkut e foi numa delas que conheci o Cleber (Cineclub), com o qual fundei a comunidade Cinema & Seus Prêmios (C&SP). Ela virou um lugar bem particular e tem poucos membros, mas foi lá que conheci pessoas que, hoje, têm um peso enorme na minha vida. Aos poucos a comunidade virou uma grande família e hoje está indo para o seu segundo ano de vida (quem quiser, apareça por lá)!

Pois bem. Por causa da C&SP, conheci o Tom e a Renata. Uma amizade que já vai muito além do virtual, pois já tive o prazer de conhecê-los pessoalmente e digo que foi maravilhoso. Entretanto, mesmo com essa nossa “casinha”, não deixei outras comunidades e numa delas conheci dois caras e uma garota que também viraram grandes amigos: Louis (Louis in Real Life), Tiago e Vivi (ambos do Cinefilando). Ouso em dizer que não vejo minha vida sem Tiago e Vivi: nossa amizade transcende isso e já é uma irmandade. É tão impressionante que por várias vezes eu e ela pensamos de formas absolutamente idênticas! Os papos vão além do Cinema, TV e Música; são confidências, onde, com muita cumplicidade, se aprende bastante. Por intermédio do Louis, eu tive a honra de conhecer a Kamila (Cinéfila por Natureza) que também já posso dizer que é essencial na minha vida. Sabe de problemas meus que nem meu irmão tem conhecimento e os seus conselhos são tão verdadeiros, que parece estar ao meu lado falando. Depois que entrei no mundo dos blogueiros pude conhecer mais gente ainda, isto é, fiz mais amizades. João (Cine JP) em pouco tempo se mostrou um cara super cool, sempre disposto a ajudar e o Robson (Portal Cine) quer me converter ao Carnaval de Natal de qualquer forma! Não posso deixar de mencionar o meu irmão mais novo (em termos de idade e tempo de amizade), Matheus (Cinema e Argumento). Aqui, é uma coisa sobrenatural! Conversamos diariamente pelo MSN e nossas opiniões são assustadoramente idênticas em quase tudo. E isso se estende a gostos pessoais, não só no que diz respeito à Cinema. Sou um cara bem chato neste ponto! Gosto de ter contato com pessoas, sabe? Gostaria de poder conversar com cada um dos donos dos blogs relacionados aqui no Bit, mas ainda não pude fazer isso. Esqueci de citar alguns nomes, me perdoem: Jeff (Receio de Remorso) e suas músicas estranhas, Alex (Cine Resenhas) sempre cordial em seus comentários (graças a ele eu vi Dúvida), a super simpática Mayara (Apaixonada por Cinema), o festeiro Serginho (Blog dos Cinéfilos), Otavio (Hollywoodiano) que é uma das pessoas mais inteligentes no meio blogueiro, o grande Alex (Cinema, Música e Blá Blá Blá) que é o cara que faz os belos topos do Bit e o relativamente novo blogueiro Yuri (The Cine Review). Óbvio que não esqueci dos divertidíssimos membros do Cine-Fiction, Kaio e Ewerton, do Sobre Cinema e Lobos (Kauan) e do Why So Serious? (Maurício e Paulo).

Que texto longo! Mas só quis provar, com ele, que amizades virtuais existem sim e que podemos aproveitá-las da mesma forma que aproveitamos as reais. E acho extremamente pertinente isso. Como estamos em sítios onde expomos opiniões próprias, deve haver o respeito por parte do leitor e se este é seu amigo, este respeito vem de graça. E quer incentivo melhor que escrever para os amigos? Eu pelo menos adoro ler cada comentário que fazem por aqui e gosto ainda mais de respondê-los. Respeito os que têm a idéia de que estamos num outro mundo aqui e isto deve ser separado do real. Não é só porque estamos no espaço infinito e invisível da internet que precisamos faltar com educação. Saber amenizar críticas, responder um comentário que bata de frente com o seu e ter paciência em alguns casos são quesitos básicos para viver no respeito. Pelo menos na minha rede de blogs relacionados, todos são muito educados e cordiais e é isso que me fez os colocar em tal espaço aqui no Bit. Eu sei, eu sei... Passei dos limites, mas este post também vem com um gostinho de agradecimento: obrigado a todos pelo respeito sempre mantido aqui no meu blog; e, em especial, obrigado aos meus amigos virtuais pelo tempo sempre disposto!

Desafio - O "Oscar Bomba"

2009-02-28T14:41:00.002-03:00

O Cleber, do Cineclub, e o Pedro, do Cinema O Rama, me desafiaram a escolher o pior Oscar (o mais bombástico, terrível) de todos os tempos e refazer a lista. Na verdade, acredito que a maioria dos que foram desafiados irão reescrever a mesma Cerimônia, e eu não farei diferente. Vou apelar ao assustador Oscar 1999, refazendo as seguintes categorias: Filme, Direção, Roteiro Original e Adaptado, Atriz, Ator, Atriz e Ator Coadjuvantes, Montagem, Fotografia, Direção de Arte e Trilha Sonora. Para ver os indicados reais do ano, clique aqui. Meus indicados e vencedores seriam:

Melhor Filme
O Resgate do Soldado Ryan
Central do Brasil
A Outra História Americana
Pi
Vencedor: Além da Linha Vermelha

Melhor Direção
Steven Spielberg, O Resgate do Soldado Ryan
Tony Kaye, A Outra História Americana
Darren Aronofsky, Pi
Todd Haynes, Velvet Goldmine
Vencedor: Terrence Malick, Além da Linha Vermelha

Melhor Roteiro Original
Robert Rodat, O Resgate do Soldado Ryan
Andrew Niccol, O Show de Truman
Marc Norman e Tom Stoppard, Shakespeare Apaixonado
João Emanuel Carneiro e Marcos Bernstein, Central do Brasil
Vencedor: David McKenna, A Outra História Americana

Melhor Roteiro Adaptado
Bill Condon, Deuses e Monstros
Paul Schrader, Temporada de Caça
Karen Croner, Um Amor Verdadeiro
Todd Haynes, Velvet Goldmine
Vencedor: Terrence Malick, Além da Linha Vermelha

Melhor Atriz
Cate Blanchett, Elizabeth
Meryl Streep, Um Amor Verdadeiro
Emily Watson, Hilary & Jackie
Gwyneth Paltrow, Shakespeare Apaixonado
Vencedora: Fernanda Montenegro, Central do Brasil

Melhor Ator
Jim Carrey, O Show de Truman
Sean Gullette, Pi
Ian McKellen, Deuses e Monstros
Vinícius de Oliveira, Central do Brasil
Vencedor: Edward Norton, A Outra História Americana

Melhor Atriz Coadjuvante
Laura Linney, O Show de Truman
Kathy Bates, Segredos do Poder
Lynn Redgrave, Deuses e Monstros
Charlotte Brittain, Saindo do Armário
Vencedora: Rachel Griffiths, Hilary & Jackie

Melhor Ator Coadjuvante
Nick Nolte, Além da Linha Vermelha
Ewan McGregor, Velvet Goldmine
Ed Harris, O Show de Truman
Geoffrey Rush, Shakespeare Apaixonado
Vencedor: James Coburn, Temporada de Caça

Melhor Montagem
James Lyons, Velvet Goldmine
Leslie Jones, Saar Klein e Billy Weber, Além da Linha Vermelha
Gerald B. Greenberg e Alan Heim, A Outra História Americana
Oren Sarch, Pi
Vencedor: Michael Kahn, O Resgate do Soldado Ryan

Melhor Fotografia
John Toll, Além da Linha Vermelha
Walter Carvalho, Central do Brasil
Remi Adefarasin, Elizabeth
Maryse Alberti, Velvet Goldmine
Vencedor: Janusz Kaminski, O Resgate do Soldado Ryan

Melhor Direção de Arte
Lucy Richardson, Elizabeth
Andrew Munro, Velvet Goldmine
Russell J. Smith, Terra de Paixões
Tom Brown, Ricky Eyres, Chris Seagers e Alan Tomkins, O Resgate do Soldado Ryan
Vencedor: Steven Lawrence, Shakespeare Apaixonado

Melhor Trilha Sonora
Clint Mansell, Pi
John Williams, O Resgate do Soldado Ryan
Hans Zimmer, Além da Linha Vermelha
Philip Glass e Burkhart von Dallwitz, O Show de Truman
Vencedor: Antônio Pinto e Jacques Morelembaum, Central do Brasil

Breves Considerações:

Gsoto muito de Shakespeare Apaixonado, mas realmente não tem espaço para ele nas categorias de Filme e Direção. Já Elizabeth eu acho um filme muito mais de elenco e técnica artística que de direção e afins: não sou fã. Incrível ver, no mesmo ano, dois filmes bélicos magníficos sendo ignorados, não?! Justiça foi feita, mesmo que por mim! Outros injustiçados pela Academia: Jim Carrey por O Show de Truman, Pi (do excelente Darren Aronosfsky) e principalmente Velvet Goldmine, um belíssimo musical de Todd Haynes. Mas é isso. Se a Academia não faz certo, nós fazemos! Não vou indicar ninguém em específico para este MEME. Quem estiver triste com alguma Cerimônia e quiser fazer o mesmo que eu, sinta-se à vontade.

Simplesmente Feliz (o filme e como eu me sinto!)

2009-02-27T14:36:00.005-03:00

Durante toda a reprodução do novo filme de Mike Leigh, Simplesmente Feliz, sofremos uma espécie de lavagem cerebral. Mergulhamos na vida da risonha Poppy (Sally Hawkins) que é feliz 24h por dia, não interessa o que aconteça. Procura viver deixando os problemas de lado ou, simplesmente, minimizando-os com o intuito de resolvê-los sem maiores preocupações. Devo confessar que desde sempre esperei por este novo trabalho de Mike, uma vez que o admiro demais e acho sua forma de conduzir um elenco impressionante. Entretanto – e infelizmente – a lavagem cerebral da qual falei acima é justamente o defeito do filme, isto é, o diretor e roteirista deixa seu trabalho, por oras, exagerado demais e até pretensioso.

A personagem principal, Poppy, é professora primária e trata seus alunos da melhor forma possível, sempre com bom humor. É rodeada de amigos, mas parece não ter uma boa relação com uma das irmãs. Aceita todos os convites que a conduzam a novas experiências (toda semana ela vai numa academia para pular numa cama elástica), como fazer aula de dança flamenca e conhecer a hilária professora que ministra tais aulas; ou então começar a ter instruções para aprender a dirigir. É aí que conhece John (Eddie Marsan), um instrutor de trânsito totalmente esquisito que é o reflexo da maioria dos cidadãos do mundo: mau-humorado e que só fala o essencial. As melhores cenas da fita serão as de Poppy com John, as quais sempre irão de engraçadíssimas a reveladoras – e comoventes – em questão de segundos. Leigh também lança paradoxos interessantes acerca das conversas entre eles. Poderia ficar aqui divagando sobre o que ocorre na película, mas é tudo muito linear, ou seja, quase sem cenas que apresentarão fatos decisivos.

É bom deixar claro que Mike Leigh coloca algumas sub-histórias “além-Poppy”, que são ótimas e dão outra cara à fita (como os problemas acerca de um aluno de Poppy). Mas ele exagera na medida e deixa seu filme com um ar pretensioso, sempre no intuito de fazer o espectador se achar um nada ao lado de Poppy. Apesar de Sally estar ótima, sua atuação personifica algo que, pra mim, é utópico e absurdamente exagerado: temos, sim, a obrigação de sermos felizes; contudo, Sally vai muito além e faz Poppy chegar ao patamar de retardada e chapada por várias vezes. O próprio personagem de Eddie pergunta porque ela sempre tem que estar brilhando e rindo feito uma sem noção. É admirável conseguir absorver os problemas do dia-a-dia e, mesmo assim, rir de tudo. Mas Poppy é irritante, juro! Méritos, ou não, para Hawkins que faz sentirmo-nos assim. Mike deveria ter conduzido a atriz para um outro tipo de técnica de atuação, como fez com que é excepcional no papel de instrutor nervosinho e esquisito e, por isso, merecia demais a sua indicação ao Oscar – sendo ele minha segunda opção na lista pessoal. Tirando esses exageros de Leigh, que refletem em Sally, o filme é super correto. Os figurinos de Poppy são deliciosos e a trilha sonora, pra mim, está entre as melhores da temporada. O trivial serve por aqui e, desta forma, apresento a vocês minha terceira decepção da temporada (além de Milk – A Voz da Igualdade e Foi Apenas Um Sonho) – mesmo o filme não sendo ruim.

Nota: 7,0

Happy-Go-Lucky; REINO UNIDO, 2008; DRAMA/COMÉDIA; de Mike Leigh; Com: Sally Hawkins, Eddie Marsan, Elliot Cowan, Alexis Zegerman, Andrea Riseborough, Kate O'Flynn, Philip Arditti.

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Não é só Poppy que está simplesmente feliz. Eu estou radiante com minha vitória no Bolão do Oscar organizado pelos meninos do Talking About Movies. Não é questão de ser convencido, até por que nunca tinha ganhado nada em bolões, até esse mês. Como reconhecimento do meu primeiro lugar, recebi um belo selo preparado com muito carinho por Marcel e Breno que está aí, logo abaixo, e ficará exposto no hall das condecorações. Aproveito para parabenizar todos os que participaram e para agradecer o Talking About Movies pela excelente organização! E não se esqueçam de participarem ano que vem!!

Esclarecimento sobre O Lutador

2009-02-26T13:47:00.004-03:00

Há umas semanas atrás, eu escrevi meu texto sobre o novo filme de Darren Aronofsky, O Lutador. Não neguei que o filme é excelente, mas atribuí uma nota 8,0 ao longa, assim como afirmei ser o trabalho mais fraco de Darren. Para ter pensado desta forma, assisti ao filme duas vezes, mas no computador. Mas na semana passada, encucado com alguns aspectos que provavelmente não ficariam evidente na tela do pc, resolvi revê-lo, mas desta vez no cinema. E é impressionante como tudo muda na tela grande, não?! Discordo de mim mesmo e admito que The Wrestler é um belíssimo filme e que não é o trabalho mais fraco do diretor. É, sim, um dos melhores filmes da temporada! Alguns podem pensar que fui influenciado por comentário positivos demais ao filme, mas podem ficar tranquilos que meu pensamente é bastante "imutável" e procuro o tempo todo não ser influenciável. Deixo vocês com a música mais injustiçada da década: a magistral "The Wrestler", de Bruce Springsteen. Também aproveito para promover a canção "By the Boab Tree" de Angela Little para o filme Austrália que, pra mim, é tão fascinante quanto a de Bruce.

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Recontagem

2009-02-25T15:07:00.004-03:00

O ano 2000 ficará marcado na história dos Estados Unidos e do mundo por ter sido palco da eleição presidencial mais confusa e feroz em muitos anos. George W. Bush – até então governador do Texas – e Al Gore – vice-presidente norte americano, na época – disputavam o posto, que seria decidido após a contagem dos votos no Estado da Flórida; ou seja, o pleito seria decidido graças aos votantes deste Estado. Entretanto ao fim da apuração todos estavam diante de um empate técnico, o que levou à Suprema Corte determinar que uma recontagem manual entrasse em vigor para, de fato, mostrar quem seria o verdadeiro vencedor.

Este extraordinário telefilme apresenta as cinco dramáticas semanas durante as quais se foi feita, com muita cautela, a tal recontagem. Ao passo que Bush recebia constantemente uma injeção de ânimo de seu conselheiro de campanha, o carismático James Baker (Tom Wilkinson), Gore no fundo tinha a certeza de que sairia derrotado. Mas com o intenso trabalho de seu fiel conselheiro de comitê Ron Klain (Kevin Spacey), consegue ter suas esperanças renovadas a cada boa notícia lançada. Entre outros personagens importantes para a trama, como David Boies (Ed Begley Jr.) e Michael Whouley (Denis Leary), respectivamente advogado e estrategista da campanha de Gore, temos a deslumbrada e, ao menos pra mim, encantadora Secretária de Estado da Flórida Katherine Harris (Laura Dern). Ela, em especial, a partir de discursos e diálogos esquisitos e ao mesmo tempo interessantes, foi peça chave na eleição.

Escrito por Danny Strong (e, pasmem, ele é estreante como roteirista), o filme ganha dimensões muito humanas e reais pelas mãos do diretor Jay Roach que faz um trabalho fantástico. O que pode incomodar muitos dos espectadores é que ele torna-se bastante frenético e essa agilidade na montagem vem com informações constantes que merecem atenção total. Todos os diálogos são trabalhados de forma ímpar e o filme não se coloca a favor nem de Bush e nem de Gore; a sua intenção é mostrar o quão justa ou injusta – tire suas próprias conclusões – foi a eleição norte-americana em 2000. Todos os personagens estão sob uma pressão intensa durante todo o telefilme. E o mais interessante é que o roteirista insere tiradas cômicas que servem para mascarar a dramaticidade destas cinco semanas confusas e decisivas; é uma forma de mostrar o nervosismo dos principais envolvidos.

Eu simplesmente acho a fotografia deste material da HBO sensacional. Azul, vermelho e branco dominam os cenários e a freneticidade da edição joga a favor do fotógrafo. E por falar em edição, estamos diante de um dos filmes para TV mais bem montados que já vi. Não sentimos o filme passar, mesmo com quase duas horas de política pura e aplicada. Além de tudo, o elenco é no mínimo genial. Tom Wilkinson, Denis Leary e Kevin Spacey são incríveis, mas acredito que o que Laura Dern faz é algo brilhante! Não sabemos ao certo se sua Katherine Harris é ingênua ou absurdamente esperta. Só sei que é uma belíssima composição. Quase noventa e nove por cento dos aspectos da fita jogam ao seu favor e, desta forma, Recontagem é obrigatório para quem gosta de política e qualidade.

Nota: 9,5

Recount; EUA, 2008; DRAMA; de Jay Roach; Com: Kevin Spacey, Laura Dern, Tom Wilkinson, Denis Leary, Ed Begley Jr., Bob Balaban, John Hurt, Bruce McGill.

Só para descontrair...

2009-02-24T14:02:00.004-03:00

O Thiago, do Cine e Séries me propôs um desafio bem legal. Eis as regrinhas:

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1º: Agarrar o livro mais próximo;
2º: Abrir na página 161;
3º: Procurar a quinta frase completa;
4º: Colocar a frase no blog;
5º: Repassar para cinco pessoas.

•

O livro é A Cabana, de William P. Young e a quinta frase completa é esta:

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"... A perspectiva de nadar por um espaço longo e gelado não era nada empolgante, porém Mack tinha certeza de que conseguiria atravessar se fosse necessário."

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Aproveito para recomendar esta leitura. Livro que, não vou mentir, é bastante complexo e difícil. Mexe com aspectos religiosos e, principalmente, questões de fé. Mas se faz emocionante por ser palco de uma história de amor paterno-filial. Vejam a sua sinopse:

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Durante uma viagem de fim de semana, a filha mais nova de Mack Allen Phillips é raptada e evidências de que ela foi brutalmente assassinada são encontradas numa cabana abandonada. Após quatro anos vivendo numa tristeza profunda causada pela culpa e pela saudade da menina, Mack recebe um estranho bilhete, aparentemente escrito por Deus, convidando-o para voltar à cabana onde aconteceu a tragédia.

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Convido à aceitar ao desafio:

Mayara (Apaixonada por Cinema)

Jeniss (Dia do Cinéfilo Inútil)

Matheus (Cinema e Argumento)

Weiner (A Grande Arte)

Alex (Cinema, Música e Blá Blá Blá)

O Casamento de Rachel

2009-02-23T17:49:00.002-03:00

Querendo ou não, algumas confusões familiares em dia de festa sempre são inevitáveis. E os ânimos se exaltam mais ainda quando nestes encontros alguns segredos ou lembranças do passodo vêem à tona. O Casamento de Rachel – um dos filmes mais subestimados da temporada – mostra alguns dias que precedem o enlace matrimonial de Rachel (Rosemarie DeWitt) e Sidney (Tunde Adebimpe) até chegar à tão esperada data. Entretanto, o clima, que até então era de felicidade, muda bruscamente com a chegada da irmã da noiva, Kym (Anne Hahaway), que acaba de sair da reabilitação para viciados em drogas. Entretanto, o roteiro já começa nos enganando: achamos que tudo o que seguirá será decorrente deste problema dela com as drogas, mas na verdade a moça carrega consigo um histórico de conflitos pessoais e familiares, que aos poucos se manifestam e são expostos.

Jenny Lumet é brilhante ao escrever um texto que vai muito além de confusões familiares por motivos bobos. Aqui, elas se agarram a um fato ocorrido no passado o qual foi protaginizado por Kym e trouxe consequências terríveis para ela e a família. Este fato também virá para explicar algumas atitudes tomadas por alguns dos membros do clã durante a fita. Vemos muitos temas e sentimentos diferentes por aqui, como problema com drogas, ciúmes, tristeza, um casamento totalmente diferente do convencional que nos mostra um pouco de uma cultura indiana. Filmando quase que o tempo todo com a câmera na não, Jonathan Demme, apesar de dar um ar real a película, não deixa que a frieza tome conta de tudo, mesmo com cenas duras. Na verdade, ele insere uma sensibilidade incomum ao filme e instrui o elenco para que sejam intensos em tempo integral. Antes disso é válido lembrar que Jenny constrói cada personagem com muita cautela e percebemos que, mesmo fazendo parte da mesma família, cada um é muito diferente e peculiar que o outro.

Não por ser independente, mas tecnicamente não há exageros. Temos o que é necessário e esse necessário, por oras, conduz o filme a um tom meio paupérrimo demais (a fotografia poderia ter sido mais explorada, assim como a trilha sonora). Mas não tem problema: é um material feito por um texto excelente, comandado por uma direção correta e que toma forma por um elenco magistral. Rosemarie DeWitt é ótima como a noiva paradoxal que, mesmo amando a irmã, provoca cenas de ciúme de forma implícita. Debra Winger (a mãe ausente das meninas), em três ou quatro cenas – sendo uma delas belíssima onde temos uma conversa entre ela e Kym – faz algo incrível. Mas devo admitir que, do elenco coadjuvante, não tem pra ninguém: Bill Irwin, interpretando o pai de Rachel e Kym, chega pra nos deixar de queixo caído em cada momento que aparece. É zeloso, culpado, feliz e a mistura de vários outros sentimentos de um pai que só quer ver as filhas vivendo bem e superando o “problema-chave” do filme. Indicada ao Oscar de Melhor Atriz, Anne Hathaway tornou-se minha favorita aos 48 do segundo tempo. Como pode uma atriz tão jovem compor uma personagem tão intensa e complexa como ela fez?! Cada olhar, cada nuance, cada lágrima derramada... Anne é impressionante! Com a ajuda de tudo que eu já citei de positivo, encanta a todos. Os cinéfilos que gostam de cinema independente denso e cheio de qualidade, esta é uma ótima pedida.

Nota: 8,5

Rachel Getting Married; EUA, 2008; DRAMA; de Jonathan Demme; Com: Anne Hathaway, Rosemarie DeWitt, Debra Winger, Bill Irwin, Mather Zickel, Anna Deavere Smith, Tunde Adebimpe.

Milk - A Voz da Igualdade

2009-02-22T13:49:00.005-03:00

Alguns filmes e, consequentemente, alguns diretores e roteiristas já se aventuraram em colocar em pauta a homossexualidade. Entretanto, acredito que poucos exemplares (poucos mesmo) tenham utilizado o tema como sendo o seu carro-chefe, isto é, como sendo o centro de tudo. Explico: O Segredo de Brokeback Mountain fala de um amor quase que “proibido” entre dois homens; Elefante – do próprio Gus Van Sant, diretor deste Milk – reproduz o atentado em Columbine e uma das possíveis justificativas para ele esbarra no tema gay. Ou seja, a maioria das vezes em que a pauta é homossexualidade, ela vem embutida em alguma outra história sendo esta o centro de tudo. No entanto, chega um tal de Dustin Lance Black – conhecido por co-escrever alguns episódios da excelente série Big Love – e entrega um roteiro absurdamente político e escrachadamente gay nas mãos do ousado, e genial, Gus Van Sant. O resultado é Milk – A Voz da Igualdade que, diga-se de passagem, é uma das minhas decepções da temporada.

Harvey Milk (Sean Penn) é um nova-iorquino que sempre teve idéias idealistas com base na conquista de direitos aos homossexuais. Já nos primeiros instantes do filme – de forma mascarada, insensível e rápida – conhece Scott (James Franco) com quem, de pronto, vai morar. Abrem uma pequena loja num bairro de São Francisco e Harvey, de fato, decide mergulhar na vida de ativista político na busca por direitos iguais a todos (os gays, que fique bem claro). Numa de suas últimas falas, Milk diz: “eu peço que o movimento continue porque não é um jogo pessoal. Não é sobre ego. Não é sobre poder. É sobre os que são como “nós” aí fora. Não só gays. Mas os negros, os asiáticos, os deficientes, os idosos, os “nós”. Sem esperança, os “nós” desistem. Sei que você não pode viver sozinho na esperança; mas sem esperança, a vida não é digna de viver. Então você, você e você tem que ter esperança.”. Pra mim, isto destoa completamente do propósito do filme, já que durante todo ele, temos a nítida sensação de que Harvey luta única e exclusivamente a favor de gays e não dos demais discriminados. E é isto... os cento e vinte minutos de película mostram a luta e posterior consagração de Milk como sendo o primeiro gay assumido a alcançar um cargo público de importância nos Estados Unidos. E o pior é que meu problema reside na forma de exposição do roteiro que jamais prima por desenvolver cada um dos vários personagens. Deveria, sim, esmiuçar cada um deles, pelo menos a vida do próprio ativista sobre a qual não sabemos nada. A evidência de que a parte política sobe a cabeça dos realizadores do filme e se faz integral pode ser exemplificada numa cena em que Harvey pede que um amigo conte para o pai que é gay por telefone. Que horror...

Assim sendo, e com muita dor no coração, afirmo que este filme peca muito no roteiro e, tropeçando nele, está Gus Van Sant. Não utiliza de sensibilidade alguma e trata do tema com um olhar somente político. O que faltou foi uma humanização uniforme em todo o texto e, repito, uma caracterização competente – a qual era inerente à fita – dos personagens. Podemos nos enganar e dizer que isso existe; mas acontece que alguns dos atores estão bem caricatos, como Emile Hirsh, e isso pode remeter a uma profundidade do seu papel, o que não há. Inserir fatos reais no filme é um artifício utilizado quase sempre hoje em dia e aqui não é diferente. By the way, não vejo muitos artifícios originais e tão competentes que atribuam o adjetivo de espetacular à montagem. Danny Elfman – conhecido por uma parceria quase que constante com Tim Burton – tem uma trilha pequena, mas muito interessante; entretanto, a maioria das músicas da fita são clássicas de outras épocas ou canções não originais. Direção de arte e figurinos apenas satisfatórios (simples, mas corretos) e a fotografia prima por ângulos bonitos, ousados e tenta ser um pouco complexa (jogando com cores e luzes, em algumas cenas). Não entendo – e olha que tentei – todo o oba oba em cima da atuação de James Franco. Pra mim, não faz nada digno de nota especial. Brolin vai bem, tem um material extremamente difícil em mãos pois interpreta o principal adversário de Milk e será responsável pela cena-chave do filme. Caricato ou não, Emile é o melhor do elenco secundário, mas nenhum chega perto da genialidade de Sean Penn: outro tour de force na carreira. Ele é intenso e joga a favor dele próprio, mesmo o roteiro o prejudicando com seu mau desenvolvimento. É, sem dúvidas a melhor coisa do filme, mesmo a maioria dos cinéfilos afirmando que o final é que ocupa esse título. Mas quer saber? Achei apenas convincente e ouso em dizer que tem lá um gostinho bem clichê. Sou fãzóide do cinema bruto e real de Van Sant, mas este Milk – A Voz da Igualdade não chega a ser tão excelente quando alguns outros trabalhos do diretor (como Elefante, Encontrando Forrester e Drugstore Cowboy).

Nota: 6,5

Milk; EUA, 2008; DRAMA; de Gus Van Sant; Com: Sean Penn, James Franco, Emile Hirsh, Josh Brolin, Diego Luna, Alison Pill.

Pra Eles e Pra Mim

2009-02-21T15:10:00.005-03:00

Primeiro quero dizer que, na medida do possível, eu estou de volta ao blog. Agradeço aos votos de boa sorte com os estudos e digo que, mesmo sem um resultado, as minhas metas estão quase que atingidas! A prova seria amanhã, mas mudaram para depois do Carnaval e, desta forma, resolvi voltar a postar (confesso que estava morrendo de saudades!!!).

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Tem algum evento importante amanhã? Ah sim, a entrega dos Academy Awards. Eu amo fazer listinhas - como vocês já puderam notar - e a seguir estão meus palpites de última hora. Cito o que acho que a Academia vai fazer e, ao mesmo tempo, o que eu quero que aconteça. Consegui ver todos os filmes indicados (menos alguns dos estrangeiros) e, na sequência, durante esta semana, postarei os vários textos que estão pendentes. Espero também, que no próximo fim de semana eu lance a minha lista que seria ideal ao Oscar. Outra coisa: excepcionalemente por este fim de mês não postarei o Resumo da Semana para poder colocar tudo em dia; prometo fazer um mega resumo destas semaninhas que fiquei fora. Chega de lenga-lenga... vamos lá:

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Legenda:

Pra Mim = Meu Favorito / Pra Eles = Favorito da Academia

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Melhor Filme
Pra Eles: Quem Quer Ser Um Milionário?
Pra Mim: O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Direção
Pra Eles: Danny Boyle, Quem Quer Ser Um Milionário?
Pra Mim: Idem

Melhor Roteiro Original
Pra Eles: Dustin Lance Black, Milk - A Voz da Igualdade
Pra Mim: Martin McDonagh, Na Mira do Chefe

Melhor Roteiro Adaptado
Pra Eles: Simon Beaufoy, Quem Quer Ser Um Milionário?
Pra Mim: Eric Roth, O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Atriz
Pra Eles: Kate Winslet, O Leitor
Pra Mim: Anne Hathaway, O Casamento de Rachel

Melhor Ator
Pra Eles: Sean Penn, Milk – A Voz da Igualdade
Pra Mim: Mickey Rourke, O Lutador

Melhor Atriz Coadjuvante
Pra Eles: Penelope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
Pra Mim: Idem

Melhor Ator Coadjuvante
Pra Eles: Heath Ledger, Batman – O Cavaleiro das Trevas
Pra Mim: Idem

Melhor Montagem
Pra Eles: Quem Quer Ser Um Milionário?
Pra Mim: O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Trilha Sonora
Pra Eles: A.R Rahman, Quem Quer Ser Um Milionário?
Pra Mim: Alexandre Desplat, O Curioso Caso de Banjamin Button

Melhor Fotografia
Pra Eles: Quem Quer Ser Um Milionário?
Pra Mim: O Curioso Caso de Banjamin Button

Melhor Direção de Arte
Pra Eles: O Curioso Caso de Benjamin Button
Pra Mim: Idem

Melhores Figurinos
Pra Eles: A Duquesa
Pra Mim: Idem

Melhor Maquiagem
Pra Eles: O Curioso Caso de Benjamin Button
Pra Mim: Idem

Melhor Edição de Som
Pra Eles: Batman – O Cavaleiro das Trevas
Pra Mim: Idem

Melhor Mixagem de Som
Pra Eles: Wall.E
Pra Mim: Batman - O Cavaleiro das Trevas

Melhores Efeitos Visuais
Pra Eles: O Curioso Caso de Benjamin Button
Pra Mim: Idem

Melhor Canção Original
Pra Eles: “Jai Ho”, Quem Quer Ser Um Milionário?
Pra Mim: Idem

Melhor Filme de Animação
Pra Eles: Wall.E
Pra Mim: Idem

Melhor Filme Estrangeiro
Pra Eles: Valsa com Bashir (Israel)
Pra Mim: Departures (Japão)
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A Cerimônia será transmitida pela TNT a partir das 22hrs e pela E! Entertainment Television a partir das 16hrs.

Primeira Lista de Apostas ao Oscar e Comunicado...

2009-02-12T13:09:00.002-02:00

Resolvi soltar a minha primeira (de duas) lista com as minhas apostas referente aos possíveis vencedores no próximo Oscar. E depois dela tem um comunicado importante!

► Melhor Filme

Quem Quer Ser Um Milionário?

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Direção

Danny Boyle, Quem Quer Ser Um Mulionário?

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Roteiro Original

Front-runner: Dustin Lance Black, Milk - A Voz da Igualdade

Runner-up: Martin McDonagh, Na Mira do Chefe

► Melhor Roteiro Adaptado

Simon Beaufoy, Quem Quer Ser Um Mulionário?

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Atriz

Front-runner: Kate Winslet, O Leitor

Runner-up: Meryl Streep, Dúvida

► Melhor Ator

Front-runner: Sean Penn, Milk - A Voz da Igualdade

Runner-up: Mickey Rourke, O Lutador

► Melhor Atriz Coadjuvante

Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Ator Coadjuvante

Heath Ledger, Batman - O Cavaleiro das Trevas

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Montagem

Front-runner: Chris Dickens, Quem Quer Ser Um Milionário?

Runner-up: Lee Smith, Batman - O Cavaleiro das Trevas

► Melhor Fotografia

Claudio Miranda, O Curioso Caso de Benjamin Button

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Direção de Arte

Donald Graham Burt e Victor J. Zolfo, O Curioso Caso de Benjamin Button

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Trilha Sonora

Front-runner: Alexandre Desplat, O Curioso Caso de Benjamin Button

Runner-up: A.R. Rahman, Quem Quer Ser Um Milionário?

► Melhor Figurino

Michael O'Connor, A Duquesa

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Maquiagem

Greg Cannom, O Curioso Caso de Benjamin Button

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Mixagem de Som

Ed Novick, Lora Hirschberg e Gary Rizzo, Batman - O Cavaleiro das Trevas

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Edição de Som

Richard King, Batman - O Cavaleiro das Trevas

***APOSTA ÚNICA

► Melhores Efeitos Visuais

Front-runner: Eric Barba, Steve Preeg, Burt Dalton e Craig Barron, O Curioso Caso de Benjamin Button

Runner-up: Nick Davis, Chris Corbould, Timothy Webber e Paul J. Franklin, Batman - O Cavaleiro das Trevas

► Melhor Canção Original

"Jai Ho", Quem Quer Ser Um Milionário?

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Animação

Wall.E

***APOSTA ÚNICA

► Melhor Filme Estrangeiro

Front-runner: Valsa com Bashir (Israel)

Runner-up: Departures (Japão)

► Melhor Documentário

Man on Wire

***APOSTA ÚNICA

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Infelizmente eu venho comunicar que ficarei uns dias (e talvez semanas) longe do Bit of Everything, do Cinefilando e, obviamente, dos blogs parceiros. Tudo por que recomeçaram minhas aulas e, para "melhorar", vou ter que passar por uma prova complicada para entrar numa monitoria. Logo, mesmo com os textos de Simplesmente Feliz e Milk - A Voz da Igualdade prontos, vou precisar me dedicar aos livros! Espero que entendam e, desde já, estou ansioso pela minha volta! Obrigado pela compreensão; abraços!

Rio Congelado

2009-02-11T13:18:00.006-02:00

Nos primeiros segundos de Rio Congelado, estréia de Courtney Hunt como roteirista e diretora, somos apresentados a Ray (Melissa Leo) em um momento de profunda tristeza: sentada em seu carro e fumando de forma compulsiva, ela mostra as marcas do tempo em seu rosto e derrama uma lágrima. Já nas cenas seguintes sabemos o porquê do desespero silencioso da mulher: seu marido acaba de roubar as economias da família – ele é viciado em jogos – e, consequentemente, o salário dela é insuficiente para criar os dois filhos que mal têm o que comer. Complicado e triste, né? Para deixar tudo ainda mais comovente, sabem o que o filho mais novo, Ricky (James Reilly) de cinco anos, pediu de Natal para o Papai Noel? Uma casa, enquanto outras crianças pedem os mais caros brinquedos... Além de tudo, o filho mais velho, T.J. (Charlie McDermott), é praticamente o modelo de família de Ricky e tenta ser o pai que está em falta.

A fita surpreendeu a todos e conseguiu duas indicações ao Oscar neste ano, nas categorias de Melhor Atriz (Melissa Leo) e Melhor Roteiro Original (Courtney Hunt). O texto de fato é extremamente bem desenvolvido e Hunt procura o tempo todo encontrar mais peças de um quebra-cabeça. Explico: o filme não é centrado em apenas uma história. Um dia, ao sair para procurar o marido, Ray conhece Lila (Misty Upham), uma descendente de índios Mohawk que também luta para sobreviver. Logo, ao passo que somos apresentados aos problemas familiares mais particulares de Ray, também somos guiados pela dura vida da moça que vive sob pressão, num território indígena que segue uma autarquia. Embora a afinidade entre elas não seja gigante, se unem – cada uma buscando alcançar um objetivo – e começam a exercer uma atividade ousada e estritamente perigosa: transportar imigrantes ilegais do Canadá para os EUA através do congelado Rio St. Lawrence. Durante tais transportes conhecemos a dura realidade dos ilegais e, principalmente, percebemos claramente a frieza que mantém o sistema de travessia. Apesar de esperado, o desfecho é muito tocante, realista e, principalmente, mostra que não há desculpas quando fazemos algo que vai contra a lei, seja de que instância for.

Não tem e sinto falta de uma fotografia esperta que usufruísse das belas planícies congeladas dos Estados Unidos, comecinho do Canadá. A trilha sonora acompanha toda a saga das duas mulheres e se faz, quase que o tempo todo, meio angustiante e quer saber?! Poderia ser um filme totalmente sem composição musical. Na verdade, toda a técnica da película não é desenvolvida; é tudo somente correto, sem nenhum diferencial. O destaque vai para a dupla Melissa e Misty que são ótimas em cada cena. Para ser bem sincero, a atuação de Leo - que já era para ter uma indicação ao Oscar pelo seu genial desempenho em 21 Gramas - é notável, mas não entendo o porquê de tantos cinéfilos a colocarem acima de algumas candidatas, até porque ainda não é presença garantida na minha lista de melhores atrizes da temporada. Disputa uma vaga – de duas restantes – com Sally Hawkins, Kristin Scott Thomas e Anne Hathaway (Meryl, Kate e Angelina são lock). Agora, o que fez a película perder nota me deixou chateado: Hunt é estreante em roteiro e direção, ok. Escreveu um belo material, mas parece que escorrega na própria água! O tempo todo me perguntei se era mesmo texto e direção da mesma pessoa, pois a imaturidade e alguns erros de Courtney na condução do filme são claros. No geral, uma fita extremamente ousada no argumento e bem atuada, mas que tropeça no próprio pé.

Nota: 7,5

Frozen River; EUA, 2008; DRAMA; de Courtney Hunt; Com: Melissa Leo, Misty Upham, James Reilly, Charlie McDermott, Michael O’Keefe, Mark Boone Junior.

Irma La Douce / Desafio Oscar 2000

2009-02-10T12:23:00.004-02:00

Dia 27 de Março de 2002 o mundo perdeu o que era, pra mim, um dos melhores roteiristas que já existiu e também um dos diretores mais geniais, Billy Wilder. Quase que o tempo todo apelando para contos envolventes, ele não deixava de inserir humor aos filmes, mas sempre com uma originalidade sem tamanho. Poderia ficar aqui falando sobre Se Meu Apartamento Falasse, Pacto de Sangue, Farrapo Humano, A Mundana, O Pecado Mora ao Lado, A Montanha dos Sete Abutres e Crepúsculo dos Deuses. Mas o amigo Otavio, do Hollywoodiano, pediu para que eu divagasse sobre uma das obras mais simples e, ao mesmo tempo, complexas de Billy: Irma La Douce.

Numa Paris não muito distante do nosso tempo (mentira, um pouco distante sim), existia um “contrato” entre prostitutas, cafetões e policiais, segundo o qual os dois primeiros davam “contribuições” à autoridade local, pois prostituição é crime – e assim, todos ficavam felizes. Acontece que o certinho policial Nestor Patou (o sempre espetacular Jack Lemmon) faz uma ronda no “ponto das meninas”, acaba fazendo a coisa certa e, por esse motivo, é demitido (Billy escracha a corrupção nas autoridades). Naquela rua, de pronto, conheceu e se apaixonou por Irma (Shirley MacLaine até então linda) e, desempregado, acaba tornando-se seu cafetão. Entretanto, a sua paixão por ela é tão forte à ponto de não admitir que Irma vá para a cama com outro homem além dele. Desta forma, com a ajuda de Moustache (Lou Jacobi), dono de um bar, Nestor se disfarça como um rico lorde inglês para se passar por cliente de Irma e, assim, tê-la só para ele. Ao passo que Patou consegue tudo o que queria, Irma desconfia que ele não sente mais interesse por ela – já que ele sente-se cansado por assumir dois papéis numa só vida. Uma briga entre o casal e a posterior eliminação do lorde inglês resultará numa situação absolutamente incomum e hilária. Não tem como rir e, paradoxalmente, ficar nervoso com a situação proposta por Wilder a partir daí. Os atos do filme, aliados a um desfecho ótimo, só ratificam a genialidade deste homem no que diz respeito aos seus escritos e sua postura atrás das câmeras.

O mais interessante no filme, além é claro dele como um todo, é o elenco. Jack Lemmon foi um dos melhores atores que pude ver em cena e, apesar de não ser um de seus melhores papéis, seu Nestor é fantástico. Um homem certinho que se vê numa atmosfera totalmente diferente da qual estava habituado a viver. A grande estrela do filme é Shirley MacLaine que incorpora toda a sensualidade e frieza de uma prostituta que, ao mesmo tempo, é doce e meiga. Provou ter um talento indiscutível, além de estar no auge de sua beleza (infelizmente não posso dizer o mesmo hoje, pois é só assistir ao telefilme Coco Chanel e vê-la toda “plastificada”). Alguns aspectos técnicos são de extrema relevância e devem ser mencionados como o “desenho fotográfico” de Joseph LaShelle. A fotografia do filme é maravilhosa e parece, de fato, desenhada. As cores vibrantes são fruto de belos figurinos (Orry Kelly – responsável também pelas peças de Quanto Mais Quente Melhor e de Sinfonia de Paris, seu trabalho mais notável). Alexandre Trauner foi o responsável pela direção de arte, que é muito coerente, principalmente a disposição de mobília e objetos no hotel. Mas não tem como; o trunfo supremo deste Irma La Douce é seu roteiro. Resta-me dizer: oh, Billy Wilder! Como o senhor faz falta!

Nota: 8,0

Irma La Douce; EUA, 1963; DRAMA/ROMENCE/COMÉDIA; de Billy Wilder; Com: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Lou Jacobi, Bruce Yarnell, Herschel Bernardi, Hope Holiday.

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Também aproveito este post para atender ao pedido do Cleber (Cineclub) e postar - além, é claro, de comentar - a minha lista ideal nas categorias de Melhor Filme e Direção no Oscar 2000. Vamos lá:

► Melhor Filme

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>>>Magnólia, de Paul Thomas Anderson<<<

Beleza Americana, de Sam Mendes

A História Real, de David Lynch

Tudo Sobre Minha Mãe, de Pedro Almodóvar

Quero Ser John Malkovich, de Spike Jonze

Menção Honrosa: Clube da Luta, de David Fincher

O filme de Fincher acabou perdendo a indicação para o de Jonze, na minha avaliação. Mas por muito pouco, confesso. Não entendo o porquê de colocar Regras da Vida num pedestal. É um belo filme, com um bom elenco; mas não merece indicação à filme e direção. O Informate é instigante, interessante e bem feito. Entrou fácil no top 10, mas não no 5. O mesmo falo de À Espera de Um Milagre. Magnólia é obra-prima, simples assim. Beleza Americana é uma pequena obra-prima, simples assim de volta. Tudo Sobre Minha Mãe é uma das obras-primas de Pedro... opa, novamente simples assim. Os outros dois, Quero Ser John Malkovich e A História Real, não chegam no patamar máximo, mas muito perto.

► Melhor Direção

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>>>Sam Mendes, Beleza Americana<<<

Paul Thomas Anderson, Magnólia

David Fincher, Clube da Luta

Pedro Almodóvar, Tudo Sobre Minha Mãe

Spike Jonze, Quero Ser John Malkovich

Menção Honrosa: David Lynch, A História Real

Os trabalhos de direção, neste ano, foram espetaculares. Mas não teria como deixar Mendes sem o prêmio, ainda mais sendo a sua estréia oficial. O que ele faz em American Beauty é fascinante, pesado, escrachado, brilhante! O mesmo posso dizer dos demais indicados. Vale lembrar que muitos acham que o trabalho de Lynch foi fácil no belo A História Real, mas se engana quem diz isso. Um diretor largar completamente seu estilo (a complexidade) e mergulhar num roteiro tão sensível e simples não é fácil.

Agora é com vocês! Quem quiser fazer a lista, sinta-se à vontade.

Retrô American Idol - Parte II

2009-02-09T12:28:00.003-02:00

Já estamos no fim da etapa on stage em Hollywood e devo confessar que esta temporada promete bastante. Enquanto não chegamos ao top 12, continuo com a parte II da last season.

* David Archuleta

Todos que assistiam ao programa comigo adoravam e dariam a vitória a este garotinho de apenas 17 anos, até então. Eu, como já disse anteriormente, acho David chato, bobinho e sua voz me dá muito sono. Teve lá algumas boas apresentações, mas ficar para a final, junto com Cook, foi uma viagem de ácido. Melhor apresentação: "Imagine" (John Lennon).

* Ramiele Malubay

Esta garota era uma graça! É pequenina, graciosa e super meiga. Mas quando solta a voz, mostra algo gigantesco! Saiu cedo, eu confesso, mas não entraria no meu top 5 por um motivo: ela era muito imatura. Melhor apresentação: "Against All Odds (Take a Look at Me Now)" (Phil Collins).

* Amanda Overmyer

A cada apresentação de Amanda eu delirava. Uma rockeira espetacular que merecia ter ficado entre os três melhores com certeza. Com uma voz intensa e muito diferente e com aquele olhar que todos conheciam, ela sempre chegava para arrasar. Uma pena que foi eliminada justo por uma de suas melhores apresentação ("Back in the U.S.S.R"). Melhor apresentação: "You Can't do That" (The Beatles).

* Chikezie

Ele sempre me deixava com um sentimento meio bittersweet; apesar de achar sua energia no palco incrível, sempre detestava as suas desafinadas. Há quem diga que deveria ter sido o grande vencedor, mas discordo totalmente. Mereceu sair quando saiu. Melhor apresentação: "She's a Woman" (The Beatles).

* David Hernandez

Quando anunciaram que Hernandez tinha sido eliminado eu parei e, de pronto, pensei: "WTF???????". Grande cator, extremamente original e que, se vencesse, eu não reclamaria. O cúmulo do ridículo ter saído tão cedo. Melhor apresentação: "In the Midnight Hour" (Wilson Pickett).

* Kristy Lee Cook

Bom, momento crítico. Sim, eu adoro a Kristy. Sim, eu tenho os dois CDs dela. E sim, ela está no meu top 5! Aquela voz aguda e absurdamente country me conquistou de forma incrível e, discordando de 90% dos fãs do programa, não acho que ela desafinava tanto. Melhor apresentação: "Anyway" (Martina McBride)

Desta forma, meu top 5 seria - em ordem de preferência:

1. Carly Smithson

2. Amanda Overmyer

3. Brooke White

4. Michael Johns

5. Kristy Lee Cook

Com uma menção mais que honrosa ao David Hernandez o qual deve-se sentir parte deste top.

Resumo da Semana

2009-02-08T11:56:00.002-02:00

♠ Filmes Assistidos

Terror em Silent Hill (EUA, 2006 - de Christophe Gans) - 8,0

Margot e o Casamento (EUA, 2007 - de Noah Baumbach) ** - 7,0

Pergunte ao Pó (EUA, 2006 - de Robert Towne) - 6,5

O Leitor (EUA, 2008 - de Stephen Daldry) - 7,0

Tapete Vermelho (Brasil, 2006 - de Luiz Alberto Pereira) - 8,0

Bully (EUA, 2001 - de Larry Clark) - 8,5

Sim Senhor (EUA/Austrália, 2008 - de Peyton Reed) - 5,5

Dúvida (EUA, 2008 - de John Patrick Shanley) - 9,5

Tickets (Itália/Reino Unido, 2005 - de Ken Loach, Abbas Kiarostami e Ermanno Olmi) - 7,5

** Filmes revistos

• Filme da Semana: Dúvida (EUA, 2008 - de John Patrick Shanley) - 9,5

Sinopse: Uma rígida freira, que é também a diretora de uma escola, inicia uma cruzada contra o padre local, devido à suspeita de que esteja dando atenção demasiada a um aluno.

• Pior Filme da Semana: Sim Senhor (EUA, 2008 - de Peyton Reed) - 5,5

Sinopse: Um homem decide ir a um culto de auto-ajuda, que prega que deve-se dizer sempre sim a tudo que aconteça em sua vida.

• Atuações Femininas da Semana (não tem como não citar duas desta vez): Meryl Streep como Irmã Aloysius (Dúvida) / Kate Winslet como Hanna Schmitz (O Leitor)

• Atuação Masculina da Semana: Matheus Nachtergaele como Quinzinho (Tapete Vermelho)

• O Que Não Saiu da Minha Cabeça Esta Semana: o meu pré-projeto de conclusão de curso foi a única coisa que não saiu da minha pobre cabecinha nesta semana. Não consegui pensar em mais nada para dizer aqui, pois fiquei totalmente sem tempo por causa do bendito trabalho.

Dúvida

2009-02-06T20:19:00.004-02:00

Podemos chegar numa certeza sem evidências? Podemos ainda fazer com que um boato torne-se uma verdade absoluta a ponto de levar alguém à ruína? Eu não tenho este dom. Claro, é uma dádiva, pois a pessoa precisa ter um poder de persuasão incrível e um poder de manipulação social mais fantástico ainda. Uma coisa é fato: a Irmã Aloysius (Meryl Streep), diretora de uma rígida escola no Bronx dos anos 60, tem essas duas qualidades. A partir de um comentário feito pela Irmã James (Amy Adams), segundo o qual o Padre Flynn (Philip Seymour Hoffman) poderia estar aliciando um dos alunos da escola, Irmã Aloysius o aceita como sendo uma das certezas do momento e, sem dúvidas, irá fazer de tudo para que a verdade – ou seja, o que ela acredita que seja verdadeiro e não necessariamente a realidade - venha à tona. Dúvida (o nome da película a resume perfeitamente), filme do até então apenas correto John Patrick Shanley, viaja pela atmosfera desta escola, na intenção de nos apresentar o que, de fato, está acontecendo ou aconteceu.

A base da fita é um roteiro irretocável e genial de Shanley, isto é, foi baseado numa peça de teatro dele próprio. Durante os seus míseros cento e quatro minutos de reprodução (míseros num bom sentido, pois não necessita de mais nada), somos guiados por diálogos de tirar o fôlego entre os três personagens cléricos, sempre no intuito de fazer uma suposição virar verdade. Quando a mãe do garoto (Viola Davis) que, aparentemente foi molestado, é convocada para uma reunião com Irmã Aloysius e revela fatos sobre seu filho, o filme muda de tom, pois as revelações são interessantes. A mente da freira, a partir daqui, começa a entrar em conflito, mas nem isto a abala. Afinal, Padre Flynn é culpado ou tudo não passa de uma tentativa desesperada da Irmã de tirá-lo do comando? Por muitos odiado, o desfecho, ou seja, a última cena do filme, é um espetáculo! Confesso que estava preparado para algo parecido, mas não tão intenso. O que devemos colocar em pauta é o seguinte: o filme nasceu de um uma peça teatral – que deve ser uma obra-prima – e podemos afirmar isso mesmo que não tenhamos ciência da sua origem. John Patrick Shanley filma de forma clássica, mas sempre colocando toques teatrais na fita. A maior evidência desta “teatrização” é o desenvolvimento de cada um dos quatro personagens: são quase que alegorias que, por meio da retórica, tentam convencer o espectador de forma verbal (a partir dos diálogos) ou visual (com as nuances faciais e corporais). Este tipo de caracterização é típico nas peças de teatro e colocá-lo dentro de um filme é uma sacada de mestre.

Como a incisiva freira, temos Meryl Streep numa atuação visceral. Ela navega dentro da Irmã e não está menos que possuída, fantástica. Não só nos momentos em que se faz imutável aos argumentos dos demais, mas também na fatídica cena da sua humanização ela é impressionante. Amy Adams é a típica freira ingênua que acredita em todos que falam manso com ela. Numa das passagens em que chegam a sair faíscas dos diálogos (Meryl, Amy e Philip juntos), ela dá um show. Outra belíssima atuação, mesmo que secundária, desta atriz notável. Pela maioria, Viola Davis é tida como a estrela do filme em seus mínimos quinze minutos de atuação. Ainda que ache Amy melhor que ela, não nego que é uma cena-chave e que retira tudo de mais profundo de Viola; também, ótimo trabalho. O Padre Flynn é um sacana! Philip Seymou Hoffman se lançou como coadjuvante quando, na verdade, é co-lead. De qualquer forma, vai muito bem, principalmente nas suas metafóricas homilias. Tecnicamente, Doubt é outro trunfo: Roger Deakins, de volta, consegue ter duas das melhores fotografias da temporada (a outra em O Leitor); sempre com pouca luz, denotando a nebulosidade do fato. Howard Shore, um dos meus compositores preferidos, entende a proposta e faz uma trilha instigante e muito grandiosa. No geral, é tudo muito correto. Assim sendo, Dúvida cutuca onça com vara curta e expõe um assunto muito delicado sobre a igreja católica. Também nos deixa uma pergunta no ar: existe dúvida na mais plena certeza?!

Nota: 9,5

Doubt; EUA, 2008; DRAMA; de John Patrick Shanley; Com: Meryl Streep, Amy Adams, Philip Seymour Hoffman, Viola Davis, Mike Roukins, Joseph Foster.

O Leitor

2009-02-05T14:32:00.002-02:00

Já nos primeiros minutos de O Leitor, novo trabalho do diretor Stephen Daldry, sabemos que o roteiro do filme nos apresentara a mesma história, mas de maneira não linear em termos temporais. Temos ciência disto uma vez que somos guiados pela juventude de Michael, personagem de David Kross e Ralph Fiennes, de acordo com lembranças que vem à tona quando ele já é adulto. Também já começamos com o fato que será o carro-chefe durante toda a reprodução: a sua paixão súbita por Hanna Schimitz (Kate Winslet) e, aparentemente, a recíproca é verdadeira, mesmo com a diferença de idade entre eles. David Hare, o roteirista que adaptou a obra homônima de Bernhard Schlink, faz um trabalho correto – mesmo que modificando algumas passagens – mas que ainda tem um déficit de genialidade nas grandes cenas do filme, principalmente nas três sequências do desfecho. Aproveitando para ir direto ao ponto, Daldry parece que não é o mesmo que dirigiu os espetaculares As Horas e Billy Elliot, mas por quê?! Absolutamente diferente desses dois filmes, The Reader é frio e erra justamente numa falta de sensibilidade que é a essência da obra literária.

Ambientado em duas épocas, ambas na Alemanha, O Leitor gira em torno do casal que, durante alguns meses, vivem uma tórrida paixão que, a meu ver, é até tórrida demais. Explico: fica claro no livro que é amor e não paixão, mas o enfoque que Stephen deu a este sentimento no longa dá a entender, por oras, que é apenas algo carnal. Sempre quando eles se encontravam, no entanto, algo interessante acontecia. Michael lia para ela alguns trechos de livros, fossem histórias ou poesias, e Hanna simplesmente ficava maravilhada com a forma que as palavras saiam, tão sublimes, da boca dele. Um dia, de uma hora para outra, ela deixa Michael sem dar explicação e só voltamos a encontrá-la no ápice da fita e, junto com o clímax, vem o porquê de Hanna ter fugido e o porquê de adorar que as pessoas lessem para ela. A atmosfera é muito direta, composta por algumas passagens que chegam a ser extremamente insensíveis e, a todo momento, me perguntei como este filme conseguiu indicações nas categorias principais do Oscar. Não é ruim, mas carece de suavidade em sua abordagem final e, principalmente, inicial. O filme toca em pontos interessantes como as consequências do pós-guerra e, objetivamente, do nazismo, questões sobre o destino e um amor que não acabou – mesmo eu reclamando de tal frieza. A última cena em que a personagem de Kate aparece, era para ser “a cena” e só de imaginá-la, lendo o livro, meu coração disparou. Mas foi colocada quase que em segundo plano, infelizmente. Repito que é um bom filme, mas longe de ser um dos melhores da temporada.

David Kross interpreta Michael em sua juventude e o faz de forma muito convincente. O garoto mostra talento e parece ter um caminho legal pela frente. Este foi o ano de Ralph Fiennes: fez O Leitor, A Duquesa, Na Mira do Chefe e o telefilme Bernard and Doris (neste ele está maravilhoso). Sua atuação secundária em The Reader é excelente e merecia uma certa gratificação, talvez. Agora chegamos ao ponto mais complicado do meu texto, Kate Winslet. Quem me conhece além-blog e costuma papear comigo por MSN e Orkut, sabe que sempre defendi a sua indicação como lead por este filme, já que sua personagem no livro é principal. Mas caí do cavalo e me deparei com um papel estritamente secundário e, por isso, vou considerar uma tremenda injustiça que esta vença o Oscar – já adianto que não por estar ruim. O mesmo não iria acontecer se tivesse sido indicada – corretamente – por Foi Apenas Um Sonho onde está espetacular. Mesmo assim, devo ser transparente e gritar a sete cantos: que atuação coadjuvante impressionante Kate tem neste filme! Cada gesto, cada olhar, cada nuance corporal... tudo criado milimetricamente por esta atriz que, num único ano, me deixou perplexo duas vezes. Se estivesse na categoria secundária de atuação, teria disparado na minha preferência e aí sim venceria o Oscar.

Em termos técnicos, e já estou concluindo, The Reader é perfeito. Há quem diga que Roger Deakins não compôs a fotografia individualmente, mas sim com a ajuda de Chris Menges. Sozinho ou em dupla, os enquadramentos seguem um estilo conservador e se fazem irretocáveis. É a segunda ou terceira trilha sonora que ouço e considero melhor que a de A.R Rahman para Quem Quer Ser Um Milionário?. Nico Muhly utiliza acordes que vão desde os mais clássicos até os mais originais e inimagináveis. Gosto muito da direção de arte e, inclusive, Christian M. Goldbeck e Erwin Prib mereciam uma atenção especial. O trio feminino que cuidou da edição (Claire Simpson) e dos figurinos (Donna Maloney e Ann Roth) trabalha nos seus respectivos nichos direitinho. É triste ver um filme com um elenco tão sensacional em cena e com uma técnica tão bela, escorrer pelas mãos de um diretor como Stephen Daldry. E pior: por sua própria culpa aliada com falhas, mesmo sem serem gritantes, no roteiro.

Nota: 7,0

O Leitor; EUA, 2008; DRAMA; de Stephen Daldry; Com: Ralph Fiennes, Kate Winslet, David Kross, Bruno Ganz, Jeanette Hain, Kristen Block, Volker Bruch.

Violência Gratuita (2007)

2009-02-04T16:56:00.004-02:00

Em Onde os Fracos Não Têm Vez, os irmãos Coen apresentam um conto sobre as raízes da violência e chegam a personificá-la no personagem de Javier Bardem. Pesadelo Americano também utiliza a violência como pauta, mas ainda temos o aparecimento de um final mais positivo. Stanley Kubrick ousou em sua obra-prima Laranja Mecânica abordando o mesmo tema, mas de forma ainda mais impressionante, crua e fria não só por meio de um belo roteiro, mas sim por uma técnica de cores fantástica. Não assisti à primeira versão de Violência Gratuita, mas a sua refilmagem, a meu ver, é incrível. Além de um roteiro tão ousado e complicado quanto os dos demais filmes citados - quando me refiro à abordagem sobre violência; o diretor Michael Haneke, juntamente com o diretor de arte Hinju Kim, chegou a fazer referência diversas vezes a A Clockwork Orange.

O casal Ann (Naomi Watts) e George (Tim Roth), juntamente com o filho Georgie (Devon Gearhart), resolvem começar as férias numa casa à beira de um lado e têm planos de se divertirem muito. Mas o que era para ser perfeito na vida de uma família se tornará um verdadeiro caos em questão de segundos, quando dois estranhos, Paul (Michael Pitt) e Peter (Brady Corbet), invadem a casa e sujeitam a família a inimagináveis situações, todas absurdamente inconvenientes e violentas. Os dois jovens são evidentemente perturbados e durante todo o filme explicam com vários argumentos o porquê estão fazendo aquilo – todos embasados em insanidade. Michael Haneke abre as portas e deixa que o realismo entre e permaneça no seu thriller, de modo que nos sintamos tão atingidos pelas frases dos garotos quanto o próprio casal. Paul e Peter jogam com eles próprios em algumas passagens e chegam a questionar a existência violência no mundo. Em dois momentos, de maneira genial, Paul fala com o espectador, bolando um jogo de perguntas e respostas. O desfecho não poderia ser mais pessimista, direto e, paradoxalmente, fenomenal.

A direção de Haneke, pra mim, é de uma força máxima. Alguns de seus planos são obras-primas, como o que precede o desfecho do filme: uma sequência impressionante e assustadora de quase vinte minutos. O roteiro mostra que violência e insanidade são separadas, na maioria das vezes, por uma linha muito tênue e que entre elas, estão as vítimas. Como disse na introdução, temos uma menção frequente ao clássico de Kubrick, Laranja Mecânica. As cores utilizadas pelo diretor de arte e, principalmente, a ironia e vestimentas dos dois garotos, lembram muito o filme. Não sei por que, mas isso não me agrada. Naomi Watts é uma das minhas atrizes preferidas e gosto muito do seu papel aqui, mesmo que aquém da atuação de sua carreira em 21 Gramas. Tim Roth e o menininho Devon Gearhart estão corretos, mas os maiores elogios vão para os vilões Michael Pitt e Brady Corbet: são quase como caricaturas do mal. Insanos, reais, desumanos; duas grandes composições. A fita me deixou sem respirar por diversas vezes e gostaria muito de encher o texto de spoiler para citá-las. Se algum de vocês quiser que eu exemplifique essas cenas, mande um e-mail para o contato que está aí ao lado ou sei lá, manda sinal de fumaça!

Nota: 9,0

Funny Games U.S; EUA/Reino Unido/França, 2007; SUSPENSE; de Michael Haneke; Com: Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt, Brady Corbet, Devon Gearhart.

Olha Que Blog Maneiro! - Injustiças do Oscar

2009-02-03T12:10:00.009-02:00

O Bit of Everything foi indicado para receber o seu segundo selo! Os generosos amigos Alex (Cine Resenhas), Wally (Cine Vita), Jeff (Receio de Remorso), Robson (Portal Cine), Ibertson (Cinema Para Todos), Alyson (Cine ao Cubo) e Weiner (A Grande Arte) e a querida Mayara (Apaixonada Por Cinema) foram os blogueiros que citaram o meu blog para que receba o simpático Olha Que Blog Maneiro!. Tenho esta menção como um presente e aproveitei publicá-la agora pois o cinéfilo que vos fala completa mais uma primavera neste exato dia. A esta hora, inclusive, há vinte anos atrás, minha mãe já estava comigo no colo, hahahahahaha. Agradeço por este presente, Alex, Jeff, Wally e Mayara! O selo deve ser recebido e repassado seguindo os passos abaixo:

1. Exiba a imagem do selo “Olha que blog maneiro!” que você acabou de ganhar.

2. Poste o link do blog que te indicou (muito importante).

3. Indique 10 blogs de sua preferência.

4. Avise seus indicados (não esquecer).

5. Publique as regras.

6. Confira se os blogs indicados repassaram o selo e as regras.

7. Envie a sua foto ou de um(a) amigo(a) para olhaquemaneiro@gmail.com juntamente com o link dos 10 blogs indicados para verificação. Caso os blogs tenham repassado o selo e as regras corretamente, dentro de alguns dias você receberá uma caricatura em P&B.

Quem leva o Selo?

Kamila (Cinéfila Por Natureza)

Alyson (Cine ao Cubo)

Vinícius (Blog do Vinícius)

Vivi e demais editores (Cinefilando)

Miojo e Nespoli (O Cara da Locadora)

Cecília (Cenas de Cinema)

Otavio (Hollywoodiano)

Red (Os Filmes)

Romeika (A Room Of One's Own)

Cassiano (Museu do Cinema)

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Os Injustiçados!

O Alex (Cine Resenhas), também me desafiou a postar cinco injustiças (mas só?!) cometidas pelo Oscar ao longo dos anos. Já vou avisando que foi muito difícil escolher apenas 5 injustiças. Ao término da lista (por ordem de ano), devo desafiar cinco blogueiros. Here I go!

1. Oscar 1947

Até hoje não sei como aquela geração de votantes não deixou que A Felicidade Não Se Compra saísse como o grande vitorioso da noite. Não processo a idéia de uma obra-prima como estas ter ficado sem as estatuetas principais e, pior, tê-las perdido para o apenas legal Os Melhores Anos de Nossas Vidas.

2. Oscar 1996

Era um bom ano, confesso. Mesmo achando Coração Valente maravilhoso, não nego que acharia mais viável premiar Razão e Sensibilidade. Assim, esta não é a injustiça do ano, até por que tivemos duas: Emma Thompson e Kate Winslet derrotadas. Susan Sarandon mereceu a indicação por Os Últimos Passos de Um Homem, mas premiá-la? Acho que não. Emma tem, em Razão e Sensibilidade, uma das melhores atuações que vi num filme. O mesmo posso dizer de sua companheira de set Kate Winslet que, a meu ver, não tinha como perder a estatueta de coadjuvante. Adoro Poderosa Afrodite e Mira Sorvino é ótima no papel; mas convenhamos que a composição de Winslet é magistral.

3. Oscar 1997

Alguns blogueiros vão me xingar agora. Não, eu não morro de amores por Fargo. E não, eu também não vejo nada na atuação de Frances McDormand neste filme. É boa e mereceu ser indicada, mas jamais merecia vencer. Principalmente no ano em que tínhamos Emily Watson (Ondas do Destino) numa atuação que entrou fácil no meu top 10 de todos os tempos. Mas não foi a única injustiça do ano. A vitória de Billy Bob Thornton pelo seu roteiro em Na Corda Bamba, pra mim, é sem lógica quando todos os demais indicados eram melhores, principalmente John Hodge e seu Trainspotting - Sem Limites.

4. Oscar 1999

O ano foi totalmente errado. Quase tudo, pra mim, é considerado injustiça. 1999 teve duas obras-primas: Central do Brasil e Além da Linha Vermelha. Ambos perderam nas categorias principais, conforme suas indicações. E pior: o filme nacional perdeu para o irritante e cheio de erros A Vida é Bela; teve também a derrota de Fernanda Montenegro para a correta, apenas, Gwyneth Paltrow (na verdade, qualquer outra estava melhor que Paltrow). Além da Linha Vermelha, do genial Terrence Malick, me perde o Oscar de Melhor Filme para a comédia/drama/romace/whatever Shakespeare Apaixonado (muito legal, concordo; mas inferior). Além de tudo isso, Edward Norton (A Outra História Americana), o melhor de muito longe, foi derrotado por um Roberto Benigni chato, bobo e o que mais vier neste sentido. Sem dúvida, ano terrível!

5. Oscar 2006

Outro ano péssimo! Muitos sabem que eu odeio o filme de Paul Haggis, Crash - No Limite. E o pior nem foi vê-lo vencer O Segredo de Brokeback Mountain, mas sim Boa Noite e Boa Sorte - pra mim, o melhor dentre os indicados. Aqui, o caso é pior, pois eu nem indicaria Crash (somente, talvez, ao Framboesa de Ouro)! Outra injustiça irreparável é Felicity Huffman ter saído sem o seu prêmio pela sua magnífica Bree em Transamérica (Reese?? WTF??). Até aparecer Marion Cotillard em Piaf - Um Hino ao Amor, considerava a atuação de Felicity a melhor da década. Algumas outras besteiras eles fizeram neste ano, como dar roteiro para Haggis, canção para Ritmo de Um Sonho...

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Desafio:
Denis (CINEMANÍACO)
Kamila (Cinéfila Por Natureza)
Vivi (Cinefilando)
Dudu (Cinéfilo, Eu?)
Wally (Cine Vita)

Foi Apenas Um Sonho

2009-02-02T12:17:00.006-02:00

É inegável perceber que a pequena, mas já interessante filmografia de Sam Mendes é muito heterogênea. Lançou-se no cinema com o seu tour de force Beleza Americana, o melhor filme que retrata e critica o american way of life. Depois vieram Estrada Para Perdição e Soldado Anônimo, ambos totalmente diferentes, mas no geral corretos. De fato, é complicado colocar o sonho americano – e suas consequências – em evidência, pois envolve questões delicadas. Entretanto o diretor inglês bate na mesma tecla e resolve retornar a este tema com o seu novo trabalho, Foi Apenas Um Sonho.

É bom, pelo menos pra mim, assistir a um filme sem expectativa, pois se ele me agrada a surpresa é maior. Fui com este intuito ver a fita, mas o esforço de não criar expectativa não adiantou de nada, pois a achei somente regular. Baseado no livro de Richard Yates, Revolutionary Road conta a “inovadora” história de um casal que sonha em construir uma família, morar numa bela casa, ter vizinhos legais e que o marido seja bem sucedido. O casal é Frank (Leonardo DiCaprio) e April (Kate Winslet) e tudo vai muito bem até alguns segredos conjugais e vontades particulares de cada um serem trazidos à tona. Isto desencadeará uma série de cenas aparentemente complicadas e seremos conduzidos por uma família que deveria estar recomeçando, mas está se auto-destuíndo. Não posso negar que o desfecho do filme é de ficar paralisado na poltrona (Kate Winslet não menos que impressionante); mas vejam bem: o desfecho é ótimo e não a cena final que, a meu ver, foge completamente da proposta. Os meus problemas começam na raiz do filme que é o roteiro de Justin Haythe. Não sabemos nada sobre a vida dos dois antes do casamento e isso me incomoda um pouco, pois sem ciência do antes, não podemos divagar sobre o depois. E não é só isso: por diversas vezes ficamos perdidos com acontecimentos sem resolução, cenas que aparecem do nada e discussões que fogem completamente do momento em que são inseridas. Sinceramente, o texto é o principal problema, juntamente com a direção de Mendes. Ele faz com que algumas cenas fiquem absurdamente exageradas e promove desavenças quase que desnecessárias de tão histéricas. No entanto, tem alguns posicionamentos de câmera que são geniais, mas infelizmente não estão inseridos ao longo de todo o filme. Acho que também temos erros de divulgação, já que percebo passagens no trailer que simplesmente não existem no filme.

Coloque carros antigos nos sets e locações de filmagem que, certamente, seu filme terá uma indicação à Direção de Arte no Oscar (não vejo outro motivo que justifique a indicação do filme na categoria). Algumas peças de roupa usadas por Kate e Kathy são belas, mas no geral o figurino não tem nada de excelente (só indicaram porque Albert Wolsky é queridinho da Academia). Roger Deakins é o fotógrafo e não preciso dizer mais nada acerca deste aspecto, assim como Thomas Newman é o compositor e também não precisa de elogios (mesmo assim, que trilha linda é essa?!). O elenco secundário é, no mínimo, impecável: Kathy Bates interpreta a vizinha intrometida e fofoqueira lindamente e Michael Shannon, em apenas duas ou três cenas, está magnífico a ponto de sua composição ser uma das mais complexas do elenco. Eu gosto do Leonardo DiCaprio e seus trabalhos anteriores como em O Aviador e Diamante de Sangue são bons. Mas poupe-me quem diz que ele merecia menção nos prêmios por Foi Apenas Um Sonho! Tem momentos satisfatórios, mas em quase 90% de filme ele interpreta como um bebê birrento e chato e nem se esforça em entrar no personagem para retratar um pai de família infeliz. Não é novidade para ninguém que eu não morro de amores pela Kate Winslet – inclusive nem a teria indicado por várias vezes que foi. Mas aqui ela faz algo magnífico e tem a melhor atuação de sua carreira. Era para ser algo contido, mas torna-se uma personagem complexa, instigante e que tomará uma decisão forte no final e, nesta hora, compõe um momento irretocável na carreira da atriz. Então, Revolutionary Road – que deveria ser traduzido ao pé da letra – torna-se somente regular por culpa de um roteiro falho e de uma direção que vai de satisfatória à errônea em questão de segundos. Poderia tomar o mesmo rumo de outras obras que tratem do american way of life, mas acabou desembocando em algo comum e poderia ser totalmente esquecível se não fosse Kate, Kathy e Michael.

Nota: 6,5

Revolutionary Road; EUA, 2008; DRAMA; de Sam Mendes; Com: Kate Winslet, Leonardo DiCaprio, Kathy Bates, Michael Shannon, Kathryn Hahn, Richard Easton.

Resumo da Semana

2009-02-01T13:13:00.004-02:00

♠ Filmes Assistidos

Violência Gratuita (Reino Unido/EUA, 2007 - de Michael Haneke) - 9,0
P.S Eu Te Amo (EUA, 2007 - de Richard LaGravenese) ** - 8,0
Patch Adams - O Amor é Contagioso (EUA, 1998 - de Tom Shadyac) - 7,5
O Lutador (EUA, 2008 - de Darren Aronofsky) - 8,0
Foi Apenas Um Sonho (EUA, 2008 - de Sam Mendes) - 6,5
Irma La Douce (EUA, 1963 - de Billy Wilder) - 8,0
Hook - A Volta do Capitão Gancho (EUA, 1991 - de Steven Spielberg) - 7,0
A Espiã (Holanda, 2006 - de Paul Verhoeven) - 8,5
Lady Vingança (Coréia do Sul, 2005 - de Park Chan-Wook) - 9,0
Morte Silenciosa (Telefilme; EUA, 1999) – 6,0

** Filmes revistos

• Filme(s) da Semana: Violência Gratuita (Reino Unido/EUA, 2007 - de Michael Haneke) - 9,0 / Lady Vingança (Coréia do Sul, 2005 - de Park Chan-Wook) - 9,0

Sinopse (Violência Gratuita): Casal rico curte o início das férias com seu filho em uma casa à beira de um lago. Enquanto o marido e o menino cuidam do barco, a esposa recebe a visita de um educado vizinho que pede ovos emprestados. Ele e outro sujeito, que chega logo depois, não irão mais sair da casa. A família é mantida em cativeiro pelos dois invasores, que executam jogos sádicos e violentos.

Sinopse (Lady Vingança): Uma mulher se entrega como sendo a culpada pelo sequestro e morte de um garoto de 6 anos, para impedir que seu namorado seja preso. Condenada a 13 anos de prisão, ela decide se vingar dele quando descobre estar sendo traída.

• Pior Filme da Semana: Morte Silenciosa (Telefilme; EUA, 1999) – 6,0

• Atuação Feminina da Semana: Kate Winslet como April Wheeler (Foi Apenas Um Sonho)

• Atuação Masculina da Semana: Mickey Rourke como Randy (O Lutador)

• O Que Não Saiu da Minha Cabeça Esta Semana: a cena "La Vie Boheme" do filme Rent - Os Boêmios.

O Bom Filho à Casa Retorna!

2009-01-30T17:47:00.002-02:00

Pois é! Resolvi publicar este aviso que soará mais como um comunicado. Muitos sabem que antes do nascimento do Bit of Everything eu era editor do Cinefilando com meus amigos Tiago e Vivi. Por alguns motivos eu me retirei do blog para abrir a minha própria casa, mas nunca perdi o carinho pelo Cinefilando, tampouco o meu grande vínculo de amizade com os dois outros editores. Numa conversa informal com o Ti, há uns dias atrás, tocou-se no assunto de eu voltar àquele blog e, pensando muito bem, resolvi retornar à minha antiga casinha! E é claro que a sudade de dividir um blog com eles pesou na decisão. Ficarei responsável por uma sessão no Cinefilando (surpresa!), entretanto continuarei firme e forte aqui no Bit!! Aproveito para falar que, pela primeira vez, trabalharei junto do Arthur, o qual entrou no Cinefilando após minha saída, e isso me anima bastante pois ele é muito gente fina. É isso! Espero que gostem da minha volta e da minha sessão por lá. Ótimo fim de semana para todos!

O Lutador

2009-01-29T16:36:00.006-02:00

Durante toda a reprodução de Fonte da Vida somos mergulhados integralmente num mar de complexidade. Em Pi, caminhamos na obscura mente de um gênio da matemática a qual é salpicada com loucura e sanidade. Já em Réquiem Para Um Sonho somos expostos à cenas pesadas que fazem parte do mundo de pessoas viciadas em drogas. Estes três filmes do diretor Darren Aronofsky são fixados numa atmosfera complicada e, dependendo do caso, de difícil digestão. Chegou a vez do diretor americano se aventurar em algo simples que aparentemente parecia ser clichê e simples ao extremo. The Wrestler trata da vida de um homem que, no passado, fez sucesso como lutador profissional e ainda hoje vê sua vida girar em torno da luta. Mas já estamos cansados de assistir fitas com essa temática em várias das tentativas chatas de transpô-la ao cinema. O Lutador é um filme muito bom, mas adianto que é o trabalho mais “fraco” de Aronofsky.

Randy “The Ram” Robinson (a lenda Mickey Rourke), como já disse, é um veterano no ringue, mas no fundo é absolutamente solitário. Um sujeito simpático, mas com jeito de brutamonte que vê em Cassidy (Marisa Tomei) uma pessoa com quem pode desabafar mesmo sua relação com a moça sendo limitada, já que ela é uma stripper. Com a sua ajuda, Randy tenta refazer sua vida e resolve reatar o relacionamento com sua filha, Stephanie (Evan Rachel Wood) e esta reaproximação não será fácil e renderá três dos momentos mais maravilhosos e emocionantes da fita. Filmando o tempo todo com a câmera na mão, Darren usa e abusa de movimentos bruscos e secos, mas nunca deixando a sensibilidade de lado. Utiliza planos-sequência de muito bom gosto ao retratar a vida solitária de um homem que tenta se reerguer. O ritmo da película vai do mais frenético – com as impressionantes lutas coreografadas – até o mais melancólico que, infelizmente, faz o filme perder bastante sua agilidade. Desta forma, não me encantei tanto pela montagem que foi o motivo pelo qual tirei a maior parte de nota. Também não virei grande fã de várias inserções de cenas que, pra mim, soaram como forçadas demais. Discordo de quem disse que Mickey é filme. Ele faz algo genial e isso é uma das minhas certezas acerca do assunto. Mas acredito que o roteiro seja um dos pontos mais fantásticos do qual devo comentar. Robert Siegel escreve com muita paixão e percebemos claramente que ele desvia todas as possibilidades de cenas clichês. Um texto sensível, complicado, precioso e real. Aliás, realismo é a palavra que define a excelente direção de Darren.

Deixo reservado o último parágrafo para divagar sobre o melhor de O Lutador: o elenco. Mickey Rourke interpreta a ele mesmo?! De certa forma, sim. Mas sua composição é tão sincera e tão profunda que não há como não vermos sua determinação. As duas coadjuvantes estão espetaculares. Marisa Tomei é uma stripper, mas que tem uma vida fora da boate e Evan Rachel Wood é a filha esquecida. Vale lembrar que as duas estão no mesmo patamar de atuação, mesmo Evan aparecendo muito menos que Marisa. Os créditos, após um final muito interessante, são embalados por uma das melhores canções para filme desta década. Trata-se de The Wrestler do formidável Bruce Springsteen. Encerrando, fica claro que não achei o filme irretocável, mas sim muito bom. De qualquer forma, fica claro, pelo menos pra mim, que Darren Aronofsky é um dos melhores diretores em atividade.

Nota: 8,0

The Wrestler; EUA, 2008; DRAMA; de Darren Aronofsky; Com: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood.

Retrô American Idol - Parte I

2009-01-28T17:02:00.003-02:00

Alguns podem achar que o tema central do blog é Cinema. Mas o título já induz a pensarmos que realmente teremos um pouco de tudo e, desta forma, vou fazer uma breve retrospectiva da última temporada do American Idol; programa este no qual sou um tantinho viciado. Resolvi fazer isso porque a oitava temporada já começou e está na fase das audições – da qual não sou tão fã – e very soon, para os que acompanham pelo canal Sony Entertainment (assim como eu), chegará a fase dos semifinalistas e posteriores finalistas. Pois bem, vamos aos primeiros seis finalistas da season 7 (os demais em outro post):

* David Cook
Do Missouri para o mundo, o rock star foi o vencedor da última temporada. Desbancou o chatinho e bobinho David Archuleta que, na verdade, parece estar fazendo mais sucesso que Cook. Mereceu vencer? Não era meu favorito, mas sem dúvida é um ótimo cantor. Sua melhor apresentação: “Billie Jean” (Michael Jackson).

* Syesha Mercado
Com uma das mais potentes vozes da temporada, Syesha era uma grande concorrente. Sempre muito teatral e artística, ela foi muito bem, mas acredito que seus exageros vocais foram os responsáveis por sua eliminação. Melhor apresentação: “One Rock & Roll Too Many” (Starlight Express).

* Jason Castro
Era o queridinho de vários espectadores, mas o mais fora da realidade, a meu ver. Sua voz é muito boring e dava muito sono. Teve uma apresentação legal aqui e acolá, mas no geral teria saído bem cedo se fosse que quem decidisse. Melhor apresentação: “Hallelujuah” (Jeff Buckley).

* Brooke White
Ela entrou fácil no meu top 5 da season. Sempre afinada e com a voz rouca, ela esbanjava alegria e talento. Não posso mentir, já que ela foi ousada algumas vezes (como pedir para recomeçar a canção em duas ocasiões), mas me emocionei em várias de suas apresentações. Vale lembrar que o seu álbum (Songs From the Attic) é maravilhoso! Melhor apresentação: “You Must Love Me” (Evita).

* Carly Smithson
Pra mim, seria a vencedora! Belíssima voz, carismática e com um excelente domínio de palco. Ouso dizer que apenas não gostei de umas duas apresentações dela, pois achei a maioria incrível. Vale lembrar que Carly nem sequer chegou ao top 5... Já que seria a minha vencedora, citarei duas apresentações: “Blackbird” (The Beatles) e “Superstar” (Jesus Christ Superstar).

* Michael Johns
No começo eu não gostava dele. Achava que não tinha voz e que não conseguiria evoluir na competição. Mas me enganei e feio, pois este é outro que entrou no meu top 5. Com um estilo rock romântico, ele arrancou lágrimas dos fãs em diversas apresentações. Talvez a voz mais firme da season. Melhor apresentação: “Dream On” (Aerosmith).

O Sorriso de Mona Lisa

2009-01-27T16:10:00.003-02:00

Até hoje tendo entender por que a grande maioria dos cinéfilos detesta este filme. Assisti-o algumas vezes para ver se não era coisa de fã, uma vez que acho Julia Roberts uma ótima atriz. Acabou que, como eu esperava, a minha admiração pela fita não tem nada a ver com a presença desta atriz, mas sim por ter um enredo muito interessante e extremamente bem desenvolvido e pertinente. Falar sobre o ser feminino numa época onde mulheres, em alguns lugares do mundo, eram “fabricadas” pelas escolas para serem donas-de-casa exemplares é um fardo no mínimo difícil. Mas o diretor Mike Newell (do excelente Quatro Casamentos e Um Funeral e do horrível O Amor nos Tempos do Cólera) utiliza uma sensibilidade incomum e contorna alguns erros existentes no roteiro de Lawrence Konner e Mark Rosenthal, fazendo render um filme muito bonito. Aproveito a deixa do Denis (CINEMANÍACO) e vou divagar sobre este meu guilty-pleasure!

Aulas de etiqueta, postura, fala, artes e tudo o que faz parte do mundo de uma mulher perfeita são os programas de aprendizagem recorrentes no conceituado colégio Wellesley somente para moças. Cabe à idealista professora de Artes Katharine Watson (Julia Roberts) tentar mudar a visão de futuro destas garotas, dentre elas Betty Warren (Kirsten Dunst), Giselle Levy (Maggie Gyllenhaal), Joan Brandwyn (Julia Stiles) e Connie Baker (Ginnifer Goodwin). Entretanto quebrar paradigmas em Wellesley é uma missão um tanto quanto impossível, pois é rodeada por um corpo docente conservador, em sua maioria. A personagem que personifica a “mulher-robô fabricada” na escola é a professora Nancy Abbey (Marcia Gay Harden) a qual é uma deslumbrada e passa esse deslumbre quase que matrimonial para suas alunas. Com diálogos muito bem escritos e, por oras, impactantes, acredito que o filme se apresente como uma crítica ao machismo daquela época que, segundo algumas visões, perdura até hoje. Vale lembrar que acho o desfecho extremamente apropriado que, entrelinhas, mostra o trabalho de Katharine Watson quase que fracassado. Mesmo assim, admito que o roteiro contém erros irreparáveis.

O elenco mostra-se afiadíssimo e isso se estende até à Kirsten Dunst que, a meu ver, ainda é meio limitada. Maggie Gyllenhaal e Marcia Gay Harden se destacam perfeitamente como coadjuvantes e cada uma consegue caracterizar suas personagens de forma impecável. Julia Roberts é ótima no papel, mas nem de longe atinge sua excepcional atuação em Erin Brockovich – Uma Mulher de Talento (e, em verdade, até prefiro-a em Perto Demais). Adoro as composições doces de Rachel Portman (como em A Duquesa e Chocolate) e aqui minha admiração só aumentou: a trilha é linda. Anastas N. Michos é um fotógrafo não muito competente, mas aqui ele mostra um talento jamais visto em sua filmografia (que une filmes como Mulheres...O Sexo Forte e O Mundo de Andy) e o mesmo posso dizer de Patricia Woodbridge com sua magnífica direção de arte. Para desenhar e criar os belos figurinos precisou-se juntar três estilistas (Michael Dennison, Carmen Hawk e a fantástica Milla Jovovich) o que rendeu, como já dito, algo maravilhoso. Assim sendo, percebe-se minha admiração incorruptível pela técnica desta fita. E mesmo eu não dando muita ênfase ao roteiro, vejo alguns exageros em sua construção que, se não fossem contornados pelo diretor, fariam de O Sorriso de Mona Lisa um filme péssimo.

Nota: 8,0

Mona Lisa Smile; EUA, 2003; DRAMA/ROMANCE; de Mike Newell; Com: Julia Roberts, Maggie Gyllenhaal, Marcia Gay Harden, Ginnifer Goodwin, Kirsten Dunst, Topher Grace, Donna Mitchell.

Vencedores SAG Awards 2009 (e um desabafo!)

2009-01-26T12:27:00.009-02:00

Minha alegria é imensa! Aos gritos recebi a notícia, da boca de Ralph Fiennes, que Meryl Streep foi a vencedora do Screen Actors Guild Awards 2009, na categoria Melhor Atriz (por Dúvida). Surpresa, ela nos presenteia com um discurso sensacional que incluiu a frase "well, I didn’t even buy a dress!", já que estava com um conjunto preto (chique, mas não era um vestido).

Na categoria de Melhor Ator, Sean Penn foi o vencedor pelo seu papel no filme Milk - A Voz da Igualdade. Desta forma, fica claro que o Oscar ficará ou nas suas mãos ou ainda nas mãos de Mickey Rourke (O Lutador).

O Joker de Heath Ledger continua papando todos os prêmios possíveis e chega ao Oscar como franco favorito. Num discurso simples e emocionante, Gary Oldman recebe a estatueta por Ledger. Kate Winslet também garantiu seu prêmio, mesmo que coadjuvante, pelo filme O Leitor. Estranho, já que sua personagem é estritamente principal nesta fita. De qualquer forma, ela estava belíssima num vestido azul e suas palavras foram, como sempre, perfeitas.

Agora vamos ao desabafo. Quem Quer Ser Um Milionário? é um ótimo filme, eu acho tudo muito bem feitinho na fita, a direção de Boyle é excelente e, sim, se ele vencer o Oscar eu não ficarei triste. Mas vencer o SAG de Melhor Elenco é demais e, pra mim, uma viagem de ácido que chega a ser ridícula. É o cúmulo da incoerência: como pode um filme que tem seus quatro atores indicados (Dúvida) perder para outro que tem apenas um (e este um nem sei o que fazia indicado)?! Fiquei bastante irritado, pois confundiram a categoria Melhor Elenco com Melhor Filme. Clique aqui para ver a lista completa de vencedores.

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Resumo da Semana e Apostas SAG 2009

2009-01-25T12:20:00.009-02:00

♠ Filmes Assistidos

> Nosferatu (Alemanha, 1922 - de F.W. Murnau) - 9,0
> Surpresas do Amor (EUA, 2008 - de Seth Gordon) - 6,5
> Muito Gelo e Dois Dedos D'Água (Brasil, 2006 - de Daniel Filho) - 7,5
> Contaminação (EUA, 2004 - de Damon O'Steen) - 3,5
> Os Garotos da Minha Vida (EUA, 2001 - de Penny Marshall) ** - 8,0
> O Reino (EUA, 2007 - de Peter Berg) - 8,5
> Imitação da Vida (EUA, 1959 - de Douglas Sirk) - 8,0
> Austrália (EUA, 2008 - de Baz Luhrmann) - 7,0

** Filmes revistos

• Filme da Semana: Nosferatu (Alemanha, 1922 - de F.W. Murnau) - 9,0

Sinopse: Hutter, agente imobiliário, viaja até os Montes Cárpatos para vender um castelo no Mar Báltico cujo proprietário é o excêntrico conde Graf Orlock, que na verdade é um milenar vampiro que, buscando poder, se muda para Bremen, Alemanha, espalhando o terror na região.

• Pior Filme da Semana: Contaminação (EUA, 2004 - de Damon O'Steen) - 3,5
Sinopse: Após saírem de um equipamento de ressonância magnética, pacientes apresentam surtos neurológicos até chegarem à morte. Depois de perder a filha, um homem decide desvendar o que há por trás da máquina e sua funcionamento.

• Atuação Feminina da Semana: Drew Barrymore como Beverly D'Onofrio (Os Garotos da Minha Vida)

• Atuação Masculina da Semana: Max Schreck como Conde Orlok / Nosferatu (Nosferatu)

• O Que Não Saiu da Minha Cabeça Esta Semana: a canção "By the Boab Tree", de Angela Little, original para o filme Austrália.

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Apostas SAG Awards 2009

Outstanding Performance by a Male Actor in a Leading Role
- Front-runner: Sean Penn, Milk - A Voz da Igualdade
- Runner-up: Mickey Rourke, O Lutador

Outstanding Performance by a Female Actor in a Leading Role
- Front-runner: Meryl Streep, Dúvida
- Runner-up: Kate Winslet, Foi Apenas Um Sonho

Outstanding Performance by a Male Actor in a Supporting Role
- Front-runner: Heath Ledger, Batman - O Cavaleiro das Trevas
- Runner-up: Philip Seymour Hoffman, Dúvida

Outstanding Performance by a Female Actor in a Supporting Role
- Front-runner: Kate Winslet, O Leitor
- Runner-up: Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona

Outstanding Performance by the Cast of a Motion Picture
- Front-runner: Dúvida
- Runner-up: O Curioso Caso de Benjamin Button

Austrália

2009-01-23T19:58:00.002-02:00

Lá em 1992, o diretor australiano Baz Luhrmann inicia sua saga no cinema com o filme Vem Dançar Comigo: tecnicamente lindo, mas em termos de texto, regular. Veio, então, o seu mais ousado trabalho Romeu + Julieta, pois ele nos apresenta, de forma contemporânea, uma das mais belas histórias de amor que existe. O filme? Tecnicamente lindo, mas em termos de texto, regular – mesmo Baz recebendo o adjetivo visionário após filmar o longa. Foi em 2001 que Luhrmann mostra à que veio e presenteia o espectador com um dos mais fantásticos musicais do nosso tempo, Moulin Rouge! – Amor em Vermelho. Além de tecnicamente lindo, o filme é um trunfo em termos de roteiro, elenco e direção. Após ver o trailer do seu novo trabalho, Austrália, realmente achei que viria algo do calibre do musical, mas me desapontei (e olha que o filme não é ruim).

Quatro roteiristas de peso (Stuart Beattie, Baz Luhrmann, Ronald Harwood e Richard Flanagan) se unem para levar às telas uma história que mistura misticismo, amor, guerra, racismo e poder, onde clichês não faltarão. Um pouco antes de a Segunda Grande Guerra mostrar suas primeiras faíscas, uma aristocrata inglesa chamada Sarah Ashley (Nicole Kidman, belíssima) é obrigada a ir à sua fazendo de gado no interior da Austrália para reencontrar o marido, mas ao chegar lá se depara com ele assassinado. Desnorteada, ela deve contar com a ajuda do brutamonte Drover (Hugh Jackman) - algo como um Capataz - que a guiará na luta contra poderosos locais. Conhece também o garotinho aborígene Nullah (Brandon Walters excepcional) o qual foge constantemente do vilão da história Neil Fletcher (o irmão de Boromir, Faramir... quer dizer, David Wenham) que quer aprisionar o menino por um motivo no mínimo interessante e triste. Se eu for me alongar contando tudo o que acontece nas quase três horas de filme, fico o dia todo aqui. Então, digo que o filme gira em torno do auto-descobrimento de Sarah, das lendas incríveis acerca do povo aborígene e coisas do tipo. O roteiro, não vou mentir, é bem previsível, piegas e termina com uma cena muito tocante (sim, eu chorei), mas que no fundo o espectador já espera. O elenco está muito a vontade, principalmente a minha querida Nicole Kidman (quase sem resquícios de botox) que volta às origens, mas não tem o seu melhor trabalho. Hugh Jackman é ótimo como capataz homenzarrão e David Wenham se mostra um “bom maldoso”. Mas quem rouba a cena é o garotinho Brandon Walters e vale lembrar que somos levados o tempo todo pela sua narração.

Apesar de pecar, o texto tem algumas sacadas interessantes – quando na dose certa - que se unem a uma boa direção de Baz. Por várias vezes ele opta por homenagear (ou copiar?) filmes que, por algum motivo, se mostram parecidos com Austrália. Vemos muito de Entre Dois Amores, Cold Mountain, ...E o Vento Levou e, principalmente, O Mágico de Oz. Inclusive, menções a este são quase que constantes e achei isso uma graça! Uma cena, em especial, é embalada por Nicole Kidman entoando um pedacinho de “Over the Rainbow” e outra nos mostra uma cena do filme sendo reproduzida no cinema. Homenagear um filme é legal. Achei um doce mencionarem tanto O Mágico de Oz? Sim, mas tudo tem um limite. Baz me deixou irritado num dado momento quando até a maravilhosa frase “there’s no place like home” é utilizada. A composição musical de David Hirschfelder utiliza um ou dois movimentos inspirados em “Over the Rainbow” e, no geral, a trilha é um estrondo de boa. Em quesitos sonoros, na verdade, a fita é excepcional, principalmente sua mixagem de som. O que mais tem de bom na película do australiano? Visualmente – como já esperamos de Luhrmann – o filme é impressionante. Uma poesia constante para os olhos de meros mortais como nós, já que a fotografia prima pelas espetaculares paisagens da Oceania e a cenografia é, talvez, a melhor coisa do filme. Chegam a ser inaceitáveis as exclusões de Mandy Walker na categoria de Melhor Fotografia e da dupla Ian Grace e Karen Murphy em Melhor Direção de Arte (no Oscar). Uma pessoa aqui e outra acolá, reclamam da também esnobada recebida pelos efeitos visuais da fita, mas eu não a indicaria. São belos efeitos, mas exageradíssimos em vários momentos. Também me sinto na obrigação de mencionar a lindíssima canção “By the Boab Tree” que toca nos créditos (clique aqui para ouvi-la). No fim das contas, o visionário australiano dirige algo sobre a sua terra e faz isso com uma paixão evidente. Mas não precisava criar um filme tão comercial, clichê e piegas. Mesmo assim, digo que assistir Austrália é uma delícia; o típico “épico” que, provavelmente mesmo cheio de problemas estruturais, agradará a muita gente.

Nota: 7,0 (aproveito para informar que modifiquei meu modo de atribuir notas aos filmes. De agora em diante, não daria mais notas tão quebradas; o mais “decimal” que acorrerá é um 0,5).

Australia; EUA, 2008; DRAMA/ROMANCE/AVENTURA; de Baz Luhrmann; Com: Nicole Kidman, Hugh Jackman, Ray Barrett, Bryan Brown, Tony Barry, David Gulpilil, Jacek Koman, David Ngoombujarra, David Wenham, Brandon Walters.

Considerações Sobre os Indicados ao Oscar 2009

2009-01-22T13:01:00.007-02:00

Bittersweet! Ao mesmo tempo que fiquei feliz, fiquei horrorizado. No geral, fiquei mais intrigado com as indicações técnicas uma vez que nada de tão impressionante aconteceu nas principais. A não ser uma certa indicada que anda dando o que falar desde sua dupla vitória no Globo de Ouro: Kate Winslet. Desde o começo, quando soube da adaptação de The Reader, disse que Kate iria vencer o Oscar de Melhor Atriz pelo papel pois, obviamente, sua personagem é pricipal. No entanto, alguns prêmios (a maioria) a classificaram como coadjuvante. A Academia, indo contra a corrente, age de forma corretíssima e a indica na categoria de atriz principal e, desta forma, ela tem uma mão na estatueta. Eis, abaixo, meus comentários de forma bem descontraída:

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- Fiquei bem surpreso com as indicações de O Leitor em Filme e Direção, já que, no meu pensamento, Batman - O Cavaleiro das Trevas (que aliás, foi esnobado como eu esperava) e Dúvida ainda estavam na frente. No restande destas categorias, nenhuma surpresa;
- Atriz! Bom, como disse acima, Winslet tem sua mão na estaueta. Fiquei um pouco chocado com a exclusão de Sally, já que ganhou diversos prêmios importantes de sindicatos e prova que ganhar prêmios importantes não é mais sinônimo de indicação ao Oscar. Angelina, prefiro não comentar (adoro);

- Ator... nada a declarar. A não ser que, pensando muito bem, eu preferia ver Colin Farrell à Brad Pitt indicado;
- Shannon desbancou Dev Patel que, convenhamos, jamais merecia vaga na categoria coadjuvante, já que é estritamente principal;
- Sabe, acho Taraji P. Henson uma fofa em O Curioso Caso de Benjamin Button e, de fato, ela faz um bom trabalho. Mas não sei se não temos coadjuvantes melhores na temporada (a própria Evan Rachel Wood em O Lutador);
- Valsa com Bashir de fora em Animação? Portas abertas para ele vencer Filme Estrangeiro ainda mais com Everlasting Moments (Suécia) esnobado (aliás, olhem lá Departures indicado!!!). Me irrita a exclusão do que era, pra mim, a melhor animação: Horton e o Mundo dos Quem!;
- Minha surpresa começa nos roteiros, principalmente original. ADORO DEMAIS ver Na Mira do Chefe nesta categoria e, pra falar a verdade, acho que o indicaria em mais umas 3 (ator, trilha sonora e fotografia). Rio Congelado é o independente queridinho e também é destaque como surpresa;
- Meu terror maior está nas categorias técnicas. Não vejo NADA na direção de arte de Batman - O Cavaleiro das Trevas. Acho que amanhã minha raiva aumentará quando conferir Austrália e ver uma grande direção de arte esnobada;
- Gosto da indicação à belíssima fotografia de A Troca, mas acho que Austrália também merecia estar aqui. Inevitavelmente Quem Quer Ser Um Milionário? vai vencer;
- Patricia Fiel de fora em Figurinos?? Pra mim, Sex and the City - O Filme tem um dos figurinos mais magníficos do ano;
- O que me deixa bastante feliz é a inclusão de Hellboy II - O Exército Dourado na categoria de Melhor Maquiagem. O filme merece e, na verdade, considero-o mais competente que Batman - O Cavaleiro das Trevas aqui;
- Um certo exagero se instalou nas duas categorias de som. Quem Quer Ser Um Milionário? não merecia estar na categoria de edição sonora. Tem lá sua ótima mixagem, mas para que tanto? Interessante é ver O Procurado em ambas, isso sim;
- Canção Original sem The Wrestler? Prefiro não comentar. Odiei demais terem colocado apenas três e, mais uma vez de forma exagerada, duas do filme de Danny Boyle! Minha torcida vai para Jai Ho, de qualquer forma;
- Trilha sonora... como eu disse acho a composição de Desplat bem melhor que a de A.R Rahman. Acho até que outros nomes poderiam ocupar o seu lugar como Hans Zimmer e Howard Shore.

Enfim, agora é esperar os vencedores que talvez não sejam tão absurdos. O Curioso Caso de Benjamin Button é o mais indicado (13, ao todo), seguido do queridinho Quem Quer Ser Um Milionário? (com 10). A sorte está lançada! Dia 22/02 (pleno Domingo de Carnaval), saberemos quem será o grande nome de 2009! Clique aqui para ver a lista completa.

Apostas Finais - Oscar 2009

2009-01-21T12:59:00.005-02:00

Amanhã serão anunciados os indicados à maior festa anual do Cinema. Muitas vezes xingamos a Academia e classificamos certas decisões como injustas. Eu próprio vivo enchendo-a de críticas, mas quer saber?! Eu espero o ano todo por esta festa e, como muitos daqui sabem, eu adoro fazer listinhas. Não sei bem o horário em que o anúncio acontecerá (acredito que por volta das 11h, hora de Brasília) e é provável que os canais E! Entertainment, Globo News, CNN e BBC acompanhem, ao vivo, o anúncio dos indicados. Deixo vocês com a minha última lista de apostas, a qual foi modificada depois de pensar muito em algumas questões (a maior supresa deve ser a aparição de Dúvida na categoria principal).

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Melhor Filme
*O Curioso Caso de Benjamin Button
*Dúvida
*Milk – A Voz da Igualdade
*Frost/Nixon
*Quem Quer Ser Um Milionário?
Alt.: Batman – O Cavaleiro das Trevas

Melhor Direção
*David Fincher, O Curioso Caso de Benjamin Button
*Darren Aronofsky, O Lutador
*Danny Boyle, Quem Quer Ser Um Milionário?
*Ron Howard, Frost/Nixon
*Gus Van Sant, Milk – A Voz da Igualdade
Alt.: Christopher Nolan, Batman – O Cavaleiro das Trevas

Melhor Atriz
*Meryl Streep, Dúvida
*Anne Hathaway, O Casamento de Rachel
*Angelina Jolie, A Troca
*Sally Hawkins, Simplesmente Feliz
*Kate Winslet, Foi Apenas um Sonho
Alt.: Melissa Leo, Rio Congelado

Melhor Ator
*Mickey Rourke, O Lutador
*Brad Pitt, O Curioso Caso de Benjamin Button
*Frank Langella, Frost/Nixon
*Sean Penn, Milk – A Voz da Igualdade
*Richard Jenkins, O Visitante
Alt.: Leonardo DiCaprio, Foi Apenas um Sonho

Melhor Atriz Coadjuvante
*Viola Davis, Dúvida
*Amy Adams, Dúvida
*Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
*Kate Winslet, O Leitor
*Marisa Tomei, O Lutador
Alt.: Taraji P. Henson, O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Ator Coadjuvante
*Heath Ledger, Batman – O Cavaleiro das Trevas
*Dev Patel, Quem Quer Ser Um Milionário?
*Robert Downey Jr., Trovão Tropical
*Philip Seymour Hoffman, Dúvida
*Josh Brolin, Milk – A Voz da Igualdade
Alt.: Michael Shannon, Foi Apenas Um Sonho

Melhor Roteiro Original
*Mike Leigh, Simplesmente Feliz
*Andrew Stanton, Wall-e
*Woody Allen, Vicky Cristina Barcelona
*Dustin Lance Black, Milk – A Voz da Igualdade

*Robert Siegel, O Lutador
Alt.: Jenny Lumet, O Casamento de Rachel

Melhor Roteiro Adaptado
*Eric Roth, O Curioso Caso de Benjamin Button
*Peter Morgan, Frost/Nixon

*Christopher Nolan e Jonathan Nolan, Batman – O Cavaleiro das Trevas
*John Patrick Shanley, Dúvida
*Simon Beaufoy, Quem Quer Ser Um Milionário?
Alt.: David Hare, O Leitor

Melhor Montagem
*Batman – O Cavaleiro das Trevas
*Quem Quer Ser Um Milionário?
*O Curioso Caso de Benjamin Button
*O Lutador
*Frost/Nixon
Alt.: Milk – A Voz da Igualdade

Melhor Trilha Sonora
*Danny Elfman, Milk – A Voz da Igualadde
*Alexandre Desplat, O Curioso Caso de Benjamin Button
*Thomas Newman, Wall-e
*Hans Zimmer, Frost/Nixon
*Howard Shore, Dúvida
Alt.: A.R. Rahman, Quem Quer Ser Um Milionário?

Melhor Fotografia
*O Leitor
*O Curioso Caso de Benjamin Button
*Foi Apenas um Sonho
*Quem Quer Ser Um Milionário?
*Batman – O Cavaleiro das Trevas
Alt.: Austrália

Melhor Direção de Arte
*O Curioso Caso de Benjamin Button
*Austrália
*Batman – O Cavaleiro das Trevas
*O Leitor
*A Troca
Alt.: Dúvida

Melhores Figurinos
*O Curioso Caso de Benjamin Button
*Austrália
*Sex and the City – O Filme
*A Duquesa
*A Troca
Alt.: The Fall – A Queda

Melhor Maquiagem
*O Curioso Caso de Benjamin Button
*Batman – O Cavaleiro das Trevas
*O Leitor
Alt.: Trovão Tropical

Melhor Animação
*Wall-e
*Valsa com Bashir
*Bolt - Supercão
Alt.: Kung Fu Panda

Melhores Efeitos Visuais
*O Curioso Caso de Benjamin Button
*Homem de Ferro
*Batman – O Cavaleiro das Trevas
Alt.: Hellboy II – O Exército Dourado

Melhor Edição de Som
*Batman – O Cavaleiro das Trevas
*O Curioso Caso de Benjamin Button
*Wall-e
*Defiance
*Homem de Ferro
Alt.: Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal

Melhor Mixagem de Som
*Batman – O Cavaleiro das Trevas
*Wall-e
*Homem de Ferro
*Quem Quer Ser Um Milionário?
*Defiance
Alt.: Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal

Melhor Canção
*“The Wrestler”, The Wrestler
*“Down to Earth”, Wall-e
*“Jai Ho”, Quem Quer Ser Um Milionário?
*“Once in a Lifetime”, Cadillac Records
*“I Thought I Lost You”, Bolt - Supercão
Alt.: “Right to Dream”, Tennessee

Melhor Filme Estrangeiro
*Everlasting Moments (Suécia)
*Departures (Japão)
*Valsa com Bashir (Israel)
*The Baader Meinhof Complex (Alemanha)
*Entre Paredes (França)
Alt.: The Necessities of Life (Canadá)

Melhor Documentário
*I.O.U.S.A.
*They Killed Sister Dorothy
*Man on Wire
*In a Dream
*Pray the Devil Back to Hell
Alt.: Made in America

Enfim, Juntos

2009-01-20T21:21:00.005-02:00

Virou moda criar e adaptar histórias em que a intersecção de personagens ocorre. Vimos este molde dar certo em Magnólia, mas também vimos dar errado em Babel. Geralmente o que desencadeia o erro é o excesso de pretensão inserido no roteiro. Construir eventos ou fatos mirabolantes e/ou utópicos também é normal em fitas deste tipo. Pois saibam que Enfim, Juntos quebra todos os paradigmas e utiliza a união de personagens de forma simples e belíssima.

O filme foi adaptado do livro homônimo de Anna Gavalda pelo roteirista Claude Berri (infelizmente falecido neste mês), que também o dirige. Começamos com uma apresentação dos quatro personagens principais que aparentemente não têm nada em comum - fora o fato de todos eles serem completamente sozinhos e incapazes de viver integrados na sociedade. Se formos pensar bem, o normal é que eles não se conheçam para dar mais fôlego ao roteiro, correto? É, mas vejamos: Camille (Audrey Tautou) é faxineira, tem um relacionamento conturbado com a mãe e mora no mesmo prédio que Philibert (Laurent Stocker) o qual vende postais num Museu. Junto com Philibert mora Franck (Guillaume Canet), um cozinheiro tão solitário quanto sua avó Paulette (Françoise Bertin) que após quebrar o fêmur passa a viver numa “casa de reabilitação” (vulgo asilo) que odeia. Este é o “quarteto fantástico” e percebam que eles são conhecidos um dos outros e, mesmo assim, suas histórias irão se cruzar. A maneira segundo a qual isto ocorre é levada de forma tão natural pelo diretor que, por oras, achei estar realmente vivendo e interagindo com cada um deles. Numa vontade desesperada de apresentar algo interessante, mais uma vez Berri não acolhe clichês em sua fita e cria situações que vão desde as mais hilárias até as mais expressivamente iluminadas pela emoção.

A cena mais bela e, consequentemente o ápice do filme, é ministrada por uma fotografia espetacular em tons claros e brilhantes, embalada pela deliciosa canção “La Bicyclette” e levada por um elenco totalmente à vontade e mais talentoso do que nunca. Audrey Tautou está incrível, assim como Guillaume Canet; mas quem rouba a cena de forma sensacional são Laurent Stocker (interpretando um ator gago!) e Françoise Bertin (a senil fofíssima). Uma boa parte das filmagens é feita dentro do apartamento dos meninos e ,aqui, a direção de arte também reina suprema: móveis clássicos bem no estilo francês, paredes em tons de dourado e um clima artístico muito interessante. A película, enfim, é uma celebração à vida, ao amor, à amizade. Uma grande pena que um excelente diretor e roteirista como Claude Berri tenha nos deixado. Fica aí, a minha homenagem...

Nota: 9,5

Ensemble, C'est Tout; França, 2007; DRAMA/ROMANCE; de Claude Berri; Com: Audrey Tautou, Guillaume Canet, Françoise Bertin, Laurent Stocker, Alain Sachs, Firmine Richard.

Adaptações - Parte III

2009-01-19T21:00:00.004-02:00

3. Golpe de Misericórdia, de Marguerite Yourcenar (Ano: 1938/1939)

Como prometi, volto a falar dos três últimos livros que gostaria de ver em formato cinematográfico. Acredito que este e o próximo sobre os quais falarei, serão os mais desconhecidos por vocês. Mas, por um lado, isso é bom, pois posso despertar o desejo de uma futura leitura satisfatória. Golpe de Misericórdia foi escrito em 1938 e lançado em 1939, três meses antes da eclosão da Segunda Grande Guerra. Sua autora é a belga Marguerite Yourcenar, a qual é infelizmente desconhecida pela maioria. Esta não é sua obra-prima (quem leva este título é o ousado As Memórias de Adriano), mas ainda assim é o livro que mais admiro desta escritora. É um romance curto, denso e que pende para a tragédia. Apelando, como sempre, para dramas históricos, Marguerite nos apresenta uma história que se desenrola entre a Primeira Grande Guerra e a Revolução Russa, a qual narra a vida de três personagens – dois homens e uma mulher fantástica – numa região obscura dos Países Bálticos, isolada pela revolução e pela guerra. O livro escracha uma relação muito original de ódio e amor entre estes três personagens e, utilizando como pano de fundo as transformações do pós-guerra, esmiúça de forma magistral a vida de cada um deles. A obra se aproxima muito de nós, já que a desordem moral que ela descreve permanece a mesma em que fomos e estamos cada vez mais mergulhados. Não diria que é uma história de amor, mas sim um quase puro conflito de paixões e vontades entre três seres submetidos às mesmas privações e aos mesmos perigos. O romance foi acusado por ter exaltado e desacreditado em algumas classes, países e partidos; mas ele não tem este objetivo, absolutamente. Como falei, ele possui fortes inclinações para a tragédia e a parte final, bruta e fria, prova isso. Fica claro, então, que a cena que deveria ficar perfeita, seria o desfecho do possível longa.

Em termos de escalação, não serei tão ousado. Gostaria de ver algo clássico, ou seja, locações dramáticas que contribuiriam com uma bela fotografia, uma trilha intensa (provavelmente Ennio Morricone) e figurinos simples, mas audaciosos. Acredito que é o tipo de filme que precise ser roteirizado e dirigido pela mesma pessoa e quem vem a minha cabeça é Stephen Daldry. O livro possui uma trio, como já mencionei, mas também existem alguns outros personagens. Vou me ater aos três, somente: Eric (James McAvoy – mesmo achando-o um ator fraco, ele tem um estilo clássico que daria certo), Sofia (Keira Knightley, já que o papel parece ser feito para ela) e Conrad (Jude Law). Acredito piamente que desembocaria numa bela fita, onde amor será confundido com ódio, e final feliz com tragédia.

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Aproveito para dizer que terminei de ler Onde os Velhos Não Têm Vez e digo que este foi adaptado de forma impressionante e perfeita. Ainda preparo um texto sobre o livro e o filme, aguardem!

Resumo da Semana

2009-01-18T17:54:00.004-02:00

♠ Filmes Assistidos

> Garçonete (EUA, 2007 – de Adrienne Shelly) ** – 7,5
> Chega de Saudade (Brasil, 2008 – de Laís Bodanzky) – 7,0
> Na Mira do Chefe (Inglaterra, 2008 – de Martin McDonagh) – 8,5
> Vestida Para Casar (EUA, 2008 – de Anne Fletcher) ** – 6,8
> Alô, Dolly! (EUA, 1969 – de Gene Kelly) – 8,5
> Slumdog Millionaire (Inglaterra, 2008 – de Danny Boyle) – 9,0
> Contatos Imediatos do Terceiro Grau (EUA, 1977 – de Steven Spielberg) ** – 8,7
> O Império dos Sentidos (Japão, 1976 – de Nagisa Oshima) – 5,0
> Em Paris (França, 2006 – de Christophe Honoré) – 8,0
> O Curioso Caso de Benjamin Button (EUA, 2008 – de David Fincher) – 9,8
> Rede de Mentiras (EUA, 2008 – de Ridley Scott) – 6,5

** Filmes revistos

• Filme da Semana: O Curioso Caso de Benjamin Button (EUA, 2008 – de David Fincher) – 9,8
Sinopse: Drama baseado no clássico romance homônimo escrito por F. Scott Fitzgerald nos anos de 1920, que conta a história de Benjamin Button, um homem que misteriosamente começa a rejuvenescer e passa a sofrer as bizarras consequências do fenômeno.

• Pior Filme da Semana: O Império dos Sentidos (Japão, 1976 – de Nagisa Oshima) – 5,0
Sinopse: Império dos Sentidos é a história de uma ex-prostituta que se envolve em um caso de amor obsessivo com o senhorio de uma propriedade onde ela é contratada como criada. O que começa como uma diversão inconsequente transforma-se um uma paixão que ultrapassa quaisquer limites.

• Atuação Feminina da Semana: Cate Blanchett como Daisy (O Curioso Caso de Benjamin Button).

• Atuação Masculina da Semana: Colin Farrell como Ray (Na Mira do Chefe).

• O Que Não Saiu da Minha Cabeça esta Semana: uma das cenas do filme Em Paris, onde dois dos personagens centrais fazem um belíssimo dueto pelo telefone (não há spoiler tão evidente, mas quem não se sentir a vontade por não ter visto o filme, tudo bem).

Filho de Peixe, Peixinho é?!

2009-01-17T14:36:00.005-02:00

Meu pai trabalha com organização de formaturas e minha mãe é gerente de vendas numa empresa de perfumaria. Eu faço faculdade de Farmácia e quero trabalhar em hospital; já meu irmão provavelmente entrará no mundo dos jogadores de futebol. Bom, no caso da minha família, a resposta para a frase-título do meu texto é não, pelo menos no que diz respeito à vocação. Hoje estava pensando se, no ramo cinematográfico, essa frase já se aplicou alguma vez e, de pronto, pensei na dupla Francis Ford Coppola e Sofia Coppola. Ele é diretor, ela é diretora. Mas será que, em termos de talento ela puxou ao pai?

Acredito ser muito cedo para responder tal pergunta, pois ela tem apenas três filmes dirigidos (quatro, se levarmos em consideração o seu ótimo curta Lick the Star), enquanto que o pai tem uma filmografia enorme (e invejável). Mas, eu sou um pouco ousado e consigo afirmar que ela está trilhando um caminho maravilhoso e, sim, herdou o talento de seu pai Francis. O que acho mais interessante ao comparar esta dupla é o seguinte: ambos são talentosos e, assim, ela é parecida com o pai. Por outro lado, o cinema de Sofia é absolutamente diferente do cinema de Francis. Ele sempre prima por atmosferas fortes, diretas, ousadas e, me permitam usar essa palavra, frias. Ela sempre salpica seus filmes com um pouco de ousadia e complexidade, com o intuito de hipnotizar o espectador. Ops! Um adjetivo se repete ao falar dos seus modos de filmar: ousadia. Sim, acho que é exatamente isto que aproxima pai e filha com filmografias tão diferentes. O Poderoso Chefão chegou, ousado, para mostrar máfia de forma direta e brutal e Coppola não economizou violência. As Virgens Suicidas, fixado na ousadia, apresenta a história da família normal que tem seu ritmo mudado com o suicídio da filha e, utilizando cenas complexas, Sofia hipnotiza quem o assiste.

Não sei ao certo por que escrevi este texto. Estava aqui, sem muito o que fazer, e comecei a pensar em pais e filhos que têm algo em comum na vida profissional. Muitos devem discordar e, inclusive, achar uma heresia quando eu quase que equiparo a filmografia de Francis e Sofia. Mas calma, pessoal. Eu realmente acho que o caminho dela está marcado e iluminado pela audácia e talento do pai. Com a bênção de um Francis Ford Coppola, até Jason Friedberg e Aaron Seltzer (diretores do sofrível Deu a Louca em Hollywood) tomariam jeito e achariam um lugar ao sol no ramo cinematográfico.

O Curioso Caso de Benjamin Button

2009-01-16T18:45:00.003-02:00

Como você se sentiria se pudesse nascer velho e, com o passar do tempo, ir tornado-se mais jovem? Nossa existência, na verdade, nos impossibilita de passarmos por esta experiência, mas quer conhecer alguém que passou por ela? Simples: assista ao mais novo trabalho do fenomenal diretor David Fincher e conheça Benjamin Button e sua peculiar vida. O personagem ganha vida pelas mãos de Brad Pitt e, como já disse, nasce com todos os problemas a que pessoas idosas estão submetidas e, de forma curiosa, vai aprendendo a viver à medida que vai ficando mais jovem.

O roteirista Eric Roth foi quem adaptou o belíssimo conto de F.Scott Fitzgerald – o qual sofreu algumas modificações – e presenteou David Fincher com um roteiro digno de ser adjetivado como fenomenal. Somos guiados desde o começo pela narração de Benjamin (a partir de um diário) e já de pronto sabemos que ele foi abandonado pelo verdadeiro pai e acolhido por Queenie (Taraji P. Henson) e seu marido, que o tratam, de agora em diante, como filho. A “criança-senil” deve aprender tudo, mesmo sua aparência denotando que já é muito experiente. Quando tem aproximadamente 7 anos de idade, conhece Daisy (que, quando adulta, é vivida por Cate Blanchett) e logo apaixona-se pela menina, mas sabe que é um amor, por enquanto, proibido. A história vai se desenrolando de forma espetacular e a cada plano e cena, Fincher prova ser um dos grandes diretores em atividade. Não vou ficar contando o filme, até por que posso ir além e dizer que em cada personagem há a personificação da poesia, o que torna minhas palavras quase que inexistentes para expressar o que é O Curioso Caso de Benjamin Button.

Seguindo o seu próprio curso de vida, o que para nós é quase que incompreendido, Button procura aprender com cada pessoa que conhece. Vai da guerra à Paris, passando por Nova York e em cada um desses lugares pessoas especiais cruzam seu caminho. Com a ajuda de efeitos visuais sublimes, a fita se apresenta como sendo uma obra-prima para os olhos. Claudio Miranda entrega um trabalho fotográfico magistral e, é claro, o trio que dirigiu a cenografia (entre eles, Randy Moore) se empenha para retratar o mundo entre guerras, ora sofisticado, ora singelo. Como já mencionei, em outro texto, Alexandre Desplat compõe sua obra-prima. Cada uma das faixas de sua trilha é mais que adequada ao momento e especialmente “A New Life” e “Daisy’s Ballet Career” merecem menção por serem irretocáveis. A maior necessidade era de uma maquiagem competente, o que temos. Uma grande equipe faz um trabalho impressionante com a maquiagem e, o tempo todo, procurei defeitos, mas não encontrei. Brad Pitt está muito bem, mas logo alerto que não é o trabalho de sua vida (ainda fico com sua atuação em Clube da Luta), até por que uma certa atriz australiana rouba a cena: Cate Blanchett não está menos que brilhante. Linda e talentosa como nunca, até com pesada maquiagem atua maravilhosamente e, pra mim, é provável que esteja entre as melhores atuações femininas da temporada. Ouso dizer que, se ela não tivesse uma Rainha Elizabeth no currículo, Daisy seria o papel de sua vida. A secundária Taraji P. Henson também não faz feio e interpreta e já conhecida mãe zelosa que, em qualquer circunstância, preteje e ampara o filho. Encerro dizendo que esta quase que obra-prima de Fincher, retrata o amadurecimento de pessoas, a colisão entre seres desconhecidos e, acima de tudo, fala de vários tipos de amor que, mesmo em cursos e tempos de vida diferentes, jamais morrem.

Nota: 9,5

The Curious Caso of Benjamin Button; EUA, 2008; DRAMA/ROMANCE; de David Fincher; Com:Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Julia Ormond.

Quem Quer Ser Um Milionário?

2009-01-15T12:44:00.002-02:00

Danny Boyle é o tipo de diretor que já se aventurou em diversos gêneros e preferi conferir toda a sua filmografia antes de ver o seu novo trabalho. Infelizmente faltou um único filme (Cova Rasa), mas os demais eu pude conferir e, até o momento, achei que nada pudesse bater o excelente Extermínio. Sendo direto, digo que Slumdog Millionaire não o superou, mas sim se igualou a ele em termos de nota e genialidade. Posso, inclusive, dizer que podemos observar várias semelhanças entre as filmagens de Slumdog Millionaire, Extermínio e Trainspotting – Sem Limites: Boyle já tem sua marca registrada que é uma certa estilização visual, o que deixa o ritmo de seus filmes bem frenético.

Este novo trabalho do diretor inglês tem vencido vários prêmios importantes nesta temporada 2009 e a sua última consagração ocorreu no Globo de Ouro. A fita nos apresenta Jamal (Dev Patel) e seu irmão Salim (Madhur Mittal), os quais são moradores de uma favela indiana e, certo dia, assistem de camarote à morte de sua mãe por bandidos locais. Conhecem, então, Latika (Freida Pinto) que também ficou sozinha depois do ataque criminoso e, desta forma, os três tentarão sobreviver numa Índia em extrema expansão populacional, numa época onde a pobreza reinava. Depois de serem explorados por Maman (Ankur Vikal) – que teria prometido ajuda a eles, ainda crianças – eles fogem, mas Latika não consegue fazer o mesmo. Vale lembrar que o período em que eles ficam “prisioneiros” deste bandido, é extremamente brutal e triste. Os dois irmãos, agora, vivem enganando turistas o que os leva a pequenos furtos e, trocando em miúdos, encontram novamente Latika e é neste momento que Salim vira, de fato, um bandido. Durante praticamente toda a infância dos garotos, fica claro que Jamal é apaixonado por Latika, mas por ironia do destino, ele é separado dela pelo próprio irmão. O filme começa com o protagonista num programa de perguntas e respostas que pode render um prêmio de vinte milhões de rúpias. Sabemos, também, que Jamal venceu o programa e que as respostas para as perguntas estão guardadas na memória do garoto, incrustadas em alguma lembrança (esta idéia é genial). Mas como e, mais importante, por que um garoto quase sem instrução intelectual foi se aventurar num programa como esses? Saberemos quase no final e é realmente muito interessante. Ok, podem dizer... é um roteiro clichê e piegas, concordo.

Aqui, entra a minha pergunta-chave: como pode, então, um filme neste formato estar abocanhando todos os prêmios e conquistando os mais chatos críticos? A resposta é Danny Boyle. O diretor esbanja talento, contorna todas as cenas clichês e constrói uma das direções mais notáveis que vi em anos. Modela o roteiro, de modo que as cenas óbvias e até bobinhas fiquem fantásticas e, assim, monta um belíssimo filme. Este é o trunfo absoluto desta película extremamente competente no que propõe. Alguns compararam a direção de Boyle com a de Meirelles em Cidade de Deus; mas espera um pouco... baseado em quê?! Em termos de retratar uma história na favela (Meirelles não foi pioneiro nisso) ou no que diz respeito à movimentação de câmeras e cores em geral? Acho que não. Lá em 1996 Danny já apresentou algo no estilo do filme nacional com Trainspotting – mas óbvio, no que se refere à estilização de cena e modo de filmagem. E claro, em termos visuais “Slumdog” é um raro exemplar. A fotografia prima por cores fortes, brilho, luz e se faz perfeita. A montagem é outro grande aspecto, já que não temos uma história linear e cada tomada é gerada com muita cautela, mas sempre deixando o ritmo frenético em evidência. A parte sonora é notável, principalmente a mixagem do som e, até que enfim, chegamos num momento que eu esperava: a trilha sonora. Já ouvi comentários de outros blogueiros e amigos afirmando que a trilha de A.R Rahman para o filme é a melhor da temporada. Discordo, e muito. Já pude ter o prazer de escutar a composição de Alexandre Desplat para O Curioso Caso de Benjamin Button e digo que esta é realmente muito superior. Rahman não faz nada errado, já que a música tem tudo a ver com o filme, mas não me conquistou no geral (admito que Jai Ho é ótima – inclusive ela é o fundo musical dos créditos que, por muitos foi odiado, mas eu vejo como uma homenagem ao povo indiano). Esqueci de mencionar o elenco, mas digo que ele é somente correto; salvo Patel que realmente é bom ator (mas, sinceramente, que viagem de ácido foi essa de classificarem o garoto como coadjuvante?). Slumdog Millionaire, concluindo, é, segundo Rubens Edwald Filho, “o encontro entre Hollywood e Bollywood”. Mas acredito que tudo é maquinado aos modelos da nova, e já genial, indústria cinematográfica indiana. Vemos muito mais da Índia, que dos Estados Unidos nesta fita.

Nota: 9,0

Slumdog Millionaire; Inglaterra, 2008; DRAMA/ROMANCE; de Danny Boyle; Com: Dev Patel, Madhur Mittal, Ankur Vikal, Freida Pinto, Anil Kapoor.

Desafio e Filmes Estrangeiros Selecionados

2009-01-13T21:20:00.009-02:00

A amiga Romeika do A Room of One's Own me propôs um desafio muito peculiar e interessante. Acompanhem o que devo fazer:

1. Ir até a quarta pasta, no meu pc, onde minhas imagens estão arquivadas;

2. Pegar a quarta foto, desta quarta pasta;

3. Explicar a foto;

4. Escolher quatro pessoas para fazer o mesmo.

Eis a foto (bem aleatória mesmo!):

Explicação: primeiro quero deixar claro que pedi permissão para as meninas da foto. Um dia destes nós fizemos um remember com os amigos antigos e, numa brincadeira, pedi que estas três amigas minhas fizessem poses diferentes. A de preto, Tami, parece a Leandra Borges (aquela modelo, personagem de Ingrid Guimarães); a do meio, Bruna, parece que foi pedida em casamento pelo celular; e a da direita, Micheli, estava observando uma nota de R$ 1,00 (não sei o porquê). Eu disse que era bem aleatório...

Desafio os seguintes blogueiros:

1. Wally, do Cine Vita

2. Rafael, do Tablito

3. Mayara, do Apaixonada por Cinema

4. Jeff, do Receio de Remorso

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É com muita raiva que anuncio a exclusão do filme italiano Gomorra da lista do Oscar. Agora pouco foram divulgados os 9 filmes que ainda continuam na disputa. É o segundo ano que a Academia exclui o que, provavelmente, é o melhor estrangeiro da temporada. Percebam o filme japonês, Departures, entre os selecionados; o filme sempre esteve na minha lista. O Brasil?? Óbvio, de fora (justo). Eis os 9:

Áustria, Revanche, de Gotz Spielmann

Canadá, The Necessities of Life, de Benoit Pilon

França, Entre Paredes, de Laurent Cantet

Alemanha, The Baader Meinhof Complex, de Uli Edel

Israel, Valsa Com Bashir, de Ari Folman

Japão, Departures, de Yojiro Takita

México, Arranca-me a Vida, de Roberto Sneider

Suécia, Everlasting Moments, de Jan Troell

Turquia, Três Macacos, de Nuri Bilge Ceylan

A Troca e Comentários Sobre Globo de Ouro

2009-01-12T14:48:00.005-02:00

Nos primeiros dez ou quinze minutos de A Troca, somos guiados pela vida de Christine Collins (Angelina Jolie) e seu filho Walter Collins (Gattlin Griffith). Mãe solteira, ela cria o filho como se este fosse (e é) a sua razão de viver. A relação entre eles é linda, mas todo o ambiente maternal e filial será convertido num ambiente angustiante quando, ao voltar do trabalho, Christine se depara com seu filho desaparecido. A partir daí começa a busca fervorosa de uma mãe pela pessoa que mais ama na vida. Após umas semanas de desaparecimento, ela recebe a notícia de que Walter está vivo e que retornará ao lar. Mas ao se encontrar com a criança encontrada, de pronto, Christine afirma que não é seu filho. A Troca, novo filme de Clint Eastwood, nos prende na poltrona durante suas mais de duas horas de reprodução e nos presenteia, a cada cena, com diálogos excelentes – os quais vão além do desaparecimento do garoto.

Apresentando uma falhazinha aqui e acolá, o roteiro de J. Michael Straczynski baseia-se na história real desta mãe, a qual foi e voltou ao inferno várias vezes movida pela esperança de encontrar seu filho. Mas seria tão complicado às autoridades admitirem ter encontrado a criança errada e reiniciar as buscas? Estamos no fim da década de 20; uma época onde quem detinha o poder – seja policial ou político – era praticamente intocável e onde a voz feminina de nada valia. Desafiando a polícia e afirmando que as autoridades realmente a enganaram em mandar o garoto errado, Christine é mandada a um manicômio com um atestado muito discutível. Lá, ela conhece internas que só foram trancafiadas por terem feito algo “contra” as autoridades locais. Mas graças ao Reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich), ela é liberada da clínica e, obviamente, com a ajuda de Gustav, voltará a procurar Walter. A partir daqui, o texto pode conter spoiler. Paralelamente a isto, um detetive é mandado a um rancho para prender um garotinho que está ilegal nos Estados Unidos. Entretanto, este guarda um segredo absurdamente chocante e, numa cena espetacular, conta ao detetive que seu primo, Gordon Northcott (Jason Butler Harner), o obrigou a assassinar vinte crianças a troco de nada. Ao mostrar fotos para que o menino identificasse-as, o detetive fica chocado ao saber que um dos meninos é Walter Collins e fica ainda mais pasmo quando o garoto informa que dois ou três conseguiram fugir. Resumindo, encontram o tal Gordon Northcott, o qual é totalmente perturbado e insano, e ele é condenado à forca, sendo que no seu julgamento, diz que nunca fez mal a Walter e que este é um anjo. Isto impulsiona Christine a nunca mais desistir de procurá-lo e o desfecho não poderia ser mais coerente.

Fim dos possíveis spoilers.

O roteiro se faz quase que genial por conseguir colocar em evidência não só o desaparecimento do garoto, mas sim todas as questões antiéticas acerca da polícia e política naquela época. Clint Eastwood, que pra mim é fenomenal, utiliza um modelo clássico de filmagem em termos de movimentação e posicionamento de câmeras, mostrando tudo sem firulas e construindo closes irretocáveis. O próprio Clint compôs a trilha sonora que apesar de ser doce, sempre nos prepara para um momento de aparente luto e angústia. Na realidade, toda a parte técnica é majestosa, com destaque aos figurinos, à direção de arte e à fotografia. O elenco secundário é fantástico: John Malkovich com uma gana de atuação e o ator meio desconhecido Jason Butler Harner quase rouba a cena. Sabem o que mais me irritou? Alguns dos amigos blogueiros sabem que sou fã incondicional da atriz Angelina Jolie. Mas consigo deixar isso de lado, analisar imparcialmente e, mesmo assim, digo que Angelina está excepcional! Em cada olhar angustiante e diálogo emocionado ela supera seu excelente trabalho anterior (O Preço da Coragem) e atua de forma ímpar. E é isto que me irrita, pois sei que alguns irão dizer que só acho isso por ser fã. Mas posso garantir que consigo separar. Confesso, inclusive, que chorei em várias passagens e também confesso que este é um dos melhores filmes atuais de Eastwood.

Nota: 8,5

Changeling; EUA, 2008; DRAMA; de Clint Eastwood; Com: Angelina Jolie, Jason Butler Harner, John Malkovich, Gattlin Griffith, Michael Kelly, Colm Feore.

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Sobre a Cerimônia do Globo de Ouro 2009: nenhuma surpresa, a não ser a dupla vitória de Kate Winslet (por O Leior e Foi Apenas Um Sonho) e de Anna Paquin pela comentadíssima série True Blood. O filme britânico Slumdog Millionaire, de Danny Boyle, sai consagrado com quatro prêmios, incluindo Filme – Drama e Direção. Não fiquei muito feliz, no entanto, com a vitória de Vicky Cristina Barcelona na categoria Melhor Filme - Comédia/Musical. Na Mira do Chefe e Queime Depois de Ler são superiores, a meu ver. Para conferir a lista completa de vencedores, clique aqui.

Resumo da Semana

2009-01-11T12:25:00.010-02:00

Como eu comuniquei no dia em que retornei de viagem, o espaço dedicado à "Imagem da Semana" sofreu uma transformação. A partir de hoje, postarei, aos Domingos, o resumo da minha semana e utilizarei uma lista com cinco tópicos para isso. Irei citar os filmes assistidos em cada semana, inclusive os que revi, e depois classificar o melhor e o pior (ocorrendo isto em termos de atuações também). Deixo um tópicos dedicado não só ao Cinema, mas sim ao que mais me chamou atenção na semana que passou. Espero que gostem!

♠ Filmes Assistidos (de 04/01 a 10/01):

> O Hospedeiro (Coréia do Sul, 2006 - de Joon-Ho Bong) - 7,2
> O Corpo (EUA, 2001 - de Jonas McCord) - 3,0
> Sete Vidas (EUA, 2008 - de Gabriele Muccino) - 3,5
> Enfim, Juntos (França, 2007 - de Claude Berri) - 9,5
> Prenda-me Se For Capaz (EUA, 2002 - de Steven Spielberg) ** - 8,2
> O Dia em Que a Terra Parou (EUA, 2008 - de Scott Derrickson) - 6,6
> Marley & Eu (EUA, 2008 - de David Frankel) - 6,0
> Coração de Tinta (EUA/Reino Unido, 2008 - de Iain Softley) - 6,0
> A Troca (EUA, 2008 - de Clint Eastwood) - 8,7
> Fonte da Vida (EUA, 2006 - de Darren Aronofsky) ** - 9,0
> As Mil e Uma Noites (Itália, 1974 - de Pier Paolo Pasolini) - 7,5

** Filme revistos

• Filme da Semana: Enfim, Juntos (França, 2007 - de Claude Berri) - 9,5
Sinopse: adaptação do livro homônimo de Anna Gavalda, centrado no encontro de quatro pessoas que aparentemente não têm nada em comum - fora o fato de todas elas serem completamente sozinhas e incapazes de viver integradas na sociedade.

• Pior Filme da Semana: O Corpo (EUA, 2001 - de Jonas McCord) - 3,0
Sinopse: a descoberta de um corpo que pode ser de Jesus Cristo levanta polêmica, já que a comprovação da autenticidade do corpo pode arruinar a credibilidade da Igreja Católica.

• Atuação Feminina da Semana: Angelina Jolie como Christine Collins (A Troca)

• Atuação Masculina da Semana: Hugh Jackman como Dr. Tomas Creo (Fonte da Vida)

• O que Não Saiu da Minha Cabeça esta Semana: a canção "Janta" de Marcelo Camelo e Mallu Magalhães (não encontrei um clipe propriamente dito, mas se puderem escutem a canção).

Ótima semana e Globo de Ouro para todos!

Palpites - Vencedores Globo de Ouro 2009

2009-01-10T09:44:00.005-02:00

Vamos direto ao ponto?!

Melhor Filme – Drama
- Front-runner: O Curioso Caso de Benjamin Button
- Runner-up: Slumdog Millionaire

Melhor Filme – Comédia/Musical
- Front-runner: Simplesmente Feliz
- Runner up: Vicky Cristina Barcelona

Melhor Direção
- Front-runner: Danny Boyle, Slumdog Millionaire
- Runner-up: David Fincher, O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Roteiro
- Front-runner: Slumdog Millionaire
- Runner-up: O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Atriz – Drama
- Front-runner: Anne Hathaway, O Casamento de Rachel
- Runner-up: Meryl Streep, Dúvida

Melhor Ator – Drama
- Front-runner: Sean Penn, Milk – A Voz da Igualdade
- Runner-up: Mickey Rourke, The Wrestler

Melhor Atriz – Comédia/Musical
- Front-runner: Sally Hawkins, Simplesmente Feliz
- Runner-up: Frances McDormand, Queime Depois de Ler

Melhor Ator – Comédia/Musical
- Front-runner: Colin Farrell, Na Mira do Chefe
- Runner-up: Dustin Hoffman, Last Chance Harvey

Melhor Atriz Coadjuvante
- Front-runner: Kate Winslet, O Leitor
- Runner-up: Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona

Melhor Ator Coadjuvante
- Front-runner: Heath Ledger, Batman – O Cavaleiro das Trevas
- Runner-up: Robert Downey Jr., Trovão Tropical

Melhor Animação
- Front-runner: Wall-e
- Runner-up: Bolt – Supercão

Melhor Filme Estrangeiro
- Front-runner: Gomorra (Itália)
- Runner-up: Valsa com Bashir (Israel)

Melhor Trilha Sonora
- Front-runner: Alexandre Desplat, O Curioso Caso de Benjamin Button
- Runner-up: A.R Rahman, Slumdog Millionaire

Melhor Canção Original
- Front-runner: “Down to Earth”, Wall-e
- Runner-up: “The Wrestler”, The Wrestler

Apostas Oscar 2009 - Lista II

2009-01-08T12:44:00.004-02:00

Como eu adoro temporada de premiações! Fico fazendo e refazendo listas, sempre na expectativa que, em algum grande award tenhamos surpresas. Dia 11/01, Domingo, será realizada a Cerimônia de entrega dos Globos de Ouro 2009 e, assim, no sábado de manhã, irei publicar minhas apostas (somente cinema). Mas até o dia chegar, deixo vocês com a minha segunda lista (e já bastante diferente da primeira lista) dos supostos indicados ao Oscar deste ano. Também já aproveito para informar que as minhas apostas ao SAG, o qual será dia 25/01, serão anunciados um dia antes da premiação.

- Melhor Filme

O Curioso Caso de Benjamin Button
Batman – O Cavaleiro das Trevas
Milk – A Voz da Igualdade
Frost/Nixon
Slumdog Millionaire
Alt.: The Wrestler

- Melhor Direção

David Fincher, O Curioso Caso de Benjamin Button
Christopher Nolan, Batman – O Cavaleiro das Trevas
Danny Boyle, Slumdog Millionaire
Ron Howard, Frost/Nixon
Gus Van Sant, Milk – A Voz da Igualdade
Alt.: Darren Aronofsky, The Wrestler

- Melhor Atriz

Meryl Streep, Dúvida
Anne Hathaway, O Casamento de Rachel
Melissa Leo, Rio Congelado
Sally Hawkins, Simplesmente Feliz
Kate Winslet, Foi Apenas um Sonho
Alt.: Angelina Jolie, A Troca

- Melhor Ator

Mickey Rourke, The Wrestler
Brad Pitt, O Curioso Caso de Benjamin Button
Frank Langella, Frost/Nixon
Sean Penn, Milk – A Voz da Igualdade
Richard Jenkins, O Visitante
Alt.: Leonardo DiCaprio, Foi Apenas um Sonho

- Melhor Atriz Coadjuvante

Viola Davis, Dúvida
Taraji P. Henson, O Curioso Caso de Benjamin Button
Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
Kate Winslet, O Leitor
Marisa Tomei, The Wrestler
Alt.: Amy Adams, Dúvida

- Melhor Ator Coadjuvante

Heath Ledger, Batman – O Cavaleiro das Trevas
Dev Patel, Slumdog Millionaire
Robert Downey Jr., Trovão Tropical
Philip Seymour Hoffman, Dúvida
Josh Brolin, Milk – A Voz da Igualdade
Alt.: Michael Shannon, Foi Apenas Um Sonho

- Melhor Roteiro Original

Mike Leigh, Simplesmente Feliz
Andrew Stanton, Wall-e
Woody Allen, Vicky Cristina Barcelona
Dustin Lance Black, Milk – A Voz da Igualdade

Robert Siegel, The Wrestler
Alt.: Jenny Lumet, O Casamento de Rachel

- Melhor Roteiro Adaptado

Eric Roth, O Curioso Caso de Benjamin Button
Peter Morgan, Frost/Nixon

Christopher Nolan e Jonathan Nolan, Batman – O Cavaleiro das Trevas
David Hare, O Leitor
Simon Beaufoy, Slumdog Millionaire
Alt.: Justin Haythe, Foi Apenas um Sonho

- Melhor Montagem

Batman – O Cavaleiro das Trevas
Slumdog Millionaire
O Curioso Caso de Benjamin Button
The Wrestler
Frost/Nixon
Alt.: Milk – A Voz da Igualdade

- Melhor Trilha Sonora

Danny Elfman, Milk – A Voz da Igualadde
Alexandre Desplat, O Curioso Caso de Benjamin Button
Thomas Newman, Wall-e
Hans Zimmer, Frost/Nixon
Howard Shore, Dúvida
Alt.: A.R. Rahman, Slumdog Millionaire

- Melhor Fotografia

O Leitor
O Curioso Caso de Benjamin Button
Foi Apenas um Sonho
Slumdog Millionaire
Batman - O Cavaleiro das Trevas
Alt.: Austrália

- Melhor Direção de Arte

O Curioso Caso de Benjamin Button
Austrália
O Leitor
A Dúvida
A Troca
Alt.: Batman – O Cavaleiro das Trevas

- Melhores Figurinos

O Curioso Caso de Benjamin Button
Austrália
Sex and the City – O Filme
A Duquesa
A Troca
Alt.: The Fall – A Queda

- Melhor Maquiagem

O Curioso Caso de Benjamin Button
Batman – O Cavaleiro das Trevas
O Leitor
Alt.: Hellboy 2 – O Exército Dourado

- Melhor Animação

Wall-e
Waltz with Bashir
Kung Fu Panda
Alt.: Bolt - Supercão

- Melhores Efeitos Visuais

Hellboy 2 – O Exército Dourado
Homem de Ferro
Batman – O Cavaleiro das Trevas
Alt.: A Múmia: Tumba do Imperador Dragão

- Melhor Edição de Som

Batman – O Cavaleiro das Trevas
O Curioso Caso de Benjamin Button
Wall-E
Defiance
Homem de Ferro
Alt.: Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal

- Melhor Mixagem de Som

Batman – O Cavaleiro das Trevas
Wall-E
Homem de Ferro
Austrália
Slumdog Millionaire
Alt.: Defiance

- Melhor Canção

“The Wrestler”, The Wrestler
“Down to Earth”, Wall-e
“Jai Ho”, Slumdog Millionaire
“Once in a Lifetime”, Cadillac Records
“I Thought I Lost You”, Bolt - Supercão
Alt.: “Right to Dream”, Tennesee

- Melhor Filme Estrangeiro

Maria Larrson’s Everlasting Moments (Suécia)
Gomorra (Itália)
Departures (Japão)
The Baader Meinhof Complex (Alemanha)
Entre Paredes (França)
Alt.: Revanche (Áustria)

- Melhor Documentário

I.O.U.S.A.
They Killed Sister Dorothy
Man on Wire
In a Dream
Pray the Devil Back to Hell
Alt.: Made in America

Sete Vidas

2009-01-07T13:03:00.006-02:00

Durante os primeiros trinta minutos de Setes Vidas, ficamos totalmente perdidos na história. E continuamos sem entender muito bem o que se passa até os minutos finais. Até se a explicação, já no desfecho, fosse espetacular e cobrisse os furos no roteiro, tudo bem. Mas isso está muito longe de acontecer – mesmo com um final imprevisível. A fita nos apresenta de novo a parceria entre Will Smith e o diretor Gabriele Muccino (já vista no melodrama À Procura da Felicidade) que, infelizmente, desta vez, foi horrível.

O roteiro não-linear de Grant Nieporte conta a história de Ben Thomas (Smith) que guarda um segredo, e todas as suas ações durante o filme são decorrentes deste que, na verdade, percebemos que foi uma tragédia no passado. Sabemos que é algo ruim pois Ben vive num poço sem fundo, vivendo de aparências e, em realidade, alguns flashbacks desta tragédia nos são mostrados em seus sonhos. Aparentemente ele trabalha na Receita Federal e escolhe algumas pessoas das as quais deve cobrar o que devem ao Estado. Mas não é isso que ele pretende: para fugir da culpa do passado, “salva” vidas de completos desconhecidos. Saberemos, no fim, por que é sete o número de escolhidos que ele irá ajudar, seja em vida ou em morte (?). A frágil Emily Posa (minha querida Rosario Dawson) é uma destas pessoas e, como era de se esperar, Ben não só irá ajudá-la, mas sim se apaixona pela moça. Pra encurtar, somos guiados por um Will Smith totalmente paradoxal (um homem em extrema depressão que fica fazendo piadinhas bobas?) pela vida de pessoas que estão sofrendo, mas que são orgulhosas demais para pedirem socorro. A película de pouco mais de duas horas, tem um roteiro que beira o absurdo em certos momentos (o protagonista tem fissura por águas-vivas, chagando ao ponto de criar uma em casa) e uma direção erradíssima. Muccino despeja açúcar o tempo todo no filme e enche-o de momentos “chore agora!” – os quais já existem em À Procura da Felicidade – o que, pra mim, não cola. Tudo o que eu esperava é que o roteiro se amarrasse no fim, mas tudo acabou por desmoronar de vez: confuso, pretensioso, longo para o que propõe e minado de falhas (até agora não sei ao certo quem são as sete pessoas).

O elenco se esforça e isso me dá muita pena. Assumidamente não gosto de Smith, mas ele tenta o tempo todo e parece saber que nada tem salvação. Os secundários Rosario Dawson, Woody Harrelson, Barry Pepper e Elpidia Carrillo estão excelentes e, se o filme ajudasse, seriam grandes papéis. Há tempos não via um roteiro e uma direção acabarem com personagens que poderiam ser tão interessantes. A parte técnica não tem nenhum grande chamariz. Somos guiados por alguns flashbacks, mas a montagem só se faz correta e nada mais. Talvez o único grande destaque e, na verdade, talvez, a melhor coisa do filme, é a trilha sonora. Desta maneira, fica claro que, pra mim, Sete Vidas, apesar de lidar com um tema forte, torna-se algo descartável. A nota que a fita conquistou foi dada única e exclusivamente ao elenco e à trilha. Diria que 90% do filme chega a ser descartável.

Nota: 3,5

Seven Pounds; EUA, 2008; DRAMA; de Gabriele Muccino; Com: Will Smith, Rosario Dawson, Woody Harrelson, Barry Pepper, Elpidia Carrillo.

Pequena Miss Sunshine

2009-01-05T20:42:00.010-02:00

Sou um adorador do cinema independente, e vejo que este tem sido muito valorizado de uns tempos para cá, o que é muito interessante. No meio de um filme policial (Os Infiltrados), de um bélico (Cartas de Iwo Jima), de outro que retrata soberania (A Rainha) e de um drama pesado, porém pretensioso (Babel), está essa deliciosa comédia “largada”, mas de extrema valia.

Obviamente que nenhuma família é normal, mas a família Hoover vai além deste conceito: Olive (Abigail Breslin) é a caçula gordinha e de óculos que sonha em ganhar um concurso de beleza; Richard (Greg Kinnear) é o pai obcecado pelo método de auto-ajuda que criou o qual, diga-se de passagem, é um fracasso; o pai de Richard (Alan Arkin) é viciado em heroína; Dwayne (Paul Dano), o filho mais velho, está na adolescência feroz e fez um voto de silêncio; Sheryl é a mãe (Toni Collette), que sempre tenta ponderar e acalmar essa família incomum; para fechar o clã, há o irmão de Sheryl, Frank (Steve Carell), um homem que acaba de sair de uma clínica por tentar suicídio. Certo dia, Olive é convidada para participar do tão sonhado concurso de beleza, porém eles terão uma longa viagem até lá. Imaginem esta simpática família em "aparente" crise, viajando por vários quilômetros dentro de uma kombi! Esta é a atmosfera de Pequena Miss Sunshine, ou com um título bem mais apropriado, ‘Família à Beira de Um Ataque de Nervos’.

Muitos o classificam como uma comédia que contém certa carga dramática; eu acho o contrário: um belo drama sobre uma família desestruturada que alcança a felicidade; as cenas cômicas servem como um amortecedor, visando uma digestão prazerosa do filme. Percebam, então, que o roteiro tende única e exclusivamente à originalidade e o responsável por ele é Michael Arndt. O escrito é trabalhado minuciosamente em cima de diálogos inteligentes e muito comoventes. Além destes, há várias belíssimas cenas que vão desde a descoberta de que Dwayne é daltônico e, com isso não poderá ser piloto de aviões (aqui, Paul Dano dá um show), até a cena final onde ocorre a apresentação de Olive no concurso. Assim, com um texto desses em mãos, os diretores Jonathan Dayton e Valerie Faris conseguem conduzir a película muito bem e acertam na tarefa de transpô-lo para as telonas. Simplesmente o filme não é provido de uma parte técnica (direção de arte, fotografia, maquiagem...) incrivelmente bem desenvolvida por um simples motivo: ele não necessita. Em verdade, devo destacar a trilha sonora, a qual é perfeita. É o tipo de fita que é feita por um elenco afiado, um roteiro redondinho e uma direção competente.

Vejo Pequena Miss Sunshine como um filme necessário, uma vez que é inevitavelmente uma lição de vida. Com uma apresentação singular dos personagens, ele, sem intenção, faz com que o espectador se identifique com algum deles. Poderia ser recheado de clichês e lições de moral caretas, mas ao invés disso trata-se de um filme extremamente positivo por demonstrar os valores que uma família realmente deve seguir, uma vez que, o importante na vida não é se sujeitar a uma participação em um concurso fútil que pretende transformar jovens garotas em modelos prematuras, mas sim, com o apoio e união de toda uma família, ser o mais original e transparente possível. Um amigo meu se refere aos Hoover como "uma família autodestrutiva", mas calma! Eles são legais!

Nota: 9,0

Little Miss Sunshine; EUA, 2006; DRAMA/COMÉDIA; de Jonathan Dayton e Valerie Faris; Com: Abigail Breslin, Greg Kinnear, Toni Collette, Paul Dano, Alan Arkin, Steve Carell.

O Que é Cinema?

2009-01-04T11:46:00.005-02:00

Abrindo mais um espacinho para um bom debate, lanço, de forma direta, a questão: o que é Cinema? Certa vez, o amigo Otavio do Hollywoodiano lançou um texto indireto com esta indagação, o que proporcionou uma discussão quase inacabável. Decidi, pois, fazer alguns comentários acerca desta pergunta e peço que vocês, leitores, deixem sua opinião ao final do texto.

Cinema é, necessariamente, sinônimo de grandiosidade ou basta termos o trivial? Permitam-me ser totalmente parcial e dizer o meu ponto de vista: acredito que Cinema não se resume em grandiosidade. Óbvio que faz bem aos olhos assistir a um filme requintado do ponto de vista visual, com locações exóticas e, enfim, orçamento caríssimo. Mas o que dizer dos filmes independentes que, na sua grande maioria, são fixadas numa atmosfera paupérrima em termos técnicos? Só por não ter gasto milhões para se fazer filme, quer dizer que não pode ser considerado parte da Sétima Arte? Desculpem-me os que apóiam esta idéia, mas não acredito que uma fita tenha que ser gigantesca “monetariamente” para ser Cinema. Basta termos um roteiro bem escrito, um diretor sábio para filmá-lo, uma equipe técnica correta e, claro, um elenco bom. Vou além e digo que nenhum precisa ser conhecido, ou somente uma película de Spielberg, ou estrelada por Al Pacino, ou ainda musicada por John Williams desembocará num belo trabalho? Mas é claro que não. Em 2003, por exemplo, tínhamos cinco filmes grandiosos indicados na categoria principal do Oscar – se colocarmos aqui o longa de Stephen Daldry - (Chicago, O Senhor dos Anéis – As Duas Torres, As Horas, O Pianista e Gangues de Nova York). Insiro este adjetivo às fitas por que têm, sim, orçamentos caros, principalmente os filmes de Peter Jackson, Rob Marshall e Martin Scorsese; e era neste último que queria chegar. Não gosto nada de Gangues de Nova York! Tem seus belíssimos figurinos (Sandy Powell), a linda direção de arte (Robert Guerra e Stefano Maria Ortolani), a correta fotografia (Michael Ballhaus), bom elenco (Daniel Day-Lewis, Leonardo DiCaprio, Cameron Diaz...), um dos seus roteiristas é o adorado Kenneth Lonergan e seu diretor é Scorsese. Resumindo: é, em sua totalidade, feito por pessoas conhecidas e, sim, grandioso; ok. No mesmo ano um filme independente de nome O Tempo de Cada Um, fez o maior sucesso no Indepedent Spirit Awards, é desconhecido e paupérrimo em termos técnicos (alguém conhece a fotógrafa do filme Ellen Kuras?), tem um elenco totalmente independente (Kyra Sedgwick, Parker Posey, Fairuza Balk...) e é escrito e dirigido por Rebecca Miller que, convenhamos, não tem um prestígio parecido com o de Scorsese. Citei todas estas comparações entre os dois filmes para dizer que prefiro mil vezes o “pobre” O Tempo de Cada Um ao “rico” Gangues de Nova York. Este não me proporcionou nenhuma reflexão, mesmo com sua técnica grandiosa; já aquele vai lá ao fundo da alma e, de maneira humilde, faz-se maior que o, aparentemente, grande.

Reflexão. Falei tanto para chegar nesta palavra. O Cinema na grande maioria das vezes expressa algum sentimento, o qual pode se transformar num momento de reflexão (como comentei incansavelmente no meu texto sobre O Poder do Cinema). E não estou aqui para pegar as películas independentes e colocá-las num pedestal, já que qualquer tipo, seja grande ou não, pode vir recheada de conteúdo. Desejo e Reparação, de Joe Wright, é um filme caríssimo e, desta forma, deslumbrante tecnicamente e que, mesmo com minhas críticas negativas ao elenco (Keira e James) e ao roteiro (em termos de adaptação), serve como uma aula sobre arrependimento e paixão. Pronto! Aproveitei para me redimir por ter deixado esta fita de fora do meu top 10 do ano e para deixar claro que não tenho nada contra este tipo de filme. Encerrando, afirmo que não importa o orçamento, nem quem dirige e escreve tampouco o elenco: muito mais que assistir a um filme, eu gosto de senti-lo e, se este consegue ser poderoso em termos de mensagem, é parte da Sétima Arte.

* Estava tão empolgado com este texto que me esqueci de dar boas-vindas a vocês, pessoal! Não aguentei de saudades e voltei um dia antes – na verdade por motivos particulares – para atualizar o Bit of Everything. Aproveito para comunicar que, a partir de Domingo que vem o espaço “Imagem da Semana” sofrerá uma transformação e ficará mais completo e interessante. Aguardem!

See you in 2009!!

2008-12-24T12:08:00.007-02:00

Este é o primeiro fim de ano do Bit of Everything e, de visual novo, desejo oficialmente a todos os que nos visatam e, principalmente, aos blogs parceiros um Feliz Natal. Muita paz, saúde e felicidade! Que muitos sonhos se tornem realidade nesta noite e espero que ela seja iluminada. Também já aproveito para, de fato, encerrar 2008 com esta postagem e, então, também desejo que 2009 venha cheio de realizações. É um momento para refletir sobre o ano que acaba e fazer pensamento positivo para que o ano que entra seja melhor. E é isto o que farei: pensar positivo na intenção de cada um de vocês, amigos e amigas blogueiros (as). Agradeço pela paciência que sempre têm em ler meus intermináveis e polêmicos textos. Também sou muito grato pelas visitas que, dia após dia, acontecem por aqui.

~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~ ~

Não esqueçam que é tempo de renovar as amizades e firmar as amizades que já tem; de refazer seus sonhos ainda não realizados e acreditar que irá concretizá-los; soltar um olhar solidário e acalentador para os seus amigos e bocejar para os inimigos; aprender com os erros do ano já ido e brindar o ano bem vindo com um sorriso. Correr ao encontro daquele amor ainda não perdido ou surpreender mais uma vez o amor já conquistado.

Tá chegando a hora...

De cantar e preencher o teu coração e os corações de todos com muita alegria, paz e amor. Com certeza isso trará a prosperidade até você e àqueles que ama.

Feliz Natal e um Ano Novo mágico!

Crepúsculo

2008-12-23T17:21:00.005-02:00

O que se espera de um filme que, aparentemente, fala sobre vampiros e outros seres fantásticos? Eu, pelo menos, não esperava nada mais que um amontoado de clichês totalmente desnecessários extraídos de um best-seller cultuado por adolescentes – na maioria dos casos. Entretanto, saí da sessão de Crepúsculo com gostinho de quero mais, louco para saber o que irá acontecer “nos próximos capítulos”. Como não li o livro de Stephenie Meyer, tratei a fita como se fosse embasada num roteiro original e, na verdade, tudo é bem original mesmo.

Isabela Swan (Kristen Stewart) vai morar com seu pai em uma nova cidade, depois que sua mãe decide casar-se novamente. Já no primeiro dia na nova escola vê-se encantada por Edward Cullen (Robert Pattinson), um garoto esquisito aos olhos de todos e que guarda um segredo conhecido apenas por sua família. Não demora muito para Bella e Edward se apaixonarem e, como mandaria o figurino, viverem uma linda história de amor. Mas esta última parte demora a acontecer, pois o segredo dele é algo que poderia colocar a vida da moça em perigo. No fundo, Bella sabe que ele não é normal, e acaba descobrindo que, na verdade, Edward faz parte de um clã de vampiros. A cena em que ela revela saber a verdade sobre ele é dirigida de forma singular pela ótima Catherine Hardwicke: cenas com a câmera em movimentos giratórios e closes no casal. Tudo se encaixa e eles conseguem conviver com as diferenças, até que num jogo de baseball com os Cullen (outra cena maravilhosa em termos visuais), Bella é exposta ao perigo, quando um vampiro sedento por sangue humano, a acha e decide capturá-la custe o que custar. Desta forma, toda a família de Edward se mobiliza para proteger a menina, mas um final interessante está guardado para ela.

Os clichês existem, mas não no que diz respeito ao tema. Eles aparecem, inevitavelmente, nos diálogos inspirados e apaixonados entre o casal, mas tudo dentro da proposta do filme. Ao contrário do que já ouvi, acho o elenco muito bom, com destaque para a talentosa Kristen e Robert, já que a química entre os dois é assustadora. Só queria comentar, ainda acerca do elenco, sobre a presença de Elizabeth Reaser como a mãe de Edward: ela é uma atriz excelente que já mostrou seu talento na série Grey’s Anatomy. Passando para a parte técnica, comentei com algumas pessoas sobre o visual do longa. O tempo todo somos guiados por lugares escuros, chuvosos e nublados, mas a fotografia acompanha cada um destes artifícios e se faz excelente. Óbvio que as majestosas locações (vide a cena do vôo entre as árvores) contribuem também. Alguns nem perceberam, mas a estética nas cenas filmadas na floresta é muito interessante, primando por fumaça (neblina, na verdade), o que denota a nebulosidade da história. Contudo, acredito que o trunfo em termos técnicos seja a composição musical de Carter Buwell: que trilha fenomenal! Sombria, clássica, frenética e romântica, tudo dentro do momento certo. Mesmo com clichês, o filme torna-se totalmente cabível e mesmo com cenas em aberto, fico feliz que temos mais três adaptações pela frente.

Nota: 8,5

Twilight; EUA, 2008; DRAMA/ROMANCE/AVENTURA; de Catherine Hardwicke; Com: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Michael Welch, Justin Chon, Peter Facinelli, Kellan Lutz, Cam Gigandet, Anna Kendrick.

A Felicidade Não Se Compra

2008-12-22T22:54:00.004-02:00

Não tem como falar de Natal sem lembrar-se de alguns filmes clássicos da época. Mas um em especial sempre me emociona, não importando se é a vigésima vez que o assisto. Para os que não sabem, antes de receber cinco indicações ao Oscar, "A Felicidade Não Se Compra" foi um fracasso de bilheteria. Curioso, já que hoje o filme é tido como um dos melhores da história e, na minha lista, faz parte do top 5 de todos os tempos. O mais fabuloso de tudo é que o diretor Frank Capra não apela para violência, fortes conflitos, tensão dramática constante ou cenas para nos fazer chorar. Prima somente para o simples e fala de conceitos básicos e inerentes a todo ser humano: bondade, generosidade, amor, honestidade, compaixão. Vou além e digo que o filme o tempo todo nos apresenta contrastes, personificados pelos personagens George Bailey (James Stewart) e Henry Potter (Lionel Barrymore). Este conteúdo pode ser, inclusive, chamado de visionário pois tudo o que é mostrada no filme, hoje é realidade e numa escala ainda maior.

Em Bedford Falls, no Natal, George Bailey (“o comunista”, por que não?), que sempre ajudou a todos, pensa em se suicidar saltando de uma ponte, em razão das maquinações do capitalista Henry Potter, o homem mais rico da região. Mas tantas pessoas oram por ele que Clarence (Henry Travers), um anjo que espera há 220 anos para ganhar asas, é mandado à Terra, para tentar fazê-lo mudar de idéia. Na verdade, o longa começa com os pedidos de oração a George e uma conversa entre dois seres celestiais sobre a sua vida. Somos apresentados ao protagonista desde a sua infância e logo percebemos que ele é a personificação de três grandes sentimentos: bondade, generosidade e compaixão. Capra já ousa optando por uma história não linear, o que não era comum na época, e vai além: apresenta, em dado momento do filme, uma cena congelada o que jamais se havia visto. Já aproveito para inserir meu comentário sobre o magistral elenco, com destaque para James Stewart numa das mais belas atuações masculinas que já vi. Merece destaque também, a esposa do protagonista vivida pela super simpática Donna Reed. Durante a espetacular caracterização de George, percebemos perfeitamente que o filme é uma discussão entre até onde vale a pena termos nossas vidas manipuladas pelo dinheiro e o quão maravilhoso é ter amigos e pessoas que nos amam. Percebemos também que o personagem de James Stewart sempre viveu para fazer o bem aos demais e esqueceu-se da sua vida. Quando “cai na real”, vê-se tomado pelo desejo de suicidar-se e é nesse ponto que o filme aproveita para discutir seus temas: o que é melhor, ter muitos amigos ou se aproveitar das pessoas por causa do capitalismo e faturar em cima de seus sonhos? Será que nossas ações passam despercebidas por Ele lá em cima? Será que quando encontramos um amor de verdade devemos embarcar nele ou deixá-lo para trás com medo do futuro? São temas discutidos de maneiras diferentes. Ao invés de termos um aprofundamento claro durante as cenas, elas simplesmente vão acontecendo e você vai absorvendo suas intenções mesmo que inconscientemente. Tudo isso fica reforçado pelo excelente roteiro, que apresenta diversos argumentos sobre uma felicidade que o dinheiro simplesmente não pode comprar – e aí entra uma tradução perfeita para o título "It’s a Wonderful Life", que apesar de não ser exata ou literal, encaixa-se perfeitamente na idéia que o filme quer discutir.

Ao encontrar-se com seu anjo da guarda, George deseja jamais ter nascido e o anjo concede o desejo. Tudo para que o protagonista perceba como sua vida era, de fato, fabulosa – mesmo com os problemas do cotidiano. E vale lembrar que, mais uma vez, fica evidente o brilhantismo do roteiro, já que somos levados a um palco totalmente diferente do qual estávamos acostumados durante a reprodução: tudo havia mudado, uma vez que George não existia. Mais uma vez está na hora de ele “cair na real” e, numa das mais lindas e simples cenas que já vi, George Bailey (pai de quatro filhos, marido de uma excelente esposa, filho de uma mulher fantástica e irmão de um herói de guerra) profere a frase: “Deus! Eu quero minha vida de volta!”. E numa comum, mas iluminada noite de Natal, um milagre vindo do Céu acontece. E convenhamos que não há noite melhor para que sonhos se realizem e milagres ocorram.

Nota: 10,0

It’s a Wonderful Life; EUA, 1946; DRAMA; de Frank Capra; Com: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Beulah Bondi, Frank Fayden, Todd Karns.

Imagem da Semana

2008-12-21T17:11:00.007-02:00

Gostei de homenagear Steven Spielberg e, mais uma vez, escolho uma cena de um dos seus filmes. Como mencionei no post da semana passada, A Cor Púrpura é, pra mim, uma obra-prima. Filme deslumbrante tecnicamente, mas que, acima de tudo, mostra o lado maduro e sério de Steven. Adaptado da obra de Alice Walker, o longa conta a dura história de Celie (Whoopi Goldberg), a qual depois de ser violentada pelo pai torna-se mãe de duas crianças. Ela imediatamente é separada dos filhos e da única pessoa no mundo que a ama, sua irmã Nettie (Akosua Busia), e é doada a "Mister" (Danny Glover), que a trata simultaneamente como escrava e companheira. Mas ele é um homem bruto que, inevitavelmente, a maltrata o tempo todo. Quando Celie já está cansada de tanto sofrimento e de levar a vida que leva, se revela uma mulher forte e extraordinária. A cena nos mostra exatamente este momento, no qual ela ameaça "Mister" e, a partir daí, tem sua mais que merecida liberdade. Liberdade para ser mãe, o que nunca foi, e liberdade para ter sua amada irmã de volta. O filme me marcou demais e lembro de ter, como sempre acontece, chorado feito bebê durante algumas cenas. A irretocável atuação de Whoopi contribui para isto e, em verdade, tudo o elenco está formidável. Para quem ainda não viu, fica aí a dica!

Gostaria de comunicar que não viajarei no Natal, somente no Reveillon. Desta forma, aos que também ficarão, postarei uma mensagem dia 24. Mas quem já está destinado às viagens de fim de ano e não poderão lê-la, ficam aqui os meus votos de Feliz Natal! Muita paz, saúde e felicidade nesta data tão especial!

Top 10 of 2008

2008-12-20T12:57:00.032-02:00

Como muitos amigos blogueiros andam fazendo nesta época, soltarei a minha lista dos dez melhores filmes deste ano que termina. Devo dizer que fiquei horas analisando minha lista, que originalmente continha dezoito filmes, para eliminar os que estavam "sobrando". Foi difícil, muito difícil; mas ela está prontinha. Ao final, farei dois breves comentários, sendo que um deles responderá uma pergunta que, com certeza, estará na mente de vocês quando terminarem a lista.

10. "Persépolis" (Persepolis, de Vincent Paronnaud e Marjane Satrapi)

Animação francesa de extrema qualidade textual, Persépolis não pôde ficar de fora. Abordar a história de uma menina de oito anos que sonha em ser uma profetisa do futuro tendo como pano de fundo a entrada da nova República Islâmica, não é para qualquer um.

9. "Onde os Fracos Não Têm Vez" (No Country for Old Men, de Joel Coen e Ethan Coen)

Os divertidos irmãos Coen deixam o humor de lado e nos apresentam um drama fortíssimo sobre a violência e a maldade. E não pára por aí: acredito que o filme seja um conto sobre violência no qual há uma personificação da maldade (Javier Bardem). Com uma fotografia impecável de Roger Deakins e uma edição precisa, a fita conquista o nono lugar.

8. "O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford" (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, de Andrew Dominik)

Facilmente, levando em consideração sua data de estréia nos Estados Unidos, esta fita entrou na minha lista do Oscar 2008. Adaptado do genial livro de Ron Hansen, o filme mostra a vida de Jesse James e seus conflitos. Nos faz crer que, muias vezes, nossos inimigos estão mais próximos do que imaginamos. Em termos de técnica, mais uma vez Roger Deakins e sua bala fotografia. OBS.: a estréia nacional foi em 2007, mas ele acabou estreando aqui na cidade somente este ano. Desta forma, o considero fruto de 2008.

7. "Estômago" (Estômago, de Marcos Jorge)

Quase havia me esquecido desta belíssimo exemplar nacional. Além de ter tido o privilégio de dar uma espiada nas gravações, que também aconteceram aqui em Curitiba, o filme me conquistou por ser uma fábula para adultos. Caricata na medida certa, fotografada, musicada e editada de maneira fantástica. Talvez o seu desfecho esteja entre os mais incríveis do ano.

6. "Queime Depois de Ler" (Burn After Reading, de Joel Coen e Ethan Coen)

Não tem pra ninguém! Mesmo não faturando o primeiro lugar, os Coen estão duplamente, e com louvor, no meu top. "Queime Depois de Ler" é o oposto do nono lugar: divertidíssimo. Com um roteiro instigante e absurdamente inteligente e um elenco afiadérrimo, os brothers conseguem produzir algo delicioso de se ver. Não preciso dizer que, pra mim, a estrela do filme é Brad Pitt e seu insano personal trainer. Na verdade, o trio Fraces, Brad e John são espetaculares aqui.

5. "Batman - O Cavaleiro das Trevas" (The Dark Knight, de Christopher Nolan)

Não gosto de filmes de super-heróis. Mas devo tirar o chapéu para Nolan, uma vez que o seu trabalho anterior ("Batman Begins") me convenceu demais. The Dark Knight, pra mim, é antes de tudo um filme político. Não tem nenhum artifício mirabolante e, mesmo assim, consegue estar praticamente em todos os top's da temporada. Não preciso dizer nada sobre a arrebatadora atuação de Heath Ledger...

4. "4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias" (4 Luni, 3 Saptamani si 2 Zile, de Cristian Mungiu)

Forte. Este é um adjetivo que consegue resumir a fita mais polêmica do ano. Um filme composto por um elenco formidável e planos mais que irretocáveis do diretor Cristian Mungiu. Além de tudo, o filme romeno preterido no Oscar, lá no fundo, tem resquícios de sensibilidade - mesmo a cena final sendo quase que indigesta. Forte ou não, polêmico ou não, "4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias" é um exemplar maravilhoso.

3. "Na Natureza Selvagem" (Into the Wild, de Sean Penn) > BRONZE

Não foi só a sensibilidade absurda deste filme que me conquistou. Se pararmos para observar, a sua técnica é impressionante, desde a fotografia quase que pintada, passando por uma montagem a la Jay Cassidy e terminando nas canções encantadoras de Eddie Vedder. Óbvio que não vou enganá-los: chorei por alguns minutos depois do filme.

2. "O Escafandro e a Borboleta" (Le Scaphandre et le Papillon, de Julian Schnabel) > PRATA

Sem a menor dúvida, a produção franco-americana tem, provavelmente, a melhor fotografia do ano. Praticamente o tempo todo trabalhando em closes, fica difícil obter um resultado fotográfico tão perfeito como o mestre Janusz Kaminski conseguiu. Além de tudo, Julian dirige de forma originalíssima e ousada, nos fazendo entrar no personagem principal. Nota dez, também, em termos de montagem e elenco.

1. "Sangue Negro" (There Will be Blood, de Paul Thomas Anderson) > OURO

Que dúvida. Não é exagero de minha parte quando digo que esta fita de Paul Thomas Anderson, por enquanto, é a melhor desta década. Uma obra-prima suprema que fez-me sair do cinema em prantos. Não por ter ficado com pena do personagem de Paul Dano, mas sim por Sangue Negro ser tão irretocável e, a meu ver, uma aula de cinema. Com uma nota dez integral, o filme do seguidor de Robert Altman, trás consigo a melhor direção de arte, a melhor atuação masculina em papel perincipal (Daniel Day-Lewis) e coadjuvante (Paul Dano), a segunda melhor trilha sonora (Jonny Greenwood) e a segunda melhor fotografia (Robert Elswit) do ano. Além, claro, da direção mais majestosa da temporada. Celebremos a Sétima Arte com este espetáculo!

Menção Honrosa: "Mamma Mia! - O Filme" (Mamma Mia!, de Phyllida Lloyd)

Odiado por 90% dos cinéfilos, "Mamma Mia! - O Filme", adaptação do delicioso musical da Broadway, me conquistou do início ao fim. É minha menção honrosa, pois por pouquíssimo não entrou na lista, mas merece ser comentado. Lembram do meu texto logo no post abaixo sobre O Poder do Cinema? Pois bem. Esta fita me fez um bem absurdo e veio num momento que eu realmente estava precisando. Merece meus elogios por ter um elenco super legal, ótimas locações e figurinos muito simpáticos.

Cometários:

- Sim. "Wall-e" está fora da lista e, para falar a verdade, nem entrou na pré-lista. É, tecnicamente, brilhante; um deslumbre visual. A sua sequência inicial é um estrondo de bela, mas os atos seguintes são fracos e clichês. Mesmo com uma das canções mais lindas da temporada ('Down to Earth', de Peter Gabriel), a animação fica com uma nota que não a classifica entre os dez melhores filmes de 2008.

- Doeu, também, ter que excluir "O Nevoeiro" da lista. Contém a sequência final mais genial da temporada, mas ocupa o décimo primeiro lugar, uma pena!

Espero não ter magoado ninguém com algumas exclusões. Abraços!

O Poder do Cinema

2008-12-18T18:51:00.004-02:00

Muito se fala sobre o poder da música na vida das pessoas, ou ainda sobre como uma obra literária muda a maneira de o leitor viver. Reconheço que músicas como “Many Rivers to Cross” (Annie Lennox) e livros como “Ensaio Sobre a Cegueira” (José Saramago) me ajudaram a resolver algum problema e, de certa forma, mudaram alguma parte do meu ser. Mas e quanto ao Cinema? Acredito que vários filmes contêm o ingrediente certo para direcionar pessoas em alguma decisão. Inclusive há cineastas que criam materiais justamente para propor uma reflexão, a qual pode ser bem-vinda.

Mas não falo apenas em fitas óbvias, ou seja, que já pelo título sabemos que vieram com uma mensagem embutida. Alguns exemplares surtem efeito de formas absolutamente inusitadas, pois não têm a intenção de nos levar a pensamentos emocionais, por exemplo. Quem é que não aprendeu o que é amar um filho (em qualquer circunstância) com a personagem de Ellen Burstyn em O Exorcista? Ou então não conseguiu absorver todo o embasamento bioquímico acerca de O Óleo de Lorenzo? Ou ainda não aprendeu um pouco sobre questões sócio-econômicas no caricato sertão de A Máquina? Ora, estes três exemplos não nos propõe as conclusões das quais falei. O Exorcista é terror que pende quase que integralmente para questões de fé e crença, e não questões afetivas materno-filiais; O Óleo de Lorenzo, ao contrário do anterior, apega-se exclusivamente ao genuíno amor entre pais e filhos e a idéia de George Miller não era dar uma aula de bioquímica; o centro do nacional A Máquina é sobre amor e até onde você iria para conquistar quem ama, o que não implica num estudo geopolítico sobre o Sertão Nordestino. Entendem onde quero chegar? O Cinema tem o poder de nos enganar. Aparentemente podemos achar que é uma mera comédia e realmente o é. Mas se pararmos para pensar pode vir com ela alguma informação de valia – mesmo sem intenção.

Por mais simples que seja o feed back, ele pode fazer a diferença. É mais fácil, contudo, darmo-nos por convencidos de certa mensagem quando é exatamente isso que a película nos apresenta. É o caso da bela lição sobre não desistirmos da vida que temos em Magnólia, a maravilhosa viagem de Kombi com os Hoover em Pequena Miss Sunshine (e ensinamentos sobre união e originalidade familiar), o conto mais que indelével sobre compaixão e amizade em Central do Brasil. Maneiras mais espontâneas e diretas de presentear o espectador com momentos lindos, comoventes, inteligentes e necessários, os quais também podem estar, mesmo como um artifício secundário, em filmes “descompromissados” com este tipo de abordagem.

O ponto é: todos estes ensinamentos podem estar incrustados em filmes, sejam entrelinhas, sejam propositais. Desta forma, a Sétima Arte é impressionante e tem ou não o poder de mudar vidas? Falando por mim ouso em dizer que algumas fitas me ensinaram muito e, sendo mais específico, algumas delas funcionaram como divisores de água: fizeram existir um “Kauê pré-filme” e um “pós-filme”. Sem medo de errar, digo que não conheço um cinéfilo que não tenha sido presenteado com um material destes que contêm o poder.